Informations

Standto


Les officiers de l'armée croyaient que le moment le plus probable pour une attaque ennemie était tôt le matin. Ainsi, une heure avant l'aube chaque matin, chaque entreprise a reçu le stand-to-order. Tous les hommes en première ligne se tenaient sur le marchepied avec des fusils et des baïonnettes fixes. Au bout d'une heure, alors que la lumière est jugée trop bonne pour une offensive ennemie, le sergent donne l'ordre de se retirer et seules les sentinelles restent en alerte. Une heure avant la tombée de la nuit, un deuxième stand-to a été commandé. Lorsque la lumière s'est complètement éteinte, l'ordre de retrait a été donné.

Bien que les Allemands aient été au courant de ces routines, un grand nombre d'attaques ont eu lieu pendant une période d'attente. Cela était particulièrement vrai lorsque les officiers du renseignement allemand ont découvert que cette section de la tranchée de première ligne était tenue par des troupes inexpérimentées.

La journée a vraiment commencé au stand-to. L'expérience passée avait montré que la période dangereuse pour l'attaque était à l'aube et au crépuscule, lorsque l'attaquant, ayant l'initiative, pouvait voir suffisamment pour avancer et parcourir une bonne distance avant d'être repéré. Environ une demi-heure avant l'aube et le crépuscule, l'ordre « Tenez-vous » a été donné et passé silencieusement sur toute la longueur du front du bataillon. « Debout », passé le long de la ligne. La tension s'est relâchée, mais les sentinelles montaient toujours la garde au périscope ou par un petit miroir accroché au sommet d'une baïonnette.

Le petit déjeuner terminé, il n'y eut pas longtemps à attendre avant qu'un officier parût avec les détails des devoirs et des corvées à accomplir. Le nettoyage et l'inspection des armes, toujours une tâche primordiale, seraient bientôt suivis d'un travail de pioche et de pelle. L'entretien des tranchées était constant, un travail sans fin. En raison des conditions météorologiques ou de l'action ennemie, les tranchées devaient être réparées, approfondies, élargies et renforcées, tandis que de nouvelles tranchées de soutien semblaient toujours être nécessaires. L'acheminement des vivres et des vivres par l'arrière se prolongeait interminablement.

À l'aube, nous «prenons les armes», tout le monde sort. Quand il fait jour, tous les fusils sont nettoyés et inspectés, et les hommes ont un peu de rhum. Puis le petit déjeuner, après quoi je les laissais dormir jusqu'au dîner, à l'exception des sentinelles de jour, quelques hommes surveillant la ligne ennemie à travers des périscopes. Après le dîner, les hommes se rendent au travail pour réparer des périscopes, etc., et y consacrent environ trois heures.

Nous nous « tenons debout » à nouveau au crépuscule. Après la tombée de la nuit, nous devons franchir le parapet pour effectuer les réparations qui pourraient être nécessaires sur les enchevêtrements de fils ou les réparations à l'avant du parapet. Ici, dans le saillant, il y a beaucoup de travail à faire, et il y a plusieurs endroits où les tranchées sont vieilles et brisées, d'où l'on peut apercevoir l'ennemi ; nous avons rempli et mis en place près de 4000 sacs de sable pendant que nous étions dans les tranchées.

Le lendemain, 13 avril, est venu mon premier sort de service de tranchée. Les entreprises A et B effectuaient toujours une routine d'aller-retour avec C et D, trois ou quatre jours de suite, le même nombre de sorties. Comme Kennedy était en charge du demi-bataillon dans les tranchées, j'étais, sans être promu capitaine, la compagnie OC. Dans des lettres à la maison, dans toutes les fulminations que j'avais eues contre le commandant et l'adjudant, quel que soit le chagrin exprimé à l'idée de quitter Transport et le dégoût pour le travail ordinaire de l'infanterie, j'avais clairement indiqué que je n'avais aucun scrupule, au sujet du danger, à propos de la vie dans les tranchées. Bien sûr, à 6 pieds 6 pouces, j'étais trop grand; les parapets seraient trop bas et je devrais probablement être pris. Mais je ne m'en souciais pas beaucoup, même si je voulais courir pour l'argent, et dans mon Journal, j'ai écrit que j'avais « hâte d'aller dans les tranchées » ; là en tout cas, nous devrions voir très peu de CO ou d'adjudant.

A 9h00, Kennedy et la compagnie OC of B et moi partîmes devant les hommes pour prendre le relais de nos collègues de l'autre moitié du bataillon. La compagnie OC of C m'a emmené le long de son front qui est maintenant passé à ma compagnie, le long du fil à l'extérieur, me disant ce qu'il avait fait et ce qui devait être fait. Comme je ne connaissais presque rien aux heures de garde et de garde, Begg a dressé une liste de tâches. Les agents ont fait deux heures chacun, puis autant de repos que possible avant que leur tour ne revienne; pendant le stand à tous les officiers étaient en service. Dès que le jour commençait à se lever, les sentinelles de nuit qui s'étaient jusque-là tenues sur le marchepied de tir, la tête et les épaules au-dessus du parapet, étaient maintenant accroupies en dessous, observant périodiquement les sentinelles de nuit en train de jeter un coup d'œil. Au milieu du crépuscule du matin, les sentinelles de nuit seraient relevées par des sentinelles de jour – environ un huitième du nombre de sentinelles de jour lorgnant. Le reste des hommes se tenait debout dans la tranchée pendant tout ce temps, c'était le moment où une attaque pouvait être attendue. Enfin avec la lumière du jour, la veilleuse et les sentinelles de jour. Le jour, les sentinelles se tenaient dans la tranchée à l'affût des signes de l'ennemi (quand ils n'avaient rien de mieux à faire) à l'aide de périscopes. Le même genre de routine a été effectué le soir. Les sentinelles de jour sont devenues debout, les sentinelles de jour voyaient; changé en sentinelles de nuit, et ceux-ci en sentinelles de nuit.

Il y avait souvent une divergence d'opinion entre Kennedy et le reste d'entre nous quant au moment où le stand-to devrait être donné. Il n'a jamais aimé prendre des risques. La plupart d'entre nous étaient enclins à attendre la dernière minute et à garder la période d'attente aussi courte que possible. C'était une nuisance infernale, surtout pour ceux qui n'étaient sortis de quart qu'une heure ou deux plus tôt.

J'étais debout toute cette première nuit à apprendre les ficelles du métier. Kennedy m'a dit de dormir dans la hutte du QG et cela me convenait car c'était plus spacieux que celui des officiers de la compagnie A. Il mesurait environ six pieds carrés sur cinq pieds de haut, mais sous le parapet se trouvait une couchette de sept pieds de long. La compagnie B OC se nourrissait dans cette pirogue mais dormait ailleurs. Le parapet était en effet bien trop bas pour moi ; les autres subalternes de la compagnie A s'attendaient évidemment à ce que je sois nerveux, et ils étaient attentionnés et gentils. Avant la fin de la nuit, je pense qu'eux et la plupart des hommes avaient réalisé que l'ancien officier des transports n'avait pas peur de son nouveau travail. J'ai eu la chance de n'avoir aucun nerf à proprement parler - pas de ce genre en tout cas.


Qu'est-ce que l'histoire ?

L'histoire est l'étude du passé humain tel qu'il est décrit dans les documents écrits laissés par les humains. Le passé, avec tous ses choix et événements compliqués, les participants morts et l'histoire racontée, est ce que le grand public perçoit comme le socle immuable sur lequel se tiennent les historiens et les archéologues.

Mais en tant que pourvoyeurs du passé, les historiens reconnaissent que le substrat rocheux est vraiment du sable mouvant, que des fragments de chaque histoire ne sont pas encore racontés et que ce qui a été dit est teinté par les conditions d'aujourd'hui. Bien qu'il ne soit pas faux de dire que l'histoire est l'étude du passé, voici une collection de descriptions beaucoup plus claires et précises.


Contenu

Première Guerre mondiale Modifier

Pendant la Première Guerre mondiale, les brigades d'infanterie étaient des formations purement tactiques. Les fonctions administratives et logistiques étaient assurées par le quartier général de la division. [4] Le quartier général de la brigade était composé du commandant (un général de brigade), de ses trois adjoints, d'un adjudant de brigade et de dix-huit hommes enrôlés qui fournissaient des services de mess, de transport et de communication. [5] [6]

Quartier général, 181e Brigade 361e Régiment d'infanterie [7] 362e Régiment d'infanterie 347e Bataillon de mitrailleuses [8]

Seconde Guerre mondiale Modifier

Avec la disparition de la division carrée au profit de la division triangulaire, le quartier général de la brigade désormais excédentaire a été converti en compagnie de quartier général divisionnaire ou en troupe de reconnaissance de la division. Le 181st fut choisi pour se transformer en troupe de reconnaissance de la 91st Infantry Division. [9]

91e troupe de reconnaissance

1963-1965 Modifier

Le 1er avril 1963, la brigade est réactivée en tant que subordonnée de la 63e division d'infanterie à Pasadena, en Californie. La division et les éléments subordonnés ont été inactivés le 31 décembre 1965 dans le cadre de l'élimination des divisions de réserve de l'armée. [dix]

Quartier général et quartier général de la compagnie 3e bataillon, 15e d'infanterie 4e bataillon, 27e d'infanterie

2006-2016 Modifier

La 181e brigade d'infanterie a été réactivée à Fort McCoy, dans le Wisconsin, en décembre 2006. La brigade était constituée de la 12e brigade de préparation et de la 2e brigade, 85e division d'entraînement. [11]

Quartier général et quartier général de la compagnie 3e bataillon, 335e régiment (bataillon de soutien à l'instruction) 1er bataillon, 338e régiment (bataillon de soutien à l'instruction) 1er bataillon, 340e régiment (bataillon de soutien à l'instruction) 3e bataillon, 340e régiment (bataillon de soutien à l'instruction) 2e bataillon, 411e régiment ( Bataillon de soutien logistique)

2016-présent Modifier

Première Guerre mondiale Modifier

Pendant la Première Guerre mondiale, la 181e brigade d'infanterie a été constituée le 5 août 1917 [13] dans l'armée nationale à Camp Lewis, Washington en tant qu'unité subordonnée de la 91e division d'infanterie. [2] La brigade était composée de 8 134 personnes organisées en un détachement de quartier général avec 5 officiers et 18 soldats enrôlés, les 361e et 362e régiments d'infanterie avec chacun 3 755 officiers et soldats enrôlés, et le 347e bataillon de mitrailleuses avec 581 officiers et soldats enrôlés. [14] La 181e brigade d'infanterie s'est entraînée pendant 10 mois au Camp Lewis avant d'être déployée en France en août 1918 sous le commandement du brigadier. Le général John McDonald. [15] Après l'offensive Meuse-Argonne et la libération de la France, la Brigade est envoyée au secours des Britanniques lors de la bataille d'Ypres-Lys jusqu'à la signature de l'Armistice le 11 novembre 1918, qui met fin à la Première Guerre mondiale. Après quatre mois des opérations de maintien de la paix en Belgique libérée, la Brigade est retournée aux États-Unis et est arrivée au port de New York le 2 avril 1919 à bord de l'USS Orizaba. [16]

Période de l'entre-deux-guerres Modifier

La brigade a été transférée le 2 avril 1919 à Camp Merritt, New Jersey. Elle s'est rendue au camp Kearny, en Californie, où elle a été démobilisée le 19 avril 1919. La brigade a été reconstituée dans la réserve organisée le 24 juin 1921, toujours affectée à la 91e division et attribuée à la zone du neuvième corps. La brigade a été redésignée Headquarters & Headquarters Company (HHC), 181st Brigade le 23 mars 1925 et à nouveau redésigné HHC, 181st Infantry Brigade le 24 août 1936. L'unité a mené l'entraînement d'été la plupart des années à Del Monte, en Californie, de 1922 à 1940. Les régiments subordonnés ont mené une formation pour le camp d'entraînement militaire des citoyens (CMTC) au Presidio de San Francisco, au Presidio de Monterey et à Del Monte, souvent avec l'aide du 30e régiment d'infanterie. [17]

Seconde Guerre mondiale Modifier

La 91e troupe de reconnaissance a participé aux campagnes Rome-Arno (22 janvier 44 – 9 septembre 44), Apennins du Nord (10 septembre 44 – 4 avril 45) et vallée du Pô (5 avril 45 – 8 mai 45). En juillet 1944, pendant la campagne de l'Arno pendant la Seconde Guerre mondiale, la 91e troupe de reconnaissance a dirigé la Task Force Williamson sous le commandement du brigadier général E.S. Williamson, commandant adjoint de la division 91e. Le 2e peloton de la 91e troupe de reconnaissance et le 1er bataillon du 363e d'infanterie ont été les premiers à entrer à Livourne (Livourne) en route vers la libération de Pise.

  • La troupe était composée de :
    • Officiers : 6
    • Soldats enrôlés : 149
      : 13 : 5 : 24 : 30 : 99 : 26 : 3 : 13 : 5 : 9
  • Après-guerre Modifier

    Après le jour de la victoire, la brigade a été désactivée et reconstituée plusieurs fois jusqu'en 1945 en tant que quartier général et compagnie de quartier général et une troupe de reconnaissance. Elle a été réactivée en 1947 en tant que troupe de reconnaissance de cavalerie mécanisée rebaptisée en 1949 la 91e compagnie de reconnaissance.

    L'unité a été active d'avril 1963 à décembre 1965 en tant que quartier général et compagnie de quartier général, 2e brigade, 63e division d'infanterie. Le 181st était stationné à Pasadena, en Californie. Cela était conforme au plan de réorganisation de la Réserve de l'Armée de terre aux nouvelles structures de la Division de l'Armée de l'objectif de réorganisation (ROAD). Le 63d fut sélectionné pour être retenu et la réorganisation fut achevée fin avril 1963. La brigade était composée du quartier général et de la compagnie du quartier général, du 3e bataillon du 15e d'infanterie et du 4e bataillon du 27e d'infanterie. [19] [20] En novembre 1965, les dernières divisions de combat de la Réserve de l'Armée ont été désactivées. [21] De janvier 1966 à décembre 2006, l'unité était inactive.

    Opérations en tant que brigade d'entraînement Modifier

    La 181e brigade d'infanterie a été réactivée à Fort McCoy, dans le Wisconsin, en décembre 2006. La brigade forme des soldats, des marins et des aviateurs pour soutenir les opérations d'urgence dans la guerre mondiale contre le terrorisme. La 181e facilite la réserve de l'armée Programme de formation au soutien au combat (CSTP). Le CSTP est composé de deux exercices : le WAREX (Warrior Exercise) axé sur l'entraînement au niveau du peloton, et le CSTX (exercice d'entraînement de soutien au combat) exercice [22] [23] [24] qui se concentre sur la formation au niveau de l'entreprise en coopération avec la 86e division de formation et la 84e commande de formation. Chaque année, le 181e fournit ses bataillons pour servir d'observateurs/contrôleurs au NTC et au JRTC pour évaluer l'armée régulière, la réserve de l'armée et les bataillons de soutien au maintien en puissance au combat de la Garde nationale de l'armée. La plupart des années, la 181e fournit des observateurs/contrôleurs au programme de formation de commandement de mission au cours de leur Combattant des exercices. La brigade a également fourni des maîtres artilleurs et d'autres experts en la matière pour soutenir Opération Cold Steel, une initiative majeure pour améliorer la formation au tir de la Réserve de l'Armée, de février à mai 2018. [25] [26]


    Contenu

      est le prince régnant de Vérone. est un parent d'Escale qui souhaite épouser Juliette. est un autre parent d'Escalus, un ami de Roméo.
      est le patriarche de la maison des Capulet. est la matriarche de la maison des Capulet. est la fille de 13 ans de Capulet, la protagoniste féminine de la pièce. est un cousin de Juliette, le neveu de Lady Capulet. est l'accompagnatrice personnelle et la confidente de Juliette. est la nièce de Lord Capulet, l'amour de Roméo au début de l'histoire.
    • Peter, Sampson et Gregory sont des serviteurs de la maison Capulet.
      est le patriarche de la maison de Montague. est la matriarche de la maison de Montague. , le fils de Montague, est le protagoniste masculin de la pièce. est le cousin et meilleur ami de Roméo.
    • Abram et Balthasar sont des serviteurs de la maison Montague.
      est un frère franciscain et confident de Roméo.
    • Le frère John est envoyé pour remettre la lettre du frère Laurence à Roméo.
    • Un apothicaire qui vend à contrecœur du poison à Roméo.
    • Un chœur lit un prologue à chacun des deux premiers actes.

    La pièce, qui se déroule à Vérone, en Italie, commence par une bagarre de rue entre les serviteurs Montague et Capulet qui, comme leurs maîtres, sont des ennemis jurés. Le prince Escalus de Vérone intervient et déclare que toute nouvelle violation de l'ordre public sera passible de la peine de mort. Plus tard, le comte de Paris parle à Capulet d'épouser sa fille Juliette, mais Capulet demande à Paris d'attendre encore deux ans et l'invite à assister à un bal Capulet prévu. Lady Capulet et l'infirmière de Juliette tentent de persuader Juliette d'accepter la cour de Paris.

    Pendant ce temps, Benvolio parle avec son cousin Roméo, le fils de Montague, de la récente dépression de Roméo. Benvolio découvre que cela provient d'un engouement non partagé pour une fille nommée Rosaline, l'une des nièces de Capulet. Persuadé par Benvolio et Mercutio, Roméo assiste au bal de la maison Capulet dans l'espoir de rencontrer Rosaline. Cependant, Roméo rencontre et tombe amoureux de Juliette. Le cousin de Juliette, Tybalt, est enragé contre Roméo pour s'être faufilé dans le ballon, mais n'est empêché de tuer Roméo que par le père de Juliette, qui ne souhaite pas faire couler le sang dans sa maison. Après le bal, dans ce qu'on appelle maintenant la "scène du balcon", Roméo se faufile dans le verger des Capulet et surprend Juliette à sa fenêtre lui vouer son amour malgré la haine de sa famille pour les Montaigu. Roméo se fait connaître d'elle et ils acceptent de se marier. Avec l'aide de frère Laurence, qui espère réconcilier les deux familles grâce à l'union de leurs enfants, ils se marient secrètement le lendemain.

    Tybalt, quant à lui, toujours furieux que Roméo se soit faufilé dans le ballon Capulet, le défie en duel. Roméo, considérant maintenant Tybalt comme son parent, refuse de se battre. Mercutio est offensé par l'insolence de Tybalt, ainsi que la « soumission vile » de Roméo, [1] et accepte le duel au nom de Roméo. Mercutio est mortellement blessé lorsque Roméo tente d'interrompre le combat. Accablé de chagrin et rongé par la culpabilité, Roméo affronte et tue Tybalt.

    Benvolio soutient que Roméo a justement exécuté Tybalt pour le meurtre de Mercutio. Le prince, ayant maintenant perdu un parent dans la querelle des familles en guerre, exile Roméo de Vérone, sous peine de mort s'il revient un jour. Roméo passe secrètement la nuit dans la chambre de Juliette, où ils consomment leur mariage. Capulet, interprétant mal le chagrin de Juliette, accepte de la marier au comte de Paris et menace de la renier lorsqu'elle refuse de devenir la « joyeuse épouse » de Paris. [2] Quand elle plaide alors pour que le mariage soit retardé, sa mère la rejette.

    Juliette rend visite à frère Laurence pour obtenir de l'aide, et il lui offre une potion qui la plongera dans un coma ou une catalepsie mortels pendant « deux et quarante heures ». [3] Le frère promet d'envoyer un messager pour informer Roméo du plan afin qu'il puisse la rejoindre à son réveil. La veille du mariage, elle prend le médicament et, lorsqu'elle est découverte apparemment morte, elle est déposée dans la crypte familiale.

    Le messager, cependant, n'atteint pas Roméo et, à la place, Roméo apprend la mort apparente de Juliette de son serviteur, Balthasar. Le cœur brisé, Roméo achète du poison chez un apothicaire et se rend à la crypte des Capulet. Il rencontre Paris qui est venu pleurer Juliette en privé. Croyant Roméo comme un vandale, Paris le confronte et, dans la bataille qui s'ensuit, Roméo tue Paris. Croyant toujours que Juliette est morte, il boit le poison. Juliette se réveille alors et, découvrant que Roméo est mort, se poignarde avec son poignard et le rejoint dans la mort. Les familles rivales et le prince se réunissent au tombeau pour trouver les trois morts. Frère Laurence raconte l'histoire des deux "amoureux maudits". Les familles sont réconciliées par la mort de leurs enfants et acceptent de mettre fin à leur violente querelle. La pièce se termine par l'élégie du Prince pour les amants : « Car jamais n'a été une histoire plus malheureuse / Que celle de Juliette et de son Roméo. [4]

    Roméo et Juliette emprunte à une tradition d'histoires d'amour tragiques remontant à l'Antiquité. L'un d'eux est Pyramus et Thisbe, d'Ovide Métamorphoses, qui contient des parallèles avec l'histoire de Shakespeare : les parents des amants se méprisent et Pyramus croit à tort que son amant Thisbe est mort. [5] Le Éphésiaque de Xénophon d'Éphèse, écrit au 3ème siècle, contient également plusieurs similitudes avec la pièce, y compris la séparation des amants, et une potion qui induit un sommeil mortel. [6]

    L'une des premières références aux noms Montague et Capulet vient de chez Dante Comédie divine, qui mentionne les Montecchi (Montagues) et les Cappelletti (Capulet) au chant six de Purgatoire: [7]

    Viens voir, toi qui es négligent,
    Montagues et Capulets, Monaldi et Filippeschi
    L'un déjà en deuil, l'autre dans la peur. [8]

    Cependant, la référence fait partie d'une polémique contre la décadence morale de Florence, de la Lombardie et de la péninsule italienne dans son ensemble Dante, à travers ses personnages, réprimande le roi allemand Albert Ier pour avoir négligé ses responsabilités envers l'Italie ("vous qui êtes négligent") , et les papes successifs pour leur empiètement sur les affaires purement spirituelles, conduisant ainsi à un climat de querelles et de guerres incessantes entre les partis politiques rivaux en Lombardie. L'histoire enregistre le nom de la famille Montague comme étant prêté à un tel parti politique à Vérone, mais celui du Capulet comme d'une famille crémonaise, qui jouent tous deux leur conflit en Lombardie dans son ensemble plutôt que dans les limites de Vérone. [9] Alliés à des factions politiques rivales, les parties sont en deuil ("Un lot déjà en deuil") parce que leur guerre sans fin a conduit à la destruction des deux parties, [9] plutôt qu'à un chagrin dû à la perte de leur progéniture malheureuse comme l'expose la pièce, qui apparaît comme une création uniquement poétique dans ce contexte.

    La première version connue du Roméo et Juliette conte semblable à la pièce de Shakespeare est l'histoire de Mariotto et Gianozza de Masuccio Salernitano, dans le 33e roman de son Il Novellino publié en 1476. [10] Salernitano met l'histoire à Sienne et insiste sur le fait que ses événements ont eu lieu de son vivant. Sa version de l'histoire comprend le mariage secret, le frère complice, la mêlée où un éminent citoyen est tué, l'exil de Mariotto, le mariage forcé de Gianozza, le complot de potion et le message crucial qui s'égare. Dans cette version, Mariotto est capturé et décapité et Gianozza meurt de chagrin. [11] [12]

    Luigi da Porto (1485-1529) a adapté l'histoire comme Giulietta et Roméo [13] et l'a inclus dans son Historia novellamente ritrovata di due Nobili Amanti (Une histoire nouvellement découverte de deux nobles amants), écrit en 1524 et publié à titre posthume en 1531 à Venise. [14] [15] Da Porto s'est appuyé sur Pyrame et Thisbé, Boccace's Décaméron, et celui de Salerne Mariotto et Ganozza, mais il est probable que son histoire soit aussi autobiographique : il était soldat présent à un bal le 26 février 1511, dans une résidence du clan Savorgnan à Udine, à la suite d'une cérémonie de paix à laquelle assistait le clan Strumieri adverse. Là, Da Porto est tombé amoureux de Lucina, une fille de Savorgnan, mais la querelle de famille a frustré leur cour. Le lendemain matin, les Savorgnans menèrent une attaque contre la ville, et de nombreux membres des Strumieri furent assassinés. Des années plus tard, toujours à moitié paralysé par une blessure au combat, Luigi écrivit Giulietta et Roméo à Montorso Vicentino (d'où il pouvait voir les "châteaux" de Vérone), consacrant le nouvelle à la bellisima et leggiadra (la belle et gracieuse) Lucina Savorgnan. [13] [16] Da Porto a présenté son histoire comme historiquement factuelle et a affirmé qu'elle avait eu lieu au moins un siècle plus tôt que Salernitano, à l'époque où Vérone était gouvernée par Bartolomeo della Scala [17] (anglicisé sous le nom de Prince Escalus).

    Da Porto a présenté le récit sous sa forme moderne, y compris les noms des amants, les familles rivales de Montecchi et Capuleti, et l'emplacement à Vérone. [10] Il nomma le frère Laurence (frate Lorenzo) et introduit les personnages Mercutio (Marcuccio Guertio), Tybalt (Tebaldo Cappelleti), le comte Paris (conti (Paride) de Lodrone), la fidèle servante et la nourrice de Giulietta. Da Porto est à l'origine des éléments de base restants de l'histoire : les familles rivales, Roméo - laissé par sa maîtresse - rencontrant Giulietta lors d'une danse chez elle, les scènes d'amour (y compris la scène du balcon), les périodes de désespoir, Roméo tuant le cousin de Giulietta (Tebaldo), et la réconciliation des familles après les suicides des amants. [18] Dans la version de da Porto, Roméo prend du poison et Giulietta se poignarde avec son poignard. [19]

    En 1554, Matteo Bandello publie le deuxième volume de son Novelle, qui comprenait sa version de Giuletta et Roméo, [15] probablement écrit entre 1531 et 1545. Bandello a allongé et alourdi l'intrigue tout en laissant le scénario fondamentalement inchangé (bien qu'il ait introduit Benvolio). [18] L'histoire de Bandello a été traduite en français par Pierre Boaistuau en 1559 dans le premier tome de son Histoires tragiques. Boaistuau ajoute beaucoup de moralité et de sentiment, et les personnages se livrent à des explosions rhétoriques. [20]

    Dans son poème narratif de 1562 L'histoire tragique de Roméo et Juliette, Arthur Brooke traduisit fidèlement Boaistuau mais l'ajusta pour refléter certaines parties de l'œuvre de Chaucer. Troïlus et Criseyde. [21] Il y avait une tendance parmi les écrivains et les dramaturges à publier des œuvres basées sur l'italien roman—Les contes italiens étaient très populaires parmi les amateurs de théâtre—et Shakespeare connaissait peut-être bien la collection de contes italiens de William Painter de 1567 intitulée Palais des Plaisirs. [22] Ce recueil comprenait une version en prose du Roméo et Juliette histoire nommée "La belle Histoire de l'amour vrai et constant de Roméo et Juliette". Shakespeare a profité de cette popularité : Le marchand de Venice, Beaucoup de bruit pour rien, Tout est bien qui finit bien, Mesurer pour Mesurer, et Roméo et Juliette sont tous italiens roman. Roméo et Juliette est une dramatisation de la traduction de Brooke, et Shakespeare suit de près le poème mais ajoute des détails à plusieurs personnages majeurs et mineurs (l'Infirmière et Mercutio en particulier). [23] [24] [25]

    celui de Christopher Marlowe Héros et Léandre et Didon, reine de Carthage, deux histoires similaires écrites à l'époque de Shakespeare, sont considérées comme ayant une influence moins directe, bien qu'elles aient pu contribuer à créer une atmosphère dans laquelle les histoires d'amour tragiques pouvaient prospérer. [21]

    On ne sait pas quand exactement Shakespeare a écrit Roméo et Juliette. Juliet's Nurse fait référence à un tremblement de terre qui, selon elle, s'est produit il y a 11 ans. [26] Cela peut faire référence au tremblement de terre du détroit du Pas de Calais de 1580, qui daterait cette ligne particulière à 1591. D'autres tremblements de terre—tant en Angleterre qu'à Vérone—ont été proposés à l'appui des différentes dates. [27] Mais les similitudes stylistiques de la pièce avec Le Songe d'une nuit d'été et d'autres pièces classiquement datées vers 1594-1595, placent sa composition entre 1591 et 1595. [28] [b] Une conjecture est que Shakespeare peut avoir commencé un projet en 1591, qu'il a achevé en 1595. [29]

    celui de Shakespeare Roméo et Juliette a été publié en deux éditions in-quarto avant la publication du Premier Folio de 1623. Celles-ci sont appelées Q1 et Q2. La première édition imprimée, Q1, est parue au début de 1597, imprimée par John Danter. Parce que son texte contient de nombreuses différences par rapport aux éditions ultérieures, il est qualifié de « mauvais quarto », l'éditeur du XXe siècle TJB Spencer l'a décrit comme « un texte détestable, probablement une reconstruction de la pièce à partir des souvenirs imparfaits d'un ou deux des acteurs", suggérant qu'il avait été piraté pour publication. [30] Une autre explication des lacunes de Q1 est que la pièce (comme beaucoup d'autres de l'époque) peut avoir été fortement modifiée avant la représentation par la compagnie de jeu. [31] Cependant, « la théorie, formulée par [Alfred] Pollard », selon laquelle le « mauvais quarto » a été « reconstruit de mémoire par certains des acteurs est maintenant attaquée. Des théories alternatives sont que certains ou tous les « mauvais quartos ' sont des versions anciennes de Shakespeare ou des abréviations faites soit pour la compagnie de Shakespeare, soit pour d'autres compagnies." [32] En tout état de cause, son apparition au début de 1597 fait de 1596 la date la plus tardive possible pour la composition de la pièce. [27]

    Le Q2 ​​supérieur a appelé le jeu La tragédie la plus excellente et la plus lamentable de Roméo et Juliette. Il a été imprimé en 1599 par Thomas Creede et publié par Cuthbert Burby. Q2 est environ 800 lignes plus long que Q1. [31] Sa page de titre le décrit comme "Nouvellement corrigé, augmenté et modifié". Les chercheurs pensent que Q2 était basé sur le projet de pré-performance de Shakespeare (appelé ses papiers grossiers) car il existe des bizarreries textuelles telles que des balises variables pour les personnages et des "faux départs" pour les discours qui ont probablement été barrés par l'auteur mais conservés par erreur par le compositeur. . C'est un texte beaucoup plus complet et fiable et a été réimprimé en 1609 (Q3), 1622 (Q4) et 1637 (Q5). [30] En effet, tous les Quartos et Folios ultérieurs de Roméo et Juliette sont basées sur Q2, comme toutes les éditions modernes, car les éditeurs pensent que tout écart par rapport à Q2 dans les éditions ultérieures (qu'il soit bon ou mauvais) est susceptible d'être dû aux éditeurs ou aux compositeurs, et non à Shakespeare. [31]

    Le texte du premier folio de 1623 était basé principalement sur Q3, avec des clarifications et des corrections provenant peut-être d'un livre de prompt théâtral ou Q1. [30] [33] D'autres éditions Folio de la pièce ont été imprimées en 1632 (F2), 1664 (F3) et 1685 (F4). [34] Les versions modernes — qui tiennent compte de plusieurs Folios et Quartos — sont apparues pour la première fois avec l'édition de 1709 de Nicholas Rowe, suivie de la version de 1723 d'Alexander Pope. Pope a commencé une tradition d'éditer la pièce pour ajouter des informations telles que les indications scéniques manquantes en Q2 en les localisant en Q1. Cette tradition s'est poursuivie jusque tard dans la période romantique. Des éditions entièrement annotées sont apparues pour la première fois à l'époque victorienne et continuent d'être produites aujourd'hui, imprimant le texte de la pièce avec des notes de bas de page décrivant les sources et la culture derrière la pièce. [35]

    Les chercheurs ont trouvé extrêmement difficile d'attribuer un thème spécifique et global à la pièce. Les propositions pour un thème principal incluent une découverte par les personnages que les êtres humains ne sont ni entièrement bons ni entièrement mauvais, mais sont plutôt semblables, [36] se réveillant d'un rêve et dans la réalité, le danger d'une action précipitée, ou le puissance du destin tragique. Aucun d'entre eux ne bénéficie d'un large soutien. Cependant, même si un thème global ne peut être trouvé, il est clair que la pièce est pleine de plusieurs petits éléments thématiques qui s'entrelacent de manière complexe. Plusieurs de ceux qui sont le plus souvent débattus par les chercheurs sont discutés ci-dessous. [37]

    "Roméo
    Si je profane de ma main indigne
    Ce saint sanctuaire, le doux péché est le suivant :
    Mes lèvres, deux pèlerins rougissants, prêts à se tenir debout
    Pour lisser ce contact rugueux avec un tendre baiser.
    Juliette
    Bon pèlerin, tu te fais trop de mal à la main,
    Quelle dévotion mondaine montre dans ce
    Car les saints ont des mains que les mains des pèlerins touchent,
    Et paume contre paume, c'est le baiser des saints palmiers."

    Roméo et Juliette, Acte I, Scène V [38]

    Roméo et Juliette est parfois considéré comme n'ayant pas de thème unificateur, sauf celui du jeune amour. [36] Roméo et Juliette sont devenus emblématiques des jeunes amants et de l'amour condamné. Puisqu'il s'agit d'un sujet si évident de la pièce, plusieurs chercheurs ont exploré la langue et le contexte historique derrière la romance de la pièce. [39]

    Lors de leur première rencontre, Roméo et Juliette utilisent une forme de communication recommandée par de nombreux auteurs d'étiquette à l'époque de Shakespeare : la métaphore. En utilisant des métaphores de saints et de péchés, Roméo a pu tester les sentiments de Juliette pour lui d'une manière non menaçante. Cette méthode a été recommandée par Baldassare Castiglione (dont les travaux avaient été traduits en anglais à cette époque). Il a souligné que si un homme utilisait une métaphore comme une invitation, la femme pouvait prétendre qu'elle ne le comprenait pas, et il pouvait battre en retraite sans perdre son honneur. Juliette, cependant, participe à la métaphore et la développe. Les métaphores religieuses de "sanctuaire", "pèlerin" et "saint" étaient à la mode dans la poésie de l'époque et plus susceptibles d'être comprises comme romantiques plutôt que blasphématoires, car le concept de sainteté était associé au catholicisme d'un âge plus précoce. . [40] Plus tard dans la pièce, Shakespeare supprime les allusions les plus audacieuses à la résurrection du Christ dans la tombe qu'il a trouvées dans son œuvre source : Brooke's Roméo et Juliette. [41]

    Dans la scène du balcon plus tard, Shakespeare fait entendre Roméo le soliloque de Juliette, mais dans la version de Brooke de l'histoire, sa déclaration se fait seule. En faisant entrer Roméo dans la scène pour l'écouter, Shakespeare rompt avec la séquence normale de la parade nuptiale. Habituellement, une femme devait être modeste et timide pour s'assurer que son prétendant était sincère, mais enfreindre cette règle sert à accélérer le complot. Les amants peuvent éviter de se faire la cour et passer à un discours clair sur leur relation – en acceptant de se marier après s'être connus une seule nuit. [39] Dans la scène finale du suicide, il y a une contradiction dans le message : dans la religion catholique, on pensait souvent que les suicides étaient condamnés à l'enfer, alors que les personnes qui meurent pour être avec leurs amours sous la « religion de l'amour » sont réunies. avec leurs amours au paradis. L'amour de Roméo et Juliette semble exprimer le point de vue de la « religion de l'amour » plutôt que le point de vue catholique. Un autre point est que, bien que leur amour soit passionné, il ne se consomme que dans le mariage, ce qui les empêche de perdre la sympathie du public. [42]

    La pièce assimile sans doute l'amour et le sexe à la mort. Tout au long de l'histoire, Roméo et Juliette, ainsi que les autres personnages, fantasment sur lui comme un être sombre, l'assimilant souvent à un amant. Capulet, par exemple, lorsqu'il découvre pour la première fois la mort (truquée) de Juliette, la décrit comme ayant défloré sa fille. [43] Juliette compare plus tard érotiquement Roméo et la mort. Juste avant son suicide, elle attrape le poignard de Roméo, en disant « O poignard heureux ! C'est ton fourreau. Là rouille, et laisse-moi mourir. [44] [45]

    Le destin et le hasard

    Les chercheurs sont divisés sur le rôle du destin dans la pièce. Aucun consensus n'existe sur le fait que les personnages sont vraiment destinés à mourir ensemble ou si les événements se déroulent par une série de hasards malchanceux. Les arguments en faveur du destin se réfèrent souvent à la description des amants comme « croisés par les étoiles ». Cette phrase semble laisser entendre que les stars ont prédéterminé l'avenir des amants. [47] John W. Draper souligne les parallèles entre la croyance élisabéthaine dans les quatre humeurs et les personnages principaux de la pièce (par exemple, Tybalt comme colérique). Interpréter le texte à la lumière des humeurs réduit la part d'intrigue attribuée au hasard par le public moderne. [48] ​​Pourtant, d'autres érudits voient la pièce comme une série d'occasions malchanceuses – beaucoup à un point tel qu'ils ne la voient pas du tout comme une tragédie, mais comme un mélodrame émotionnel. [48] ​​Ruth Nevo pense que le degré élevé d'accent mis sur le hasard dans le récit rend Roméo et Juliette une "tragédie moindre" du hasard, pas du caractère. Par exemple, le défi Tybalt de Roméo n'est pas impulsif c'est, après la mort de Mercutio, l'action attendue à entreprendre. Dans cette scène, Nevo lit que Roméo est conscient des dangers de bafouer les normes sociales, l'identité et les engagements. Il fait le choix de tuer, non à cause d'un défaut tragique, mais à cause des circonstances. [49]

    Dualité (clair et foncé)

    « amour bagarreur, ô haine amoureuse,
    O n'importe quoi de rien, crée d'abord !
    lourde légèreté, grave vanité,
    Chaos difforme de formes bien apparentes,
    Plume de plomb, fumée brillante, feu froid, santé malade,
    Le sommeil encore éveillé, ce n'est pas ça !"

    Les érudits ont longtemps noté l'utilisation généralisée par Shakespeare d'images claires et sombres tout au long de la pièce. Caroline Spurgeon considère le thème de la lumière comme « symbolique de la beauté naturelle du jeune amour » et les critiques ultérieurs ont développé cette interprétation. [49] [51] Par exemple, tant Roméo que Juliette voient l'autre comme une lumière dans une obscurité environnante. Roméo décrit Juliette comme étant comme le soleil, [52] plus brillant qu'une torche, [53] un joyau étincelant dans la nuit, [54] et un ange brillant parmi les nuages ​​sombres. [55] Même lorsqu'elle se trouve apparemment morte dans la tombe, il dit que sa "beauté fait de cette voûte une présence de fête pleine de lumière." [56] Juliet décrit Roméo comme "le jour dans la nuit" et "Plus blanc que la neige sur le dos d'un corbeau". [57] [58] Ce contraste de lumière et d'obscurité peut être développé en tant que symboles — contrastant l'amour et la haine, la jeunesse et l'âge d'une manière métaphorique. [49] Parfois, ces métaphores entremêlées créent une ironie dramatique. Par exemple, l'amour de Roméo et Juliette est une lumière au milieu de l'obscurité de la haine qui les entoure, mais toute leur activité ensemble se déroule dans la nuit et l'obscurité tandis que toutes les querelles se déroulent en plein jour. Ce paradoxe de l'imagerie ajoute une atmosphère au dilemme moral auquel sont confrontés les deux amants : fidélité à la famille ou fidélité à l'amour. À la fin de l'histoire, lorsque le matin est sombre et que le soleil cache son visage pour le chagrin, la lumière et l'obscurité sont revenues à leur place, l'obscurité extérieure reflétant la véritable obscurité intérieure de la querelle familiale par chagrin pour les amoureux . Tous les personnages reconnaissent désormais leur folie à la lumière des événements récents, et les choses reviennent à l'ordre naturel, grâce à l'amour et à la mort de Roméo et Juliette. [51] Le thème "lumière" dans la pièce est aussi fortement lié au thème du temps puisque la lumière était un moyen commode pour Shakespeare d'exprimer le passage du temps à travers des descriptions du soleil, de la lune et des étoiles. [59]

    Le temps joue un rôle important dans le langage et l'intrigue de la pièce. Roméo et Juliette luttent tous les deux pour maintenir un monde imaginaire vide de temps face aux dures réalités qui les entourent. Par exemple, lorsque Roméo jure son amour à Juliette par la lune, elle proteste : "O ne jure pas par la lune, la lune inconstante, / Ce changement mensuel dans son orbe encerclé, / De peur que ton amour ne soit également variable." [61] Dès le début, les amants sont désignés comme « croisés par les étoiles » [62] [c] en référence à une croyance astrologique associée au temps. On pensait que les étoiles contrôlaient le destin de l'humanité, et au fil du temps, les étoiles se déplaceraient le long de leur parcours dans le ciel, traçant également le cours des vies humaines ci-dessous. Roméo parle d'un pressentiment qu'il ressent dans les mouvements des étoiles au début de la pièce, et quand il apprend la mort de Juliette, il défie le cours des étoiles pour lui. [48] ​​[64]

    Un autre thème central est la hâte : Shakespeare Roméo et Juliette s'étend sur une période de quatre à six jours, contrairement aux poèmes de Brooke s'étalant sur neuf mois. [59] Des érudits tels que G. Thomas Tanselle pensent que le temps était « particulièrement important pour Shakespeare » dans cette pièce, car il utilisait des références à « courte durée » pour les jeunes amants par opposition aux références à « longue durée » pour le « ancienne génération » pour souligner « une fuite en avant vers le malheur ». [59] Roméo et Juliette luttent contre le temps pour faire durer leur amour pour toujours. En fin de compte, la seule façon dont ils semblent vaincre le temps est par une mort qui les rend immortels à travers l'art. [65]

    Le temps est également lié au thème de la lumière et de l'obscurité. À l'époque de Shakespeare, les pièces étaient le plus souvent jouées à midi ou l'après-midi en plein jour. [d] Cela a forcé le dramaturge à utiliser des mots pour créer l'illusion du jour et de la nuit dans ses pièces. Shakespeare utilise des références à la nuit et au jour, aux étoiles, à la lune et au soleil pour créer cette illusion. Il a également des personnages qui se réfèrent fréquemment à des jours de la semaine et à des heures spécifiques pour aider le public à comprendre que le temps s'est écoulé dans l'histoire. Au total, pas moins de 103 références au temps se retrouvent dans la pièce, ajoutant à l'illusion de son passage. [66] [67]

    Histoire critique

    Le premier critique connu de la pièce était le diariste Samuel Pepys, qui écrivit en 1662 : « c'est une pièce en soi la pire que j'aie jamais entendue de ma vie. [68] Le poète John Dryden a écrit 10 ans plus tard pour faire l'éloge de la pièce et de son personnage comique Mercutio : "Shakespear a montré le meilleur de ses compétences dans son Mercutio, et il a dit lui-même, qu'il a été forcé de le tuer dans le troisième acte, pour éviter d'être tué par lui. » [68] La critique de la pièce au 18ème siècle était moins clairsemée mais non moins divisée. Éditeur Nicholas Rowe a été le premier critique à méditer sur le thème de la pièce, qu'il considérait comme la juste punition des deux familles en conflit. les règles classiques du théâtre : la tragédie doit se produire à cause d'un défaut de caractère, pas un accident du destin. L'écrivain et critique Samuel Johnson, cependant, la considérait comme l'une des pièces « les plus agréables » de Shakespeare. [69]

    À la fin du XVIIIe et tout au long du XIXe siècle, la critique s'est concentrée sur les débats sur le message moral de la pièce. L'adaptation de 1748 de l'acteur et dramaturge David Garrick excluait Rosaline : Roméo l'abandonnant pour Juliette était considérée comme inconstante et téméraire. Des critiques tels que Charles Dibdin ont fait valoir que Rosaline avait été incluse dans la pièce afin de montrer à quel point le héros était imprudent et que c'était la raison de sa fin tragique. D'autres ont fait valoir que frère Laurence pourrait être le porte-parole de Shakespeare dans ses avertissements contre une précipitation excessive. Au début du 20ème siècle, ces arguments moraux ont été contestés par des critiques tels que Richard Green Moulton : il a soutenu que l'accident, et non un défaut de caractère, a conduit à la mort des amants. [70]

    Structure dramatique

    Dans Roméo et Juliette, Shakespeare emploie plusieurs techniques dramatiques qui ont suscité les éloges de la critique, notamment les passages brusques de la comédie à la tragédie (un exemple est l'échange de jeux de mots entre Benvolio et Mercutio juste avant l'arrivée de Tybalt). Avant la mort de Mercutio dans l'acte III, la pièce est en grande partie une comédie. [71] Après sa disparition accidentelle, la pièce devient soudainement sérieuse et prend un ton tragique. Lorsque Roméo est banni, plutôt qu'exécuté, et que frère Laurence propose à Juliette un plan pour la réunir avec Roméo, le public peut toujours espérer que tout se terminera bien. Ils sont dans un "état de suspense à bout de souffle" par l'ouverture de la dernière scène dans la tombe : si Roméo tarde suffisamment pour que le frère arrive, lui et Juliette peuvent encore être sauvés. [72] Ces passages de l'espoir au désespoir, au sursis et au nouvel espoir servent à souligner la tragédie lorsque l'espoir final échoue et que les deux amants meurent à la fin. [73]

    Shakespeare utilise également des intrigues secondaires pour offrir une vision plus claire des actions des personnages principaux. Par exemple, au début de la pièce, Roméo est amoureux de Rosaline, qui a refusé toutes ses avances. L'engouement de Roméo pour elle contraste de manière évidente avec son amour ultérieur pour Juliette. Cela fournit une comparaison à travers laquelle le public peut voir le sérieux de l'amour et du mariage de Roméo et Juliette. L'amour de Paris pour Juliette établit également un contraste entre les sentiments de Juliette pour lui et ses sentiments pour Roméo. Le langage formel qu'elle utilise autour de Paris, ainsi que la façon dont elle parle de lui à son infirmière, montrent que ses sentiments vont clairement à Roméo. Au-delà de cela, la sous-intrigue de la querelle Montague-Capulet domine toute la pièce, créant une atmosphère de haine qui est le principal contributeur à la fin tragique de la pièce. [73]

    Langue

    Shakespeare utilise une variété de formes poétiques tout au long de la pièce. Il commence par un prologue de 14 vers sous la forme d'un sonnet shakespearien, parlé par un chœur. La plupart de Roméo et Juliette est, cependant, écrit en vers vierges, et une grande partie en pentamètre iambique strict, avec moins de variation rythmique que dans la plupart des pièces ultérieures de Shakespeare. [74] En choisissant des formes, Shakespeare associe la poésie au personnage qui l'utilise. Le frère Laurence, par exemple, utilise des formes de sermon et de sententiae et l'infirmière utilise une forme de vers vierge unique qui correspond étroitement au discours familier. [74] Chacune de ces formes est également modelée et adaptée à l'émotion de la scène occupée par le personnage. Par exemple, lorsque Roméo parle de Rosaline plus tôt dans la pièce, il essaie d'utiliser la forme du sonnet de Pétrarque. Les sonnets de Pétrarque étaient souvent utilisés par les hommes pour exagérer la beauté des femmes qui leur était impossible à atteindre, comme dans la situation de Roméo avec Rosaline. Cette forme de sonnet est utilisée par Lady Capulet pour décrire le comte Paris à Juliette comme un bel homme. [75] Lorsque Roméo et Juliette se rencontrent, la forme poétique passe du Pétrarque (qui devenait archaïque à l'époque de Shakespeare) à une forme de sonnet alors plus contemporaine, utilisant des « pèlerins » et des « saints » comme métaphores. [76] Enfin, lorsque les deux se rencontrent sur le balcon, Roméo tente d'utiliser la forme du sonnet pour jurer son amour, mais Juliette le brise en disant « M'aimes-tu ? [77] En faisant cela, elle recherche une expression vraie, plutôt qu'une exagération poétique de leur amour. [78] Juliette utilise des mots monosyllabiques avec Roméo mais utilise un langage formel avec Paris. [79] D'autres formes dans le jeu incluent un epithalamium par Juliet, une rhapsodie dans le discours de Reine Mab de Mercutio et une élégie par Paris. [80] Shakespeare conserve son style de prose le plus souvent pour les gens du commun dans la pièce, bien qu'il l'utilise parfois pour d'autres personnages, tels que Mercutio. [81] L'humour est également important : l'érudite Molly Mahood identifie au moins 175 jeux de mots et jeux de mots dans le texte. [82] Beaucoup de ces blagues sont de nature sexuelle, en particulier celles impliquant Mercutio et l'infirmière. [83]

    Critique psychanalytique

    Les premiers critiques psychanalytiques ont vu le problème de Roméo et Juliette en termes d'impulsivité de Roméo, dérivant d'une « agression mal contrôlée, partiellement déguisée », [84] qui conduit à la fois à la mort de Mercutio et au double suicide. [84] [e] Roméo et Juliette n'est pas considérée comme excessivement complexe psychologiquement, et les lectures psychanalytiques sympathiques de la pièce rendent l'expérience masculine tragique équivalente à celle des maladies. [86] Norman Holland, écrivant en 1966, considère le rêve de Roméo [87] comme un "fantaisie exauçant le souhait de Roméo à la fois en termes de monde adulte de Roméo et de son enfance hypothétique aux stades oral, phallique et œdipien" - tout en reconnaissant qu'un personnage dramatique est pas un être humain avec des processus mentaux distincts de ceux de l'auteur. [88] Les critiques telles que Julia Kristeva se concentrent sur la haine entre les familles, en faisant valoir que cette haine est la cause de la passion de Roméo et Juliette l'un pour l'autre. Cette haine se manifeste directement dans le langage des amants : Juliette, par exemple, parle de « mon seul amour né de ma seule haine » [89] et exprime souvent sa passion par une anticipation de la mort de Roméo. [90] Cela conduit à des spéculations quant à la psychologie du dramaturge, en particulier à une considération du chagrin de Shakespeare pour la mort de son fils, Hamnet. [91]

    Critique féministe

    Les critiques littéraires féministes soutiennent que la responsabilité de la querelle familiale réside dans la société patriarcale de Vérone. Pour Coppélia Kahn, par exemple, le code strict et masculin de la violence imposée à Roméo est la principale force qui conduit la tragédie à son terme. Lorsque Tybalt tue Mercutio, Roméo bascule dans ce mode violent, regrettant que Juliette l'ait rendu si "efféminé". [92] Selon ce point de vue, les jeunes hommes « deviennent des hommes » en se livrant à la violence au nom de leurs pères, ou dans le cas des serviteurs, leurs maîtres. La querelle est également liée à la virilité masculine, comme le démontrent les nombreuses blagues sur les maidenheads. [93] [94] Juliette se soumet également à un code féminin de docilité en permettant à d'autres, comme le frère, de résoudre ses problèmes pour elle. D'autres critiques, comme Dympna Callaghan, examinent le féminisme de la pièce sous un angle historiciste, soulignant que lorsque la pièce a été écrite, l'ordre féodal était remis en cause par un gouvernement de plus en plus centralisé et l'avènement du capitalisme. En même temps, les idées puritaines émergentes sur le mariage étaient moins préoccupées par les « maux de la sexualité féminine » que celles des époques antérieures et plus sympathiques à l'égard des mariages amoureux : lorsque Juliette esquive la tentative de son père de la forcer à épouser un homme qu'elle n'a pas éprouvant, elle défie l'ordre patriarcal d'une manière qui n'aurait pas été possible auparavant. [95]

    Théorie queer

    Un certain nombre de critiques ont trouvé que le personnage de Mercutio avait un désir homoérotique non reconnu pour Roméo. [96] Jonathan Goldberg a examiné la sexualité de Mercutio et Roméo en utilisant la théorie queer dans Queering la Renaissance (1994), comparant leur amitié à l'amour sexuel. [97] Mercutio, dans une conversation amicale, mentionne le phallus de Roméo, suggérant des traces d'homoérotisme. [98] Un exemple est son souhait en plaisantant "Pour élever un esprit dans le cercle de sa maîtresse. le laisser là se tenir / Jusqu'à ce qu'elle l'ait posé et l'ait conjuré." [99] [100] L'homoérotisme de Roméo se retrouve aussi dans son attitude envers Rosaline, une femme distante et indisponible et qui n'apporte aucun espoir de progéniture. Comme le soutient Benvolio, il vaut mieux la remplacer par quelqu'un qui rendra la pareille. Les sonnets de procréation de Shakespeare décrivent un autre jeune homme qui, comme Roméo, a du mal à créer une progéniture et qui peut être considéré comme un homosexuel. Goldberg pense que Shakespeare a peut-être utilisé Rosaline comme un moyen d'exprimer les problèmes homosexuels de procréation d'une manière acceptable. Dans cette optique, lorsque Juliette dit ". ce que nous appelons une rose, sous tout autre nom aurait une odeur aussi douce", [101] elle peut soulever la question de savoir s'il y a une différence entre la beauté d'un homme et la beauté d'une femme. [102]

    La scène du balcon

    La scène du balcon a été introduite par Da Porto en 1524. Il a souvent fait marcher Roméo près de sa maison, « grimpant parfois jusqu'à la fenêtre de sa chambre », et a écrit : tandis que Roméo grimpait sur le balcon, la jeune femme... ouvrit la fenêtre, et, regardant dehors, le vit". [103] Après cela, ils ont une conversation dans laquelle ils se déclarent l'amour éternel. Quelques décennies plus tard, Bandello élargit considérablement cette scène, s'écartant de la scène familière : Julia fait remettre à sa nourrice une lettre demandant à Roméo de venir à sa fenêtre avec une échelle de corde, et il escalade le balcon avec l'aide de sa servante, Julia et la nourrice (les domestiques se retirent ensuite discrètement). [18]

    Néanmoins, en octobre 2014, Lois Leveen a spéculé sur L'Atlantique que la pièce originale de Shakespeare ne contenait pas de balcon. [104] Le mot, balcon, n'est connu pour avoir existé en anglais que deux ans après la mort de Shakespeare. [105] Le balcon a certainement été utilisé dans la pièce de 1679 de Thomas Otway, L'histoire et la chute de Caius Marius, qui avait emprunté une grande partie de son histoire à Roméo et Juliette et plaça les deux amants sur un balcon en récitant un discours semblable à celui de Roméo et Juliette. Leveen a suggéré qu'au XVIIIe siècle, David Garrick a choisi d'utiliser un balcon dans son adaptation et sa reprise de Roméo et Juliette et les adaptations modernes ont continué cette tradition. [104]

    La journée de Shakespeare

    Roméo et Juliette se classe avec Hamlet comme l'une des pièces les plus jouées de Shakespeare. Ses nombreuses adaptations en ont fait l'une de ses histoires les plus durables et les plus célèbres. [107] Même du vivant de Shakespeare, il était extrêmement populaire. L'érudit Gary Taylor la mesure comme la sixième des pièces de Shakespeare les plus populaires, après la mort de Christopher Marlowe et Thomas Kyd mais avant l'ascendance de Ben Jonson au cours de laquelle Shakespeare était le dramaturge dominant de Londres. [108] [f] La date de la première représentation est inconnue. Le premier quarto, imprimé en 1597, dit "il a souvent (et avec de grands applaudissements) plaidé publiquement", fixant la première représentation avant cette date. Les Lord Chamberlain's Men furent certainement les premiers à l'exécuter. Outre leurs liens étroits avec Shakespeare, le Second Quarto nomme en fait l'un de ses acteurs, Will Kemp, au lieu de Peter, dans une réplique de l'Acte V. Richard Burbage était probablement le premier Roméo, étant l'acteur de la compagnie et Maître Robert Goffe (un garçon ), la première Juliette. [106] La première est susceptible d'avoir été à "Le Théâtre", avec d'autres premières productions à "Le Rideau". [109] Roméo et Juliette est l'une des premières pièces de Shakespeare à avoir été jouée hors d'Angleterre : une version abrégée et simplifiée a été jouée à Nördlingen en 1604. [110]

    Restauration et théâtre du XVIIIe siècle

    Tous les théâtres ont été fermés par le gouvernement puritain le 6 septembre 1642. Lors de la restauration de la monarchie en 1660, deux sociétés de brevets (la King's Company et la Duke's Company) ont été créées et le répertoire théâtral existant a été divisé entre elles. [111]

    Sir William Davenant de la Duke's Company a mis en scène une adaptation de 1662 dans laquelle Henry Harris a joué Roméo, Thomas Betterton Mercutio et l'épouse de Betterton, Mary Saunderson Juliet : elle était probablement la première femme à jouer le rôle de manière professionnelle. [112] Une autre version a suivi de près l'adaptation de Davenant et a été aussi régulièrement exécutée par la Compagnie du duc. Il s'agissait d'une tragi-comédie de James Howard, dans laquelle les deux amants survivent. [113]

    celui de Thomas Otway L'histoire et la chute de Caius Marius, l'une des adaptations les plus extrêmes de la restauration de Shakespeare, a fait ses débuts en 1680. La scène est déplacée de la Renaissance à Vérone à la Rome antique Roméo est Marius, Juliette est Lavinia, la querelle est entre patriciens et plébéiens Juliette/Lavinia se réveille de sa potion avant Roméo/Marius meurt. La version d'Otway a été un succès et a été jouée pendant les soixante-dix années suivantes. [112] Son innovation dans la scène finale était encore plus durable et a été utilisée dans des adaptations tout au long des 200 années suivantes : l'adaptation de Theophilus Cibber de 1744 et celle de David Garrick de 1748 ont toutes deux utilisé des variations. [114] Ces versions ont également éliminé des éléments jugés inappropriés à l'époque. Par exemple, la version de Garrick a transféré tout le langage décrivant Rosaline à Juliette, pour renforcer l'idée de fidélité et minimiser le thème du coup de foudre. [115] [116] En 1750, une "Bataille des Roméos" a commencé, avec Spranger Barry et Susannah Maria Arne (Mme Theophilus Cibber) à Covent Garden contre David Garrick et George Anne Bellamy à Drury Lane. [117]

    La première production connue en Amérique du Nord était une production amateur : le 23 mars 1730, un médecin du nom de Joachimus Bertrand plaça une annonce dans le Gazette journal à New York, faisant la promotion d'une production dans laquelle il jouerait l'apothicaire. [118] Les premières représentations professionnelles de la pièce en Amérique du Nord étaient celles de la Hallam Company. [119]

    Théâtre du XIXe siècle

    La version modifiée de la pièce de Garrick était très populaire et a duré près d'un siècle. [112] Ce n'est qu'en 1845 que Shakespeare est revenu sur scène aux États-Unis avec les sœurs Susan et Charlotte Cushman respectivement dans le rôle de Juliette et Roméo [120], puis en 1847 en Grande-Bretagne avec Samuel Phelps au Sadler's Wells Theatre. [121] Cushman a adhéré à la version de Shakespeare, en commençant une chaîne de quatre-vingt-quatre représentations. Son interprétation de Roméo était considérée comme un génie par beaucoup. Les temps a écrit: "Pendant longtemps, Roméo a été une convention. Roméo de Miss Cushman est un être humain créatif, vivant, respirant, animé et ardent." [122] [120] La reine Victoria a écrit dans son journal que "personne n'aurait jamais imaginé qu'elle était une femme". [123] Le succès de Cushman a brisé la tradition de Garrick et a ouvert la voie à des performances ultérieures pour revenir au scénario original. [112]

    Les représentations professionnelles de Shakespeare au milieu du XIXe siècle présentaient deux particularités : d'une part, elles étaient généralement des véhicules vedettes, avec des seconds rôles coupés ou marginalisés pour donner une plus grande importance aux personnages centraux. Deuxièmement, ils étaient « picturaux », plaçant l'action sur des décors spectaculaires et élaborés (nécessitant de longues pauses pour les changements de scène) et avec l'utilisation fréquente de tableaux. [124] La production d'Henry Irving en 1882 au Lyceum Theatre (avec lui-même dans le rôle de Roméo et Ellen Terry dans le rôle de Juliette) est considérée comme un archétype du style pictural. [125] En 1895, Sir Johnston Forbes-Robertson a succédé à Irving et a jeté les bases d'une représentation plus naturelle de Shakespeare qui reste populaire aujourd'hui. Forbes-Robertson a évité l'éclat d'Irving et a plutôt dépeint un Roméo terre-à-terre, exprimant le dialogue poétique comme une prose réaliste et évitant les fioritures mélodramatiques. [126]

    Les acteurs américains ont commencé à rivaliser avec leurs homologues britanniques. Edwin Booth (frère de John Wilkes Booth) et Mary McVicker (bientôt la femme d'Edwin) ont ouvert le rôle de Roméo et Juliette au somptueux Booth's Theatre (avec sa machinerie de style européen et un système de climatisation unique à New York) le 3 Février 1869. Certains rapports ont dit que c'était l'une des productions les plus élaborées de Roméo et Juliette jamais vu en Amérique, c'était certainement le plus populaire, fonctionnant pendant plus de six semaines et gagnant plus de 60 000 $ (équivalent à 1 000 000 $ en 2020).[127] [g] [h] Le programme a noté que: "La tragédie sera produite en stricte conformité avec la propriété historique, à tous égards, en suivant de près le texte de Shakespeare." [je]

    La première représentation professionnelle de la pièce au Japon a peut-être été la production de la compagnie de George Crichton Miln, qui a fait une tournée à Yokohama en 1890. [128] Tout au long du XIXe siècle, Roméo et Juliette avait été la pièce la plus populaire de Shakespeare, mesurée par le nombre de représentations professionnelles. Au 20ème siècle, il deviendrait le deuxième plus populaire, derrière Hamlet. [129]

    Théâtre du XXe siècle

    En 1933, la pièce a été reprise par l'actrice Katharine Cornell et son mari metteur en scène Guthrie McClintic et a fait une tournée nationale de sept mois à travers les États-Unis. Il mettait en vedette Orson Welles, Brian Aherne et Basil Rathbone. La production a été un succès modeste, et donc à son retour à New York, Cornell et McClintic l'ont révisée, et pour la première fois la pièce a été présentée avec presque toutes les scènes intactes, y compris le Prologue. La nouvelle production a débuté à Broadway en décembre 1934. Les critiques ont écrit que Cornell était « la plus grande Juliette de son temps », « obsédante à l'infini » et « la plus belle et la plus enchanteresse Juliette que notre théâtre d'aujourd'hui ait vue ». [130]

    La production New Theatre de John Gielgud en 1935 mettait en vedette Gielgud et Laurence Olivier dans le rôle de Roméo et Mercutio, échangeant les rôles six semaines après le début, avec Peggy Ashcroft dans le rôle de Juliette. [131] Gielgud a utilisé une combinaison savante de textes Q1 et Q2 et a organisé l'ensemble et les costumes pour correspondre aussi étroitement que possible à la période élisabéthaine. Ses efforts ont été un énorme succès au box-office et ont ouvert la voie à un réalisme historique accru dans les productions ultérieures. [132] Olivier a comparé plus tard sa performance et celle de Gielgud : « John, tout spirituel, toute spiritualité, toute beauté, toutes choses abstraites et moi-même comme toute terre, sang, humanité. J'ai toujours senti que John manquait la moitié inférieure et cela faisait moi je vais pour l'autre. Mais quoi que ce soit, quand je jouais Roméo je portais un flambeau, j'essayais de vendre du réalisme à Shakespeare." [133]

    La version 1947 de Peter Brook a été le début d'un style différent de Roméo et Juliette les performances. Brook était moins soucieux de réalisme et plus soucieux de traduire la pièce sous une forme qui pourrait communiquer avec le monde moderne. Il affirmait : « Une production n'est correcte qu'au moment de sa justesse, et seulement bonne au moment de son succès. [134] Brook a exclu la réconciliation finale des familles de son texte de performance. [135]

    Tout au long du siècle, le public, influencé par le cinéma, est devenu moins disposé à accepter des acteurs nettement plus âgés que les personnages adolescents qu'ils jouaient. [136] Un exemple significatif de casting plus jeune était dans la production Old Vic de Franco Zeffirelli en 1960, avec John Stride et Judi Dench, qui servirait de base à son film de 1968. [135] Zeffirelli a emprunté les idées de Brook, en supprimant au total environ un tiers du texte de la pièce pour la rendre plus accessible. Dans une interview avec Les temps, il a déclaré que les « thèmes jumeaux de l'amour et la rupture totale de la compréhension entre deux générations » de la pièce avaient une pertinence contemporaine. [135] [j]

    Les performances récentes placent souvent la pièce dans le monde contemporain. Par exemple, en 1986, la Royal Shakespeare Company a placé la pièce dans la Vérone moderne. Les Switchblades ont remplacé les épées, les festins et les bals sont devenus des soirées rock chargées de drogue, et Roméo s'est suicidé par aiguille hypodermique. La production de Neil Bartlett de Roméo et Juliette sur le thème de la pièce très contemporaine avec un look cinématographique qui a commencé sa vie au Lyric Hammersmith, à Londres, puis s'est rendue au West Yorkshire Playhouse pour une diffusion exclusive en 1995. Le casting comprenait Emily Woof comme Juliette, Stuart Bunce comme Roméo, Sebastian Harcombe dans Mercutio, Ashley Artus dans Tybalt, Souad Faress dans Lady Capulet et Silas Carson dans Paris. [138] En 1997, le Folger Shakespeare Theatre a produit une version située dans un monde de banlieue typique. Roméo se faufile dans le barbecue Capulet pour rencontrer Juliette, et Juliette découvre la mort de Tybalt en classe à l'école. [139]

    La pièce est parfois placée dans un cadre historique, permettant au public de réfléchir aux conflits sous-jacents. Par exemple, des adaptations ont été mises en place au milieu du conflit israélo-palestinien, [140] à l'époque de l'apartheid en Afrique du Sud, [141] et au lendemain de la révolte de Pueblo. [142] De même, l'adaptation comique de Peter Ustinov en 1956, Romanoff et Juliette, se déroule dans un pays fictif d'Europe centrale en pleine guerre froide. [143] Une version révisionniste faussement victorienne de Roméo et Juliette La scène finale de (avec une fin heureuse, Roméo, Juliette, Mercutio et Paris ramenés à la vie, et Benvolio révélant qu'il est l'amour de Paris, Benvolia, déguisé) fait partie de la pièce de théâtre de 1980 La vie et les aventures de Nicholas Nickleby. [144] R&J de Shakespeare, par Joe Calarco, tourne le classique dans un conte moderne de l'éveil des adolescents homosexuels. [145] Une récente adaptation musicale comique a été La comédie musicale Roméo et Juliette de la deuxième ville : le peuple contre frère Laurence, l'homme qui a tué Roméo et Juliette, situé dans les temps modernes. [146]

    Aux XIXe et XXe siècles, Roméo et Juliette a souvent été le choix des pièces de Shakespeare pour ouvrir une compagnie de théâtre classique, à commencer par la production inaugurale de cette pièce par Edwin Booth dans son théâtre en 1869, la compagnie nouvellement reformée de l'Old Vic en 1929 avec John Gielgud, Martita Hunt et Margaret Webster, [147] ainsi que la Riverside Shakespeare Company dans sa production fondatrice à New York en 1977, qui s'est inspirée du film de 1968 de la production de Franco Zeffirelli. [148]

    En 2013, Roméo et Juliette a couru à Broadway au Richard Rodgers Theatre du 19 septembre au 8 décembre pour 93 représentations régulières après 27 avant-premières à partir du 24 août avec Orlando Bloom et Condola Rashad dans les rôles principaux. [149]

    Ballet

    La version de ballet la plus connue est celle de Prokofiev Roméo et Juliette. [150] À l'origine commandé par le Ballet Kirov, il a été rejeté par eux quand Prokofiev a tenté une fin heureuse et a été rejeté de nouveau pour la nature expérimentale de sa musique. Il a par la suite atteint une "immense" réputation et a été chorégraphié par John Cranko (1962) et Kenneth MacMillan (1965) entre autres. [151]

    En 1977, la production de Michael Smuin de l'une des interprétations de danse les plus dramatiques et les plus passionnées de la pièce a été lancée dans son intégralité par le San Francisco Ballet. Cette production était le premier ballet complet à être diffusé par la série PBS "Great Performances: Dance in America" ​​diffusée en 1978. [152]

    Dada Masilo, danseuse et chorégraphe sud-africaine, a réinterprété Roméo et Juliette sous un nouveau jour moderne. Elle a introduit des changements dans l'histoire, notamment celui de présenter les deux familles comme multiraciales. [153]

    Musique

    "Roméo aimait Juliette
    Juliette, elle ressentait la même chose
    Quand il a mis ses bras autour d'elle
    Il a dit Julie, bébé, tu es ma flamme
    Tu donnes de la fièvre. "

    Au moins 24 opéras ont été basés sur Roméo et Juliette. [156] Le plus ancien, Roméo et Julie en 1776, un Singspiel de Georg Benda, omet une grande partie de l'action de la pièce et la plupart de ses personnages et a une fin heureuse. Il est parfois réanimé. Le plus connu est celui de Gounod 1867 Roméo et Juliette (livret de Jules Barbier et Michel Carré), triomphe de la critique lors de sa création et aujourd'hui fréquemment repris. [157] [158] Bellini I Capuleti e i Montecchi est également relancé de temps en temps, mais a parfois été jugé défavorablement en raison de ses libertés perçues avec Shakespeare cependant, Bellini et son librettiste, Felice Romani, ont travaillé à partir de sources italiennes, principalement le livret de Romani pour Giulietta et Roméo par Nicola Vaccai—plutôt que d'adapter directement la pièce de Shakespeare. [159] Parmi les opéras ultérieurs, il y a l'œuvre de 1940 de Heinrich Sutermeister Roméo et Julia. [160]

    Roméo et Juliette de Berlioz est une « symphonie dramatique », une œuvre d'envergure en trois parties pour voix mixtes, chœur et orchestre, créée en 1839. [161] Roméo et Juliette Fantasy-Overture (1869, révisé 1870 et 1880) est un poème symphonique de 15 minutes, contenant la célèbre mélodie connue sous le nom de "thème de l'amour". [162] Le procédé de Tchaïkovski consistant à répéter le même thème musical au bal, dans la scène du balcon, dans la chambre de Juliette et dans la tombe [163] a été utilisé par des réalisateurs ultérieurs : par exemple, le thème de l'amour de Nino Rota est utilisé de manière similaire dans le film de 1968 de la pièce, tout comme "Kissing You" de Des'ree dans le film de 1996. [164] D'autres compositeurs classiques influencés par la pièce incluent Henry Hugh Pearson (Roméo et Juliette, ouverture pour orchestre, Op. 86), Svendsen (Roméo et Julie, 1876), Delius (Un village Roméo et Juliette, 1899-1901), Stenhammar (Roméo et Julia, 1922), et Kabalevsky (Musique de scène à Roméo et Juliette, Op. 56, 1956). [165]

    La pièce a influencé plusieurs œuvres de jazz, dont "Fever" de Peggy Lee. [155] Duke Ellington Un si doux tonnerre contient une pièce intitulée "The Star-Crossed Lovers" [166] dans laquelle la paire est représentée par des saxophones ténor et alto : les critiques ont noté que le sax de Juliette domine la pièce, plutôt que d'offrir une image d'égalité. [167] Le jeu a fréquemment influencé la musique populaire, en incluant des travaux par The Supremes, Bruce Springsteen, Tom Waits, Lou Reed, [168] et Taylor Swift. [169] La piste la plus connue est "Roméo et Juliette" de Dire Straits. [170]

    L'adaptation de théâtre musical la plus célèbre est West Side Story avec une musique de Leonard Bernstein et des paroles de Stephen Sondheim. Il a fait ses débuts à Broadway en 1957 et dans le West End en 1958 et a été adapté en tant que film populaire en 1961. Cette version a mis à jour le décor au milieu du 20e siècle à New York et les familles en guerre aux gangs ethniques. [171] D'autres adaptations musicales incluent la comédie musicale rock de Terrence Mann en 1999 Roméo et Juliette de William Shakespeare, co-écrit avec Jerome Korman [172] Gérard Presgurvic 2001 Roméo et Juliette, de la Haine à l'Amour 2007 de Riccardo Cocciante Giulietta & Roméo [173] et l'adaptation de Johan Christher Schütz et Johan Petterssons en 2013 Conte de Carnaval (Tivolisaga), qui a lieu lors d'un carnaval itinérant. [174]

    Littérature et arts

    Roméo et Juliette eu une profonde influence sur la littérature ultérieure. Avant cela, la romance n'avait même pas été considérée comme un sujet digne d'une tragédie. [175] Selon les mots d'Harold Bloom, Shakespeare "a inventé la formule selon laquelle le sexuel devient l'érotique lorsqu'il est traversé par l'ombre de la mort". [176] Des œuvres de Shakespeare, Roméo et Juliette a généré les adaptations les plus - et les plus variées -, y compris les récits en prose et en vers, le théâtre, l'opéra, la musique orchestrale et chorale, le ballet, le cinéma, la télévision et la peinture. [177] [k] Le mot « Roméo » est même devenu synonyme de « male amant » en anglais. [178]

    Roméo et Juliette a été parodié du vivant même de Shakespeare : Henry Porter Deux femmes en colère d'Abingdon (1598) et Thomas Dekker Blurt, Master Constable (1607) contiennent tous deux des scènes de balcon dans lesquelles une héroïne virginale se livre à des jeux de mots paillards. [179] La pièce a directement influencé les œuvres littéraires ultérieures. Par exemple, les préparatifs d'une représentation forment une intrigue majeure dans Charles Dickens Nicolas Nickleby. [180]

    Roméo et Juliette est l'une des œuvres les plus illustrées de Shakespeare. [181] La première illustration connue était une gravure sur bois de la scène de la tombe, [182] pensé pour être créé par Elisha Kirkall, qui est apparu dans l'édition de 1709 de Nicholas Rowe des pièces de Shakespeare. [183] ​​Cinq peintures de la pièce ont été commandées pour la Boydell Shakespeare Gallery à la fin du XVIIIe siècle, une représentant chacun des cinq actes de la pièce. [184] Au début du XIXe siècle, Henry Thomson peint Juliette après la mascarade, une gravure. dont a été publié dans The Literary Souvenir, 1828, avec un poème d'accompagnement de Letitia Elizabeth Landon. La mode du XIXe siècle pour les performances « picturales » a conduit les metteurs en scène à s'inspirer des peintures, ce qui, à son tour, a influencé les peintres à représenter des acteurs et des scènes de théâtre. [185] Au 20ème siècle, les images visuelles les plus emblématiques du jeu ont dérivé de ses versions cinématographiques populaires. [186]

    Le roman de 2007 de David Blixt Le Maître de Vérone imagine les origines de la célèbre querelle Capulet-Montague, mêlant les personnages des pièces italiennes de Shakespeare aux personnages historiques de l'époque de Dante. [187] Les romans suivants de Blixt Voix du fauconnier (2010), Le fou de fortune (2012), et Le destin du prince (2014) continuent d'explorer le monde, suivant la vie de Mercutio à sa majorité. Plus d'histoires de Blixt Star-Cross'd séries apparaissent dans Visages vernis : histoires courtes de Star-Cross (2015) et l'anthologie de la peste, Nous tombons tous (2020). Blixt a également écrit Les secrets de Shakespeare : Roméo et Juliette (2018), une collection d'essais sur l'histoire de la pièce de Shakespeare en performance, dans laquelle Blixt affirme que la pièce n'est structurellement pas une tragédie, mais une comédie qui a mal tourné. En 2014, Blixt et son épouse, la metteure en scène Janice L Blixt, étaient les invités de la ville de Vérone, en Italie, pour le lancement de l'édition en italien de Le Maître de Vérone, chez les descendants de Dante et la cinéaste Anna Lerario, avec qui Blixt a collaboré à un film sur la vie du prince véronais Cangrande della Scala. [188] [189]

    Le roman de Lois Leveen en 2014 L'infirmière de Juliette imaginé les quatorze années qui ont précédé les événements de la pièce du point de vue de l'infirmière. L'infirmière a le troisième plus grand nombre de lignes dans la pièce originale, seuls les personnages éponymes ont plus de lignes. [190]

    La pièce a fait l'objet d'une question 2017 General Certificate of Secondary Education (GCSE) par le conseil d'examen d'Oxford, Cambridge et RSA qui a été administré à c. 14000 étudiants. Le conseil a attiré la critique et la dérision des médias généralisées après que la question ait semblé confondre les Capulet et les Montague, [191] [192] [193] avec le régulateur des examens Ofqual décrivant l'erreur comme inacceptable. [194]

    Roméo et Juliette a été adapté au format manga par l'éditeur Manga Classics de l'éditeur UDON Entertainment et est sorti en mai 2018. [195]

    Filtrer

    Roméo et Juliette peut-être la pièce la plus filmée de tous les temps. [196] Les sorties en salles les plus notables ont été la production de 1936 de George Cukor, nominée aux multiples Oscars, la version de 1968 de Franco Zeffirelli et celle de Baz Luhrmann inspirée de MTV en 1996. Roméo + Juliette. Ces deux derniers étaient tous deux, à leur époque, le film de Shakespeare le plus rentable de tous les temps. [197] Roméo et Juliette a d'abord été tourné à l'époque du muet, par Georges Méliès, bien que son film soit aujourd'hui perdu. [196] La pièce a été entendue pour la première fois sur film en La revue hollywoodienne de 1929, dans laquelle John Gilbert a récité la scène du balcon en face de Norma Shearer. [198]

    Shearer et Leslie Howard, avec un âge combiné de plus de 75 ans, ont joué les amants adolescents dans la version cinématographique MGM 1936 de George Cukor. Ni les critiques ni le public n'ont répondu avec enthousiasme. Les cinéphiles ont jugé le film trop "arty", restant à l'écart comme ils l'avaient fait de Warner Un rêve d'une nuit d'été un an avant : conduisant Hollywood à abandonner le barde pendant plus d'une décennie. [199] Renato Castellani a remporté le grand Prix à la Mostra de Venise pour son film de 1954 Roméo et Juliette. [200] Son Roméo, Laurence Harvey, était déjà un acteur de cinéma expérimenté. [201] En revanche, Susan Shentall, comme Juliette, était une étudiante en secrétariat qui a été découverte par le directeur dans un pub de Londres et a été choisie pour sa « peau pâle et douce et ses cheveux blond miel ». [202] [l]

    Stephen Orgel décrit 1968 de Franco Zeffirelli Roméo et Juliette comme étant "plein de beaux jeunes, et l'appareil photo et la technicolor luxuriante tirent le meilleur parti de leur énergie sexuelle et de leur beauté". [186] Les adolescents principaux de Zeffirelli, Leonard Whiting et Olivia Hussey, n'avaient pratiquement aucune expérience d'acteur, mais ont joué avec compétence et maturité. [203] [204] Zeffirelli a été particulièrement félicité, [m] pour sa présentation de la scène du duel comme une bravade devenant incontrôlable. [206] Le film a courtisé la controverse en incluant une scène de nuit de noces nue [207] alors qu'Olivia Hussey n'avait que quinze ans. [208]

    1996 de Baz Luhrmann Roméo + Juliette et la bande originale qui l'accompagne a ciblé avec succès la « génération MTV » : un jeune public du même âge que les personnages de l'histoire. [209] Bien plus sombre que la version de Zeffirelli, le film se déroule dans la "société grossière, violente et superficielle" de Verona Beach et Sycamore Grove. [210] Leonardo DiCaprio était Roméo et Claire Danes était Juliette.

    La pièce a été largement adaptée pour la télévision et le cinéma. En 1960, la parodie théâtrale de la guerre froide de Peter Ustinov, Romanoff et Juliette a été filmé. [143] Le film de 1961 West Side Story-situé parmi les gangs de New York-présentait les Jets comme des jeunes blancs, l'équivalent des Montagues de Shakespeare, tandis que les Sharks, l'équivalent des Capulet, sont portoricains. [211] En 2006, Disney Lycée Musical fait usage de Roméo et Juliette , plaçant les deux jeunes amants dans différentes cliques de lycée au lieu de se disputer des familles. [212] Les cinéastes ont souvent présenté des personnages exécutant des scènes de Roméo et Juliette. [213] [n] La vanité de dramatiser l'écriture de Shakespeare Roméo et Juliette a été utilisé plusieurs fois, [214] [215] y compris John Madden's 1998 Shakespeare amoureux, dans laquelle Shakespeare écrit la pièce dans le contexte de sa propre histoire d'amour condamnée. [216] [217] Une série animée produite par Gonzo et SKY Perfect Well Think, intitulée Roméo x Juliette, a été réalisé en 2007 et la version 2013 est le dernier film en anglais basé sur la pièce. En 2013, Sanjay Leela Bhansali a réalisé le film Bollywood Goliyon Ki Raasleela Ram-Leela, une version contemporaine de la pièce qui mettait en vedette Ranveer Singh et Deepika Padukone dans les rôles principaux. Le film est un succès commercial et critique. [218] [219] En février 2014, BroadwayHD a sorti une version filmée de 2013 Broadway Revival of Roméo et Juliette. La production mettait en vedette Orlando Bloom et Condola Rashad. [220]

    Médias sociaux modernes et productions du monde virtuel

    En avril et mai 2010, la Royal Shakespeare Company et la Mudlark Production Company ont présenté une version de la pièce, intitulée Un tel tweet chagrin, comme une série de tweets improvisés en temps réel sur Twitter. La production a utilisé des acteurs RSC qui se sont également engagés avec le public, jouant non pas à partir d'un scénario traditionnel mais d'une "grille" développée par l'équipe de production de Mudlark et les scénaristes Tim Wright et Bethan Marlow. Les artistes utilisent également d'autres sites de médias tels que YouTube pour les photos et les vidéos. [221]


    Notre histoire

    Le 1er juin 1996, plus de 300 000 personnes se sont rassemblées au Lincoln Memorial pour la toute première Journée Stand for Children, la plus grande manifestation pour enfants de l'histoire des États-Unis. À partir de cette journée, les parents et les membres de la communauté ont utilisé la formidable énergie pour rentrer chez eux et se battre pour améliorer la vie des enfants grâce à une meilleure éducation.

    Chaque jour, le personnel, les membres et les sympathisants de Stand for Children répondent à l'appel de l'icône des droits civiques, Rosa Parks, qui a défié la foule du rassemblement en disant : « Si je peux m'asseoir pour la justice, vous pouvez défendre les enfants. »

    Depuis 1999, Stand a remporté plus de 209 victoires nationales et locales et a mobilisé plus de 6,7 milliards de dollars d'investissements dans l'éducation. Les politiques et les investissements que nous avons obtenus améliorent la vie de plus de 5,6 millions d'enfants.

    Nous travaillons dans neuf États pour combler l'écart de réussite et nous concentrer sur l'adoption de politiques au niveau national et local qui garantiront à tous les enfants, en particulier ceux dont le potentiel illimité est négligé et sous-exploité, d'avoir accès à une éducation publique de qualité.


    Tenez-vous à ! 1 à 122 Liste complète du contenu

    Il y a 122 numéros de Stand To! En ligne. Du printemps 1981 à avril 2021. Lien vers un PDF partageable de t&hellip

    118 : juin 2020

    Tenez-vous-en ! No.118 Juin 2020 Sommaire Lignes de communication : Lettres à la rédaction Articles&hellip

    117 : février 2020

    Table des matières 2–3 Lignes de communication 4–6 ‘Shoppee’s Tower’ :&hellip

    116 : octobre 2019

    Tenez-vous à ! 116 Sommaire Lignes de communication Articles Retour Accueil ! &hellip

    115 : mai 2019

    Lignes de communication Articles Götterdämerung – juin 1919 : La fin de la haute mer allemande Flee&hellip

    114 : février 2019

    Lignes de communication identifiant les morts de Tyne Cot par Peter Hodgkinson

    113 : octobre 2018

    Lignes de communication « L'Empire contre-attaque » Préparations logistiques et techniques de BEF et développement&hellip

    112 : juin 2018

    Lignes de communication : Notes de l'éditeur The Lightning Keepers The Australian Alphabet Company &hellip

    111 : mars 2018

    Cette édition du journal de la Western Front Association se souvient de l'offensive allemande du printemps o&hellip

    110 : édition spéciale d'octobre 2017

    Bienvenue dans l'édition d'octobre 2017 du journal de la Western Front Association Stand To! &Hellip de l'éditeur

    109 : édition spéciale juin/juillet 2017

    Introduction de l'éditeur 100e anniversaire de la troisième bataille d'Ypres Retraite de David Cohen &hellip

    108 : janvier 2017

    Plans d'introduction de l'éditeur pour le 100e anniversaire des troisièmes lignes de communication d'Ypres (Let&hellip

    107 : octobre 2016

    Introduction de l'éditeur Articles Dernière contribution de David et Judith Cohen « War Art » après 22 ans&hellip

    106 : édition spéciale de juillet 2016

    Lignes de communication Plans du front La Somme dans les mots et les photographies des soldats par Ri&hellip

    105 : janvier 2016

    Introduction de l'éditeur Fred Plotts Communications Lines (Lettres à l'éditeur) Gilbert the&hellip

    104 : édition spéciale de septembre 2015

    Introduction de l'éditeur Lignes de communication (Lettres à l'éditeur) A Life Remembered Lochnagar &hellip

    103 : mai 2015

    Introduction de l'éditeur Centenaire des lignes de communication du débarquement de Gallipoli (Lettres au &hellip

    102 : janvier 2015

    Lignes de communication (Lettres à la rédaction) Raid nocturne sur le saillant Hollandscheschuur par Laurenc&hellip

    101 : septembre 2014

    Introduction de l'éditeur L'héritage à long terme des lignes de communication centenaires Royal Mel&hellip

    100 : édition du centenaire de juin 2014

    Introduction de l'éditeur Audition de ceux qui ont participé à la naissance de The WFA Communications Line&hellip

    099 : janvier 2014

    Lignes de communication (Lettres à l'éditeur) Planification du centenaire Gilbert le Philbert &hellip

    098 : septembre 2013

    Introduction de l'éditeur Grand-oncle Albert Cooksey 1/King's Own Yorkshire Light Infantry Communi&hellip

    097 : mai 2013

    Introduction de l'éditeur Suffolk Hill et Le Cateau sous la neige Mars 2013 Lignes de communication (&hellip

    096 : janvier 2013

    Notes de l'éditeur La position de la WFA pour les lignes de communication du centenaire 1914-2014 (Lettres à l'Ed&hellip

    095 : septembre 2012

    Introduction de l'éditeur Lignes de communication (lettres à l'éditeur) Pertes d'expédition Learning Curv&hellip

    094 : mai 2012

    Introduction de l'éditeur Se souvenir des lignes de communication de Bridgeen Fox (Lettres à l'éditeur) &hellip

    093 : décembre 2011/janvier 2012

    Introduction de l'éditeur War Horse Michael Morpurgo Communications Lines (Lettres à l'éditeur)&hellip

    092 : août/septembre 2011

    Introduction de l'éditeur Les points de vue, les pensées et les idées peuvent être partagés - conduisant souvent à une meilleure compréhension

    091 : avril/mai 2011

    Lignes de communication (Lettres à l'éditeur) Le retour de la caméra Coke Zandvoorde Richard Holmes &hellip

    090 : décembre 2010/janvier 2011

    Introduction de l'éditeur The Lord Ashcroft Victoria Cross/George Cross Gallery, IWM Communicatio&hellip

    089 : août/septembre 2010

    Introduction de l'éditeur L'inauguration du cimetière de la Commonwealth War Graves Commission à Phea&hellip

    088 : avril/mai 2010

    Introduction de l'éditeur British West Indies Regiments Un mémorial privé britannique derrière le Li&hellip allemand

    087 : décembre 2009/janvier 2010

    Introduction de l'éditeur Le pouvoir de la culture et de la mémoire de la Grande Guerre pour étonner, illuminer et e&hellip

    086 : août/septembre 2009

    Introduction de l'éditeur Le décès des derniers vétérans de la Première Guerre mondiale Communication L&hellip

    085 : avril/mai 2009

    Introduction de l'éditeur Des unités de cavalerie indienne attaquent vers Longueval et High Wood 14 juillet 1916 T&hellip

    084 : décembre 2008/janvier 2009

    Introduction de l'éditeur 90e anniversaire de la fin de la guerre Lignes de communication AEF 115e Regi&hellip

    083 : août/septembre 2008

    Introduction de l'éditeur La publicité Ridley Scott ‘Boy with Bike’ Hovis recréée avec 200 extras&hellip

    082 : avril/mai 2008

    Introduction de l'éditeur Visiter les champs de bataille et les cimetières - ramasser les déchets Communications & hellip

    081 : janvier 2008

    Introduction de l'éditeur 90e anniversaire de la bataille de Cambrai 90e anniversaire du &hellip allemand

    080 : septembre 2007

    Présentation de l'éditeur Jon Cooksey se présente comme le nouvel éditeur Stand To! Intérêt pour le&hellip

    079 : avril 2007

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) Le nouvel éditeur Jon Cooksey annoncé dans le prochain numéro Ann &hellip

    078 : janvier 2007

    Notes en passant (de l'éditeur) Fresque commémorative, St Lukes, Brighton Royal Naval Division sea&hellip

    077 : septembre 2006

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) Demande de nomination d'un nouvel éditeur Chris Baker et l'Int&hellip

    076 : avril 2006

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) Somme 90th Anniversary Surviving US Veterans Salvati&hellip

    075 : janvier 2006

    Notes en passant (de l'éditeur) Notes du 25e anniversaire de la Western Front Association sur Gui&hellip

    074 : septembre 2005

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) Tideway School Project avec Jim Fanning WFA Schools P&hellip

    073 : avril 2005

    Notes en passant (Avis de l'éditeur) Tenez-vous-en ! 1: Printemps 1981 - Stand To! 72 : janvier 2005&hellip

    072 : janvier 2005

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) En souvenir de Jim Minnoch, membre américain de la WFA &hellip

    071 : septembre 2004

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) Deuil et création d'une nation : Gold Star Mothers P&hellip

    070 : avril 2004

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) À la mémoire de John Terraine Président fondateur et Patro&hellip

    069 : janvier 2004

    Notes en passant (Avis de l'éditeur) La différence entre Stand To! et Bulletin Le RSP&hellip

    068 : septembre 2003

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) Germ Warfare La pandémie de grippe US Mar&hellip

    067 : avril 2003

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) London Gazette en ligne Pathe News en ligne John Frost H&hellip

    066 : janvier 2003

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) Nécrologie : Lt.-Col Michael 'Dick' Burge Webwatch (11&hellip

    065 : septembre 2002

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) Compliments de Sir John Keegan dans le Times Literary S&hellip

    064 : avril 2002

    Notes en passant (Notes du rédacteur en chef) James Brazier démissionne de son poste de rédacteur en chef du Bulletin. Stan Gros&hellip

    063 : janvier 2002

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) Premier calendrier de Noël La série Grande Guerre sur vide&hellip

    062 : septembre 2001

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) Jour de l'armistice 2001 1914-18 : Le Magazine de la Grande &hellip

    061 : avril 2001

    Notes en passant (Avis de l'éditeur) Augmentation de la taille de Stand To! de 40 à 44 ou 52 pages&hellip

    060 : janvier 2001

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) Le patron John Terraine fête ses 80 ans Durham Seminar Trench &hellip

    059 : septembre 2000

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) Colin Fox RIP Prize for A'Level Students? Préparat&hellip

    058 : avril 2000

    Notes en passant (Avis de l'éditeur) Helen McPhails Éditeur de poésie pendant un certain nombre d'années ret&hellip

    057 : janvier 2000

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) Western Front Postage Stamp Index des articles pour Iss&hellip

    056 : septembre 1999

    Remarques en passant. (Avis de l'éditeur) Mike Lyddiard RIP Peter Simkins a pris sa retraite et a décerné &hellip

    055 : avril 1999

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) Hobart's History of Cambrai (Part II) Chapter V: The&hellip

    054 : janvier 1999

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) CD ROM Soldiers Died The Kipling Society Questions a&hellip

    053 : septembre 1998

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) Essais de John Terraine 80e anniversaire de l'Armis&hellip

    052 : avril 1998

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) Tony Noyes, président et membre du comité prend sa retraite Fro&hellip

    051 : janvier 1998

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) John Terraine se retire de la présidence d'honneur de T&hellip

    050 : septembre 1997

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) Passchendaele Anniversary Cinquantième édition de Stand &hellip

    049 : avril 1997

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) La santé de John Terraine Le poème de John Terraine 'En mai' &hellip

    048 : janvier 1997

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) Computer Floppy Disk et la prochaine édition de Stand To!&hellip

    047 : septembre 1996

    Notes en passant (Avis de l'éditeur) Stand To! Couvertures en couleurs pour marquer le 80e anniversaire&hellip

    046 : avril 1996

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) Au tableau d'honneur du cénotaphe : un membre vétéran reme&hellip

    045 : janvier 1996

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) 15 ans de la Western Front Association Notable WFA&hellip

    044 : septembre 1995

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) Se souvenir d'un soldat inconnu sous la porte de Menin & hellip

    043 : avril 1995

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) Tableau d'honneur - Trois membres vétérans se souviennent de W&hellip

    042 : janvier 1995

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) Tableau d'honneur des officiers britanniques et indiens - A Vetera&hellip

    041 : été 1994

    Notes en passant (Avis de l'éditeur) Précédent Stand To! Éditeur Tony Farquharson 80e Anniv&hellip

    040 : Printemps 1994

    Notes en passant (Avis de l'éditeur) Éditeur. Tableau d'honneur de Tony Farquharson - Trois Veter&hellip

    039 : Hiver 1993

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) Critiques de livres Tableau d'honneur - Huit membres vétérans r&hellip

    038 : été 1993

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) Bob Butcher prend sa retraite en tant que rédacteur en chef de Stand To! Rouleau de Ho&hellip

    037 : Printemps 1993

    Notes au passage (Notes de l'éditeur) The Camera Returns (19) La D42 Arras à Fampoux Road by&hellip

    036 : Hiver 1992

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) Tableau d'honneur - Cinq membres vétérans se souviennent de Th&hellip

    035 : été 1992

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) Félicitations à Aleks A M Deseyne gagnant du 199&hellip

    034 : Printemps 1992

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) Service commémoratif du fondateur de The Western Front&hellip

    033 : Hiver 1991

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) Les membres de longue date du Comité WFA prennent leur retraite : James Bra&hellip

    032 : été 1991

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) Miss Rose Coombe RIP Haig The Camer&hellip de Denis Winter

    031 : Printemps 1991

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) James Brazier, trésorier depuis la création de The WF&hellip

    030 : Hiver 1990

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) « Avons-nous vraiment… (les avons-nous envoyés là-dedans) ? John Terrain&hellip

    029 : été 1990

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) Quelle unité ? Carte postale de Nicholas Parker L'appareil photo & hellip

    028 : Printemps 1990

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) Le front occidental n'était pas une affaire exclusivement britannique

    027 : Hiver 1989

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) David Cohen, prend sa retraite en tant que président de la WFA - a tribut&hellip

    026 : été 1989

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) NZ dans ANZAC Quelle unité ? Le retour de la caméra (8) Hea&hellip

    025 : Printemps 1989

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) Le comité est revenu, une abondance de livres sur la Grande Guerre et de hellip

    024 : Hiver 1988

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) Message de Noël du président : David Cohen La fin ! À &hellip

    023 : Été 1988

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) British Trench Mortars The Light Mortar The Camera&hellip

    022 : Printemps 1988

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) Derrière les lignes (8) Lettres en haut ! Le bureau de poste de l'armée et hellip

    021 : Hiver 1987

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) Message du président de David Cohen 41e Division Chri&hellip

    020 : été 1987

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) Changements dans les divisions BEF par R W Butcher The Camera Retu&hellip

    019 : Printemps 1987

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) Rédacteur en chef Peter T Scott Présentation : Bob Butcher&hellip

    018 : Hiver 1986

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) Président de la WFA Charles E Thompson Stand To! Éditeur Pete&hellip

    017 : été 1986

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) Quelques hommages : Lieutenant-général Sir John Glubb KCB, CM&hellip

    016 : Printemps 1986

    Vice-président : David Cohen Notes au passage (Notes de la rédaction) Emil & Franz : Leutnant&hellip

    015 : Hiver 1985

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) Home Front (9) : Londres : vue à vol d'oiseau du ministère&hellip

    014 : été 1985

    Notes en passant (Notes de l'éditeur) Home Front (8) Land Army: The Woman's Land Army / Women'&hellip

    013 : Printemps 1985

    Notes éditoriales Home Front (7) Les nouvelles armées réapprendre les leçons. La 5e Ann&hellip 1984 de John Terraine

    012 : Hiver 1984

    Messages de Noël De notre fondateur De notre patron De notre président De notre président d'honneur&hellip

    011 : été 1984

    Introduction spéciale à 1984 John Terraine : 1984 Anniversaire John Giles : Prélude à 1984 Terry&hellip

    010 : Printemps 1984

    Lettre du président George Ashurst a écrit sur le fait de jouer dans un International: England Vs German, Christm&hellip

    009 : Hiver 1983

    Notes éditoriales British Bias Veterans: 1914-1984 Messages de Noël que j'ai promis par Margaret &&hellip

    008 : été 1983

    Notes éditoriales Numéros d'anniversaire Derrière les lignes (5) 51 Batterie de siège Mes expériences à th&hellip

    007 : Printemps 1983

    Notes éditoriales Améliorations de la mise en page, en grande partie en interne, augmentation du budget, augmentation des pages de&hellip

    006 : Hiver 1982 :

    Notes éditoriales Contributions photographiques : recadrage des images et demande de photos de Me&hellip

    005 : été 1982

    Notes éditoriales Sur les contributions, « écrivez ce que vous voulez », résultats de l'enquête de 1981 sur member&hellip

    004 : Printemps 1982

    Notes éditoriales Cette édition du 1er anniversaire comporte 4 pages supplémentaires pour les articles et vete&hellip

    003 : Hiver 1981

    Notes éditoriales (éditeur honoraire : Peter T Scott) 70 ans plus tard - les premiers anniversaires de la « décennie » i&hellip

    002 : automne 1981 (septembre)

    Notes éditoriales (Hon. Éditeur Peter T. Scott) Contributions poétiques à David Patterson Appel pour &hellip

    001 : Printemps 1981

    Notes éditoriales (Peter T. Scott) Au service des membres de la Western Front Association Early Days, N&hellip

    À propos de nous

    La Western Front Association (WFA) a été formée dans le but de susciter l'intérêt pour la Première Guerre mondiale de 1914-1918. Nous visons également à perpétuer la mémoire, le courage et la camaraderie de tous ceux qui ont servi leur pays de tous côtés, sur tous les théâtres et sur tous les fronts, sur terre, en mer et dans les airs et chez eux, pendant la Grande Guerre.

    Des médias sociaux
    Inscription à la newsletter

    Abonnez-vous à notre newsletter par e-mail pour recevoir la newsletter de la WFA "Trenchlines"


    Pour ce défi, nous devons utiliser la tactique « Juste les faits, madame ». De nombreux défis au christianisme sont basés sur de mauvaises informations. Ils ne comprennent pas les faits. On peut surmonter ces objections par un simple appel aux faits.

    Alors, quels sont les faits dans ce cas?

    Eichenwald et ceux qui continuent d'épouser cette absurdité se trompent sur le fonctionnement de la traduction moderne de la Bible. En réalité, les traductions anglaises modernes remontent au original langues. En fait, ceux qui savent lire les langues originales – le grec, l'hébreu et l'araméen – sont en mesure de savoir ce que les auteurs ont réellement écrit dans les langues originales. En conséquence, il n'y a que une étape dans le processus de traduction—de la langue d'origine à la langue moderne. C'est vrai, chaque traduction moderne n'a été traduite que une fois que. Ce n'est pas « une traduction de traductions de traductions », c'est juste une Traduction. Par conséquent, les traducteurs modernes sont les mieux placés pour fournir une traduction précise.

    Notre Bible moderne n'est pas une mauvaise traduction — une traduction de traductions de traductions. Bien sûr, cela laisse encore la question de la transmission du texte. Mais c'est une question distincte que nous avons abordée. Dans le défi qui nous attend, il suffit de souligner que le nombre de traductions n'affecte pas la fiabilité du texte.


    Lundi 24 avril 2006

    24 avril 2006 -
    Nous, à la Réseau de soulagement de la douleur avoir une action attendue depuis longtemps prête à être prise contre le ministère de la Justice des États-Unis. Nous voulons vraiment leur interdire de poursuivre les médecins en vertu de la Loi sur les substances contrôlées (CSA).

    La sagesse qui prévaut est que la seule façon de défier l'ASC est de prendre de petites bouchées. Dans le cas de la médecine de la douleur, nous avons la possibilité de remettre en cause tout le cadre légal. Raich, par exemple, plaide pour faire de la marijuana médicale une exception à la CSA, dans certaines rares situations où la maladie extrême des plaignants l'emporte sur tout intérêt que le gouvernement fédéral peut revendiquer pour protéger le public de la marijuana. Bien que nous souhaitons bonne chance aux plaignants dans leur réclamation, par rapport à la nôtre, elle est périphérique.

    QU'EST-CE QUI EST DIFFÉRENT À PROPOS DE NOS MÉDICAMENTS

    Dans notre cas, nous avons l'occasion unique de protéger la pratique légale de la médecine d'un USDOJ qui ne reconnaît aucune limite à son autorité.

    L'opportunité est également d'ouvrir une véritable discussion qui doit commencer dans ce pays sur la façon dont cette loi a interféré avec la pratique éthique de la médecine et, bien sûr, comment elle a également détruit les protections juridiques des accusés.

    Parce que le DOJ s'en prend aux médecins simplement parce qu'ils pratiquent la médecine d'une manière avec laquelle les avocats du DOJ sont en désaccord (un OM qu'ils admettent par écrit, soit dit en passant), les experts du gouvernement élaborent la loi au cas par cas. Ceci est arbitraire et par définition en violation des droits des médecins à a) exercer dans un climat de légalité et 2) savoir à l'avance quel type de conduite est criminelle afin qu'ils puissent s'assurer de ne pas le faire.


    COMMENT NOTRE ENJEU POURRAIT RÉVEILLER L'AMÉRIQUE

    Or, puisqu'un crime est ce que dit le témoin du gouvernement, la seule façon pour un médecin de se protéger de la responsabilité pénale est de ne pas prescrire. Étant donné que cela se passe à travers les États-Unis, même dans la mesure où des patients avec des pompes à morphine dans le dos sont largués par des médecins, l'USDOJ a créé un climat de pénurie (par la terreur) qui, à première vue, viole le droit du patient à une procédure régulière parce que les personnes souffrant de douleurs non traitées perdent leur emploi, leur entreprise, leur vie, la garde de leurs enfants, leur mariage et la liste est longue. De plus, eux et leurs familles vivent dans une peur constante.

    La rareté a également créé une situation cauchemardesque où les personnes souffrantes sont contraintes de céder leur confidentialité médicale à la DEA et d'accepter de ne visiter qu'une seule pharmacie, un seul médecin, acceptant également de ne pas se rendre aux urgences pour soulager la douleur, acceptant même de ne jamais demander pour une augmentation de leur dose de médicaments à nouveau, etc. Les médecins terrifiés sont devenus des agents de la loi, et les patients se voient imposer la tolérance zéro de la guerre contre la drogue à eux et à eux seuls. Aucune autre classe de personnes, à l'exception des prisonniers, n'est traitée de cette manière, et par leurs médecins !

    Des directives du conseil médical ont été promulguées qui exigent que les médecins essaient toutes les autres modalités de traitement possibles avant d'essayer les opioïdes, alors que les opioïdes sont les seuls médicaments vraiment sûrs et efficaces. Nous avons donc ici la promulgation d'une médecine policière spéciale que vous obtenez de vos médecins si vous avez la malchance de souffrir continuellement - et cette approche spéciale de vos soins est requise par le droit pénal - toute personne pour la médecine juive ou les Noirs. Médicament? Et la médecine gay ?

    De plus, les personnes souffrantes peuvent être éjectées de leurs médicaments à tout moment parce qu'un conjoint ou une connaissance en colère n'a qu'à appeler le médecin et à alléguer la criminalité, et le médecin laissera tomber le patient afin de se protéger. Que faire si vous souffrez et que vous développez un problème de dépendance ? Dites-le à votre médecin ? Vaut mieux pas. Parce que maintenant, il a la preuve de votre ?illégitimité ? en tant que patiente.

    Ainsi, le CSA a créé une classe suspecte fondée sur un handicap (50 à 70 millions de personnes seraient dans la douleur invalidante - un tiers d'entre elles dans une douleur incontrôlable) et en raison de la manière totalement arbitraire dont elle est appliquée , la loi a en effet exigé des médecins qu'ils traitent leurs patients comme des criminels présumés. Le témoignage des procès en sorcellerie révèle que les médecins sont reconnus coupables d'être insuffisamment méfiants envers leurs patients, une exigence que l'on ne trouve nulle part dans la loi ou les règles qui prétendent faire respecter le CSA. Cet impératif contrevient aux Conventions de Genève qui exigent que les médecins ne soient pas contraints d'accomplir des tâches incompatibles avec leur mission humanitaire. ni être contraint de s'abstenir d'actes requis par la déontologie médicale."*

    Il s'avère que la « légalité » de l'annexe 2 est plus correctement considérée comme une pseudo-légalité. Ces drogues ne sont légales que lorsqu'un agent des forces de l'ordre ne remet pas leur légalité en question. Pas étonnant que Richard Nixon ait été si invétéré sur une guerre contre la drogue comme moyen de gagner et de conserver un avantage politique. Les annexes 2, vues d'un point de vue politique, sont vraiment de petites bombes " gottcha ". Si un agent de la DEA prétend qu'un médecin a prescrit de « manière criminelle », la HIPPA n'est pas pertinente et les agents peuvent parcourir les dossiers à leur guise. Chaque fois qu'un agent des forces de l'ordre vous trouve avec des drogues répertoriées, il vous incombe de montrer que vous les possédez légalement. En d'autres termes, votre présomption d'innocence a été supprimée et remplacée par une fiction légale - que vous êtes en possession légale tant que vous avez trouvé les médicaments dans le cadre d'une transaction autorisée par le procureur général des États-Unis - votre " possession légale ". de votre propre médecine est en fait à la charge du ministère de la Justice.

    Heureusement, il existe un moyen d'y parvenir.

    Les états réglementent la médecine et les états procureurs généraux, en deux lettres (1ère lettre NAAG pdf), ont appelé la DEA pour son comportement scandaleux et ont déclaré qu'ils pensaient que la DEA interfère avec la pratique de la médecine.


    L'ACLU de la messe.
    a manifesté un vif intérêt et se joindrait à nous pour prendre cette position. Harvey Silverglate à Boston est notre allié là-bas.

    Nous travaillons avec un avocat hautement qualifié en Virginie, John P. Flannery, ancien procureur fédéral et conseiller spécial auprès des deux chambres des commissions judiciaires. Il a travaillé sur plusieurs de nos appels et a pris connaissance des vulnérabilités du gouvernement.

    Nous travaillons également avec plusieurs experts médicaux de premier plan qui peuvent apporter au briefing et au tribunal, les preuves médicales qui étaient la base sur laquelle la médecine avait à l'origine avancé et avait commencé à traiter la douleur comme s'il s'agissait d'une maladie comme une autre.

    Il s'avère que les opioïdes ne sont pas aussi addictifs que nous le pensions auparavant. En fait, parmi la population de personnes souffrantes qui en prennent quotidiennement, l'incidence de la toxicomanie est négligeable. De plus, la science peut dicter qu'un médecin donne à ses patients des quantités d'opioïdes pour une douleur intense, que le gouvernement qualifie d'« obscène ». Imaginez ce que cela signifie pour vous si vous êtes un tel patient.

    Ces vérités scientifiques ont volé en face de la machine de propagande du gouvernement, qu'ils utilisent pour justifier toute la guerre contre la drogue. Nous, dans la communauté de la douleur, avons subi de plein fouet un énorme appareil d'application de la loi qui lutte désespérément pour justifier son existence face à des preuves qui prouvent que la drogue la plus "dure" de toutes, l'opium redouté et redouté, s'avère ne pas l'être. dangereux du tout.

    Pour des raisons de terrain, PRN a été miné par les autres organisations de réforme de la drogue. À ce stade, nous aimerions représenter cette question devant les tribunaux et rechercher un soutien financier et tactique sur cette base limitée et non dans le cadre de la politique sur les drogues, c'est-à-dire la réduction des méfaits ou le mouvement de la marijuana. Notre mouvement a sa propre histoire et ses propres alliés politiques.

    Nous luttons pour une médecine éthique et pour les droits civils des personnes souffrantes, ce que le CSA a effectivement interdit. Mais c'est aussi un combat pour le contrôle judiciaire de l'exécutif, alors que le Congrès a montré qu'il ne protégera pas la minorité vulnérable de personnes souffrantes de peur qu'il ne paraisse « doux » vis-à-vis de la drogue.

    Il y a encore beaucoup à dire, mais je vous laisse avec ceci :

    Les gens qui souffrent sont les canaris de la mine de charbon. Ce sont les Américains qui sont les "dommages collatéraux" lorsque nous, en tant que nation, avons cédé à la tentation d'assouplir les protections constitutionnelles accordées aux accusés parce que les méchants, c'est-à-dire trafiquants de drogue - étaient si mauvais qu'il fallait donner aux gentils un avantage procédural. Maintenant, les nouveaux méchants sont les quelques médecins dans les communautés qui ont fait passer les meilleurs intérêts du patient avant les leurs et qui ont traité la douleur de ces personnes les plus désespérément exclues. C'est ce qui arrive lorsque nous cédons à l'envie d'assouplir nos protections des accusés. Ce problème rend la tyrannie qui en résulte terriblement, terriblement réelle.

    Nous recherchons une participation réfléchie et un soutien financier. N'hésitez pas à appeler ou à envoyer un courriel pour toute question. Nous sommes un 501 c3.


    Notre numéro d'identification fiscale est le 54-2105672.

    Mon nom se prononce She-vaughn. Court e.

    Voici un article important sur la question par Maia Szalavitz.

    Membre de la famille d'un patient souffrant de douleur chronique

    Réseau de soulagement de la douleur

    « Défendre les patients souffrants et les médecins qui les soignent »


    Histoire de la comédie stand-up

    Comédie debout a fait ses débuts dans les années 1840 à partir du format de spectacle de variétés en trois actes des spectacles de ménestrels (via les performances blackface du personnage de Jim Crow), Frederick Douglass a critiqué ces spectacles pour avoir profité et perpétué le racisme. [1] [2] Les monologues de ménestrels ont exécuté des monologues de deuxième acte et de discours de souche à partir de spectacles de ménestrels jusqu'en 1896, bien que des traces de ces performances racistes aient continué à être utilisées jusqu'au milieu des années 1900. [3] [4] La comédie stand-up a également des racines dans diverses traditions de divertissement populaire de la fin du 19ème siècle, y compris le vaudeville (via des spectacles de ménestrels, des musées à dix sous, des salles de concert, des spectacles de monstres, des spectacles de variétés, Ringling Bros. et Barnum & Bailey Circus), le burlesque américain (via la féminisation par Lydia Thompson du spectacle de ménestrels, des salons de concert, des music-halls anglais et des pitreries de clowns de cirque) et des monologues humoristes comme ceux prononcés par Mark Twain dans son premier spectacle de tournée (1866), Nos compagnons sauvages des îles Sandwich. [5] [6] [7] [8] Sans mélange, vaudeville monologue les temps d'exécution étaient de 10 à 15 minutes. [9] [10]

    Les jardins d'agrément avaient des "chambres" extérieures avec des thèmes. [11] Alors que les jardins d'agrément accueillaient des spectacles de ménestrel et de burlesque, l'ère des vaudeville américain remonte à 1836, dans un jardin d'agrément appelé Niblo's Garden, mais le terme vaudeville n'était pas couramment utilisé verbalement avant les années 1840 et n'apparaissait généralement pas par écrit avant les années 1890. [12] [13] Avec le tournant du vingtième siècle et la propagation de la vie urbaine et industrielle, la structure, le rythme et le calendrier et le matériel de l'humour américain ont commencé à changer. [14] [15] Les comédiens de cette époque dépendaient souvent de blagues rapides, de slapstick, d'insinuations scandaleuses ou obscènes, et portaient un personnage ethnique - africain, écossais, allemand, juif - et construisaient une routine basée sur des stéréotypes populaires. [16] Pendant les ères stand-up du ménestrel, du vaudeville et du burlesque, les blagues étaient généralement considérées comme étant du domaine public et le matériel humoristique était largement partagé, approprié et volé. [17] Le public américain industrialisé recherchait le divertissement comme moyen de s'échapper et d'affronter la vie urbaine. Précurseur du stand-up, l'ère du burlesque américain a commencé dans les années 1860 et a fonctionné sans censure jusqu'en 1937, lorsque le terme burlesque ne pouvait plus être utilisé légalement dans le burlesque new-yorkais des bandes dessinées utilisé des stéréotypes et un humour dialogique sexuellement suggestif pour plaire aux hommes hétérosexuels. [8] [18] [19] La routine burlesque Qui est le premier ? a été rendu célèbre par Abbott et Costello.

    Les fondateurs de la comédie stand-up américaine moderne sont Moms Mabley, Jack Benny, Bob Hope, George Burns, Fred Allen, Milton Berle et Frank Fay, tous issus du vaudeville ou du Chitlin' Circuit. [20] [21] Ils ont parlé directement au public comme eux-mêmes, devant le rideau, connus comme jouant "en un". Frank Fay a été acclamé en tant que "maître de cérémonie" au Palace Theatre de New York. Vaudevillian Charlie Case (également orthographié Charley Case) est souvent crédité de la première forme de comédie stand-up, interprétant des monologues humoristiques sans accessoires ni costumes. Cela n'avait jamais été fait auparavant lors d'un spectacle de vaudeville.

    Les années 40 et 50 ont élevé la carrière de comédiens comme Milton Berle et Sid Caesar à la radio et à la télévision. [22] À partir des années 1930-50, le circuit des boîtes de nuit appartenait à la mafia américaine et était exploité par elle. [23] [24] Les boîtes de nuit et les centres de villégiature sont devenus le terreau d'un nouveau type de comédien : un se lever, en particulier Lenny Bruce. [25] [26] Des actes tels qu'Alan King, Danny Thomas, Martin et Lewis, Don Rickles, Joan Rivers et Jack E. Leonard ont prospéré dans ces lieux.

    Dans les années 1950 et jusque dans les années 1960, des stand-ups de la "nouvelle vague" [27] tels que Mort Sahl et Lord Buckley ont commencé à développer leurs numéros dans de petits clubs folk comme le San Francisco'saffamé i (propriété de l'impresario Enrico Banducci et à l'origine de l'omniprésent " mur de briques" derrière les comédiens) [28] ou Bitter End de New York. [29] [30] [31] Ces comédiens ont ajouté un élément de satire sociale et ont élargi tant la langue que les limites du stand-up, s'aventurant dans la politique, les relations raciales et l'humour sexuel. Lenny Bruce est devenu connu comme «le» comique obscène lorsqu'il a utilisé un langage qui a généralement conduit à son arrestation. [32] Après Lenny Bruce, les arrestations pour langage obscène sur scène ont presque disparu jusqu'à ce que George Carlin soit arrêté le 21 juillet 1972 au Summerfest de Milwaukee après avoir exécuté la routine "Seven Words You Can Never Say on Television" [33] L'acte de Carlin a été jugé indécent mais pas obscène, et la Cour suprême a accordé à la FCC la permission de censurer dans une décision 5-4 de FCC v. Pacifica Foundation.

    D'autres bandes dessinées notables de cette époque incluent Woody Allen, Shelley Berman, Phyllis Diller et Bob Newhart. Certains comédiens noirs américains tels que George Kirby, Bill Cosby, Flip Wilson, Godfrey Cambridge et Dick Gregory ont commencé à explorer la critique de "l'histoire et du mythe" dans les années 1950-60, Redd Foxx testant les limites de "l'humour racial non censuré". [34]

    Dans les années 1970, plusieurs artistes sont devenus des stars majeures sur la base de performances de comédie stand-up. Richard Pryor et George Carlin ont suivi le style acerbe de Lenny Bruce pour devenir des icônes. Le stand-up s'est étendu des clubs, des centres de villégiature et des cafés aux grands concerts dans les arènes sportives et les amphithéâtres. Steve Martin et Andy Kaufman étaient les praticiens les plus populaires de l'anti-comédie des années 1970 aux années 1980. [35] Le style plus ancien de la comédie stand-up (pas de satire sociale) a été maintenu en vie par Rodney Dangerfield et Buddy Hackett, qui ont apprécié des carrières ravivées tard dans la vie. Don Rickles, dont le style légendaire d'attaques impitoyables et impitoyables à la fois contre les autres artistes et les membres du public l'a maintenu à la télévision et à Vegas des années 1960 aux années 2000, lorsqu'il est apparu dans le très populaire Pixar. Histoire de jouet films comme Mr Potato Head, à qui Rickles a donné ses manières grincheuses sur scène. Des émissions de télévision telles que Saturday Night Live et Le spectacle de ce soir aidé à faire connaître les carrières d'autres humoristes, dont Janeane Garofalo, Bill Maher et Jay Leno.

    Dans les années 1980, Eddie Murphy a façonné la comédie afro-américaine en créant le Pack noir: similaire au Rat Pack, c'était un groupe de comédiens debout, ses membres comprenaient Paul Mooney, qui a écrit pour Richard Pryor et a joué plus tard dans Chappelle's Show. [36] [37] [38] [39]

    Des années 1970 aux années 90, différents styles de comédie ont commencé à émerger, des styles fous de Robin Williams, aux observations étranges de Jerry Seinfeld et Ellen DeGeneres, aux réflexions ironiques de Steven Wright, au mimétisme de Whoopi Goldberg, et Eddie Murphy. Ces comédiens serviraient à influencer la prochaine génération de comédiens.

    Après l'apogée du boom de la comédie stand-up des années 80, il y a eu un buste de la comédie des années 90. [40]

    Les Aristocrates est un film de 2005 basé sur la blague originale de vaudeville Les Aristocrates, où les comédiens racontent leur version de la blague sale. [41]

    La reconnaissance officielle des humoristes actuels vient du prix Mark Twain pour l'humour américain, des rôtis du New York Friars Club et du prix Andy Kaufman. [42]

    Début du XXe siècle bandes dessinées sur le devant a commencé dans les music-halls, ouvrant la voie à la comédie stand-up en Grande-Bretagne. [43] [44] [45] Les bandes dessinées de devant-toile notables qui se sont levées par le circuit de théâtre de variété étaient Morecambe et Wise, Arthur Askey, Ken Dodd et Max Miller. [46] [43] Jusqu'en 1968, le régime de censure lourde du bureau du Lord Chamberlain a exigé que tous les comédiens soumettent leurs actes à la censure. L'acte serait renvoyé avec des sections inacceptables soulignées au crayon bleu (donnant peut-être lieu au terme "bleu" pour un comédien dont l'acte est considéré comme obscène ou sale). Le comédien était alors obligé de ne pas s'écarter de l'acte dans sa forme montée. [47]

    L'essor des comédiens d'après-guerre coïncide avec l'essor de la télévision et de la radio, et le circuit du music-hall traditionnel en souffre beaucoup. [ citation requise ] Dans les années 1970, le divertissement de music-hall était pratiquement mort. Des circuits alternatifs avaient évolué, comme les clubs d'hommes ouvriers. [47] Certains des comédiens les plus réussis du circuit des clubs d'hommes ouvriers, dont Bernard Manning, Bobby Thompson, Frank Carson et Stan Boardman, ont finalement fait leur chemin à la télévision via des émissions telles que Le club social des Wheeltappers et des locotracteurs. La scène de la comédie « alternative » a également commencé à évoluer. Certains des premiers succès sont venus de clubs folkloriques, où des artistes tels que Billy Connolly, Mike Harding et Jasper Carrott ont commencé comme des actes musicaux relativement droits dont les plaisanteries entre les chansons se sont transformées en routines complètes de comédie. Les années 1960 ont également vu le boom de la satire, avec notamment la création du club, l'Establishment, qui, entre autres, a donné au public britannique un avant-goût de la comédie extrême américaine de Lenny Bruce. [48] ​​Victoria Wood a lancé sa carrière de stand-up au début des années 1980, qui comprenait une conversation d'observation mélangée à des chansons de comédie. Wood allait devenir l'un des comédiens les plus titrés du pays, en 2001 à guichets fermés au Royal Albert Hall pendant 15 nuits consécutives. [ citation requise ]

    En 1979, le premier stand-up comedy club à l'américaine, le Comedy Store a été ouvert à Londres par Peter Rosengard, où de nombreuses stars de la comédie alternative des années 1980, telles que Dawn French et Jennifer Saunders, Alexei Sayle, Craig Ferguson, Rik Mayall et Ade Edmondson ont commencé leur carrière.[49] Le circuit de comédie stand-up s'est rapidement développé de Londres à travers le Royaume-Uni. Le circuit britannique actuel de la comédie stand-up est né de la révolution de la comédie « alternative » des années 1980, l'humour politique et l'observation étant les styles dominants à prospérer. En 1983, la jeune professeure d'art dramatique Maria Kempinska a créé Jongleurs Comedy Clubs avant sa fermeture en 2017. On pense que la comédie stand-up a été jouée à l'origine comme un one-man show. Dernièrement, ce type de spectacle a commencé à impliquer un groupe de jeunes comédiens, notamment en Europe. [ citation requise ]

    En termes de comédie en direct au Mexique, les prédécesseurs de ce style comique sont :

      sont un duo comique précurseur d'un style composé de parodies et de double sens avec créativité (1957-2008) Originaire de Juan Aldama, Zacatecas. Il abandonne l'architecture à l'Universidad del Valle de México pour suivre des cours de théâtre au "Dimitrio Sarrás Actors Studio" pendant trois ans.
    • Mara Escalante, est une actrice, comédienne et chanteuse mexicaine. Elle est connue pour la série télévisée María de Todos los Ángeles, dans laquelle elle a deux personnages, dont le protagoniste. Elle a commencé sa carrière au milieu des années 90. (1944-), dont les routines sont caractérisées par un contenu élevé de références sexuelles, avec une pointe de misogynie, relayée comme une anecdote personnelle. (1961-) a été l'un des premiers à transporter le genre au Mexique de son programme nocturne, en utilisant le monologue comique. (Evelio Arias Ramos, 1966-2008).

    La nouvelle génération de comédiens a décidé d'utiliser sa propre vie comme thème de sa comédie, imitant le style américain :

      , fils du comédien mexicain Héctor Suárez, est actuellement l'hôte de la version latino-américaine du programme de comédie Stand Up Comedy Central Presents, diffusé par Comedy Central de 2011 à 2014. depuis 2013 dirige le programme appelé STANDparados diffusé par Comedy District avant Classic TV .
    • Kikis, (1980) comédien depuis fin 2011, ouvertement lesbienne, a participé à Comedy Central Latin America ainsi qu'avec Adal Ramones dans STANDparados Comedy District.
    • Luiki Wiki (1985-) a commencé à faire de la comédie en janvier 2013 à Mexico et a ensuite déménagé à Monterrey NL pour lancer le premier Open Mic à Monterrey (un événement auquel les comédiens peuvent participer pour essayer de nouveaux matériaux avec un vrai public) avec d'autres comédiens du genre. Plus tard, ils ont créé le premier collectif de comédie à Monterrey appelé For Laughter Standup Comedy. Luiki Wiki a participé à des programmes comme Es de Noche et je suis déjà arrivé avec René Franco et comme avec Adal Ramones dans la 3ème saison de l'émission STANDparados diffusée par Comedy District. (1981-) Comédien, musicien, présentateur radio et fondateur de "La Diablo Squad". Il est principalement connu pour ses spectacles comiques, s'est produit dans toute la République mexicaine et en Amérique latine, commençant même son propre "World Tour", arrivant à avoir des performances confirmées en Europe et aux États-Unis, y compris des voyages au Japon et en Australie. Actuellement connu comme le plus grand représentant de la comédie stand-up dans ce pays.
    • Hugo "El Cojo Felíz" (1988-), est un comédien, présentateur radio, membre de l'escouade du diable, a l'émission de radio "La Hora Felíz" avec "Oncle Rober" et est considéré comme le meilleur stylo au Mexique.
    • Roberto Andrade Cerón le "Oncle Rober" (1979-) est un comédien, écrivain, présentateur de radio et a "La Cojo Feliz" le programme de radio "La Hora Felíz".
    • Daniel Sosa
    • Alex Fernández
    • Sofia Niño de Rivera
    • Mauricio Nieto

    Le genre du one-man-show, qui est similaire, mais permet d'autres approches (mise en scène des personnages, des chansons et des scènes) a été introduit au Brésil par José Vasconcellos dans les années 60. Se rapprochant du format nord-américain, Chico Anysio et Jô Soares ont maintenu le format - en particulier dans leurs talk-shows nationaux en direct et, en général, dans les monologues d'ouverture - apportant au Brésil un genre plus similaire à ce qui est actuellement connu sous le nom de Se lever. [50]

    Le stand-up a commencé à être une nouvelle intéressante en 2005 en São Paulo, lors de la création du premier club, appelé Stand Up Clube de Comédia : composé de Marcelo Mansfield, Rafinha Bastos, Oscar Filho, Marcela Leal et Márcio Ribeiro. À São Paulo, le club de comédie se présenterait à Beverly Hills, le lieu traditionnel de la comédie à Moema. Peu de temps après, il a migré vers Mr. Blues et Bleeker Street, dans Vila Madalena. Dans Rio de Janeiro, Comédie à Pé, (Comedy Standing Up): composé de Cláudio Torres Gonzaga, Fábio Porchat, Fernando Caruso et Paulo Carvalho, a fait ses débuts sur place Rio Design Leblon. Il s'agissait des premières représentations de stand-up dans le pays.

    En 2006, la bande dessinée Jô Soares regardait Club de Comédie à São Paulo et a invité le comique Diogo Portugal pour une interview dans son talk-show. Ce fut un moment décisif pour attirer l'attention sur le genre. Il a mentionné de nombreuses émissions différentes auxquelles il a participé et a attiré l'attention du public et la couverture médiatique des bars qui ont organisé ces présentations. A Curitiba, avec cet élan, de nombreuses autres nuits de stand-up ont commencé à s'ouvrir. A São Paulo, Danilo Gentili, qui venait de faire partie de Club de Comédie, a invité Mário Ribeiro et a réuni d'autres jeunes comiques qui étaient des spectateurs fréquents du club, pour créer Comédie Ao Vivo (Live Comedy) : composé de Dani Calabresa, Luiz França, Fábio Rabin. [51] [52]

    Avec l'émission CQC - Custe o Que Custar, sur TV Bandeirantes, une chaîne de télévision nationale, en 2008, le genre a pris sa place permanente sur la scène nationale. Avec de grands noms comme Danilo Gentili, Rafinha Bastos et Oscar Filho, la curiosité a grandi de façon exponentielle. [53]

    À l'instar de CQC, de nombreuses chaînes et émissions de télévision de la télévision nationale brésilienne ont investi dans le stand-up. Après cela, de nombreux autres groupes ont acquis une reconnaissance dans les clubs et des spectacles vivants dans les deux plus grandes villes du Brésil.

    Bien que les antécédents de ce genre remontent aux monologues de Miguel Gila dans les années 1950, l'essor de la comédie en direct en Espagne a pris du temps par rapport au continent américain. La première relation généralisée avec ce genre comique s'est produite en 1999 avec la création de la chaîne Paramount Comedy, qui comprenait le Nouvelles bandes dessinées programme comme l'un de ses programmes phares, où se sont distingués des monologues tels que Ángel Martín, José Juan Vaquero, David Broncano et Joaquín Reyes.

    Aussi, en 1999 a commencé le voyage du programme Le club de la comédie, une adaptation ouverte du format comique populaire. Dans sa première étape (1999-2005), il subit plusieurs changements de chaîne et sort des comédiens comme Luis Piedrahita, Alexis Valdes ou Goyo Jiménez. Dans sa nouvelle étape, à partir de 2011 dans La Sexta et présentée par Eva Hache, il essaie de démarrer dans le genre des personnages médiatiques monologues comiques de différents domaines artistiques tels que : Imanol Arias, José Luis Gil, Isabel Ordaz et Santiago Segura.

    Une mention spéciale mérite le programme Buenafuente, commencé en 2005. Le présentateur, Andreu Buenafuente, a fait un premier monologue d'environ 9 à 11 minutes où il relie des problèmes d'actualité avec des situations humoristiques quotidiennes. Cela est devenu la partie la plus célèbre du programme et a fait de lui l'un des comédiens les plus reconnus d'Espagne, pour son lien avec le public et sa capacité à improviser.

    D'autre part, le comédien Ignatius Farray est devenu aujourd'hui l'une des icônes les plus représentatives de ce genre.

    La comédie stand-up moderne en Inde est une jeune forme d'art, cependant Chakyar koothu était important à Trivandrum et dans le sud du Kerala aux XVIe et XVIIe siècles. Il avait tous les attributs de la comédie stand-up moderne et est largement considéré comme le plus ancien acte de comédie mis en scène connu au monde. [ citation requise ]

    Même si l'histoire des spectacles de comédie en direct en Inde remonte aux années 1980, pendant longtemps, les comédiens de stand-up n'ont reçu que des actes de soutien / de remplissage dans diverses performances (danse ou musique). [ citation requise ]

    En 1986, l'Indien Johnny Lever s'est produit dans une émission caritative intitulée "Hope 86", devant toute l'industrie cinématographique hindi en tant que fille de remplissage et était aimé du public. Son talent est reconnu et il sera plus tard décrit comme « l'humoriste emblématique de sa génération ». [54] [55]

    Ce n'est qu'en 2005, lorsque l'émission télévisée Le grand défi du rire indien a remporté une énorme popularité et la comédie stand-up en elle-même a commencé à être reconnue. Ainsi, beaucoup plus de comédiens sont devenus populaires et ont commencé à présenter diverses émissions en direct et télévisées. La demande de contenu comique continue d'augmenter. Certains comédiens populaires autour de 2005-2008 incluent Raju Srivastav, Kapil Sharma et Sunil Pal. La plupart d'entre eux ont exécuté leurs actes en hindi.

    Raju Srivastav est apparu pour la première fois dans une émission de comédie Le grand défi du rire indien. Il a terminé deuxième et a ensuite participé au spin-off, The Great Indian Laughter Challenge — Champions, dans lequel il a remporté le titre de « The King of Comedy ». [56] Srivastava a participé à la saison 3 de Grand chef. Il a participé à la comédie Comédie Ka Maha Muqabla. [57]

    Kapil Sharma est classé non. 3 à la liste des personnalités indiennes les plus admirées par The Economic Times en 2015. [58] Actuellement, il anime l'émission de comédie indienne la plus populaire « The Kapil Sharma Show » après « Comedy Nights with Kapil ». [59] Sharma avait travaillé dans la comédie Hasde Hasande Raho sur MH One, jusqu'à ce qu'il obtienne sa première pause dans The Great Indian Laughter Challenge, l'une des neuf émissions de télé-réalité qu'il a remportées. Il est devenu le vainqueur de l'émission en 2007 pour laquelle il a remporté 10 lakhs comme prix en argent. [59]

    Sharma a participé à l'émission de Sony Entertainment Television Comédie Cirque. [60] Il est devenu le vainqueur des six saisons de "Comedy Circus" auxquelles il a participé. [61] Il a animé une émission de télé-réalité de danse Jhalak Dikhhla Jaa Saison 6 [62] et a également animé une émission de comédie Chhote Miyan. [63] [64] Sharma a également participé au spectacle Ustaadon Ka Ustaad.

    Vers 2008-2009, deux autres comédiens populaires Papa CJ et Vir Das sont retournés en Inde et ont commencé à se faire une place sur la scène comique indienne. Les deux ont été exposés à des routines de comédie britanniques et américaines et ils ont joué principalement en anglais. Dans le même temps, quelques autres jeunes se sont inspirés et ont commencé à se lancer dans la comédie stand-up.

    Depuis 2011, la comédie stand-up a été largement appréciée. [ citation requise ] Le Comedy Store de Londres a ouvert un magasin dans le Palladium Mall de Mumbai où les gens apprécient régulièrement les comédiens du Royaume-Uni. The Comedy Story a également soutenu les comédiens locaux et les a aidés à grandir. Ce point de vente est finalement devenu le Canvas Laugh Club à Mumbai.

    Vers 2011, les gens ont commencé à organiser différents événements humoristiques à micro ouvert à Mumbai, Delhi (et Gurgaon), Bangalore. Tout cela s'est produit en association avec la croissance d'une contre-culture dans les villes indiennes qui a répondu à l'appétit des jeunes générations pour des événements en direct pour la comédie, la poésie, la narration et la musique. Divers événements de stand-up ont été couverts par des chaînes d'information populaires telles que NDTV / Aajtak, etc. et ont été appréciés par des millions de téléspectateurs.

    À la suite de ces développements, ainsi que de la pénétration croissante de YouTube (avec Internet/World Wide Web), la comédie stand-up indienne a commencé à toucher de plus en plus de masses. Alors que les comédiens établis tels que Vir Das, Papa CJ se développaient indépendamment à travers diverses performances corporatives / internationales, d'autres comédiens tels que Vipul Goyal, Biswa Kalyan Rath, Kenny Sebastian, Kanan Gill, Kunal Kamra sont devenus populaires grâce aux vidéos YouTube.

    L'industrie, encore à ses débuts, voit maintenant beaucoup plus de comédiens en herbe alors qu'elle transforme l'écosystème qui l'entoure.


    L'évolution du Stand Up Comedy-Time pour une leçon d'histoire !

    La comédie stand-up peut être retracée dès le années 1800. (Dans les spectacles de ménestrels américains).

    Bien qu'il n'ait été popularisé qu'au milieu des années 1970.

    Les spectacles de ménestrel consistaient principalement en des représentations de théâtre musical, bien que certains comprenaient des bandes dessinées.

    L'interprète (comique) se tiendrait au centre de la scène, tandis que l'interlocuteur raconterait des blagues / poserait des questions humoristiques tandis que les finalistes racontaient ensuite la punchline.

    Ces spectacles étaient populaires avant, pendant et bien après la guerre civile lors de l'abolition de l'esclavage.

    Cependant, comme vaudeville lancé dans le 19 ème siècle, la popularité du stand-up a commencé à s'estomper.

    Will Rogers était l'une des bandes dessinées les plus populaires à l'époque du vaudeville.

    En temps de guerre (surtout la Seconde Guerre mondiale) les artistes comiques exerçaient leur art à la radio, car cela «rassemblait les Américains» pendant des périodes si difficiles.

    Dans le années 1950 “Le spectacle d'Ed Sullivan” et “Le spectacle de ce soir” a ouvert la voie à davantage de spectacles comiques et de bandes dessinées dans les décennies à venir.

    Du années 1970 au cours des quatre décennies suivantes, l'essor et la chute de la comédie changeront radicalement en raison de l'attrait du public et des événements historiques.

    Les années 70 ont vraiment été le moment de la naissance du stand-up, considérant qu'une nouvelle génération d'humoristes est née, y compris "l'invention" du club de comédie.

    Dans le années 1980, le stand-up peut être trouvé presque partout, des émissions de télévision aux clubs en passant par les bandes dessinées.

    Pendant le années 90, cependant, le stand-up a connu une légère baisse. Mais seulement pour rebondir sur la scène dans les années 2000.
    À travers le années 2000 à aujourd'hui stand-up a continué à prospérer.

    Il a non seulement été joué à la télévision et dans des clubs de comédie, mais est devenu un passe-temps pour les amateurs, devenant une activité réelle dans les collèges, les centres communautaires et autres.

    Ces jours étaient sont entouré par la comédie stand-up et la bande dessinée stand-up.

    Et bien que de plus en plus d'humoristes quittent le stand-up pour des professions plus scénarisées comme les émissions de télévision et les films, l'art est toujours en plein essor avec la popularité.

    Des acteurs comme Mindy Kaling de Le bureau(qui a maintenant son propre spectacle, « Le projet Mindy ») a commencé à faire du stand-up.

    Et pratiquer le stand-up en préparation pour un rôle scénarisé peut en fait aider votre performance globale.

    –Puisque vous vous adressez directement au public, vous pouvez gagner en confiance et découvrir comment le public réagit à certains aspects de votre performance. Ce qui finira par vous aider lorsque vous jouerez avec d'autres acteurs.

    Dans l'ensemble, étant un bande dessinée debout est jamais une mauvaise idée !


    Voir la vidéo: Stand to WIN Double Tickets to Japan (Novembre 2021).