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La Dame d'Auxerre : quelle histoire derrière son sourire archaïque ?


Élégante et séduisante, la Dame d'Auxerre a séduit les archéologues comme les amateurs d'art. Ses origines, probablement sur l'ancienne Crète, fournissent un élément d'intérêt supplémentaire. La forme féminine représentée dans cette figure était-elle divine ou terrestre ? Beaucoup de mystère entoure encore cet artefact fascinant.

Bien que l'on pense que la Dame d'Auxerre a peut-être ses origines en Crète, Auxerre est une ville de France. Actuellement, il n'y a aucune information sur la provenance de la statuette, ni sur son voyage jusqu'au musée de la ville depuis la Grèce. En fait, la Dame d'Auxerre serait même restée inconnue si elle n'avait été découverte par un conservateur du musée du Louvre au début du XXe siècle. Il a depuis été déterminé que la Dame d'Auxerre est une œuvre d'art assez importante, car c'est l'un des plus beaux exemples du style «dédélique» de la sculpture grecque.

La soi-disant Dame d'Auxerre, une statuette féminine de style dédalique. Calcaire à décor incisé, anciennement peint, ca. 640-630 av. J.-C., fabriqué en Crète ? (Jastrow/ CC PAR 2.5 )

Utilisation non conventionnelle pour les œuvres d'art anciennes

En 1907, un conservateur du musée du Louvre du nom de Maxime Collignon trie les objets du caveau du musée d'Auxerre lorsqu'il rencontre la Dame d'Auxerre. Il a été décidé que la statuette porte le nom de la ville, car les documents concernant sa provenance ou les circonstances dans lesquelles elle est arrivée dans la ville étaient inexistants. Apparemment, la Dame d'Auxerre faisait partie d'une collection appartenant à un sculpteur français du XIXe siècle.

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Après cela, il a été vendu à un portier d'un théâtre d'Auxerre pour un franc. Selon la tradition locale, la statuette était utilisée comme accessoire de scène pour une opérette, ainsi que comme porte-chapeaux pour les amateurs de théâtre. À un moment donné, la statuette a été acquise par le musée de la ville et a été conservée dans son coffre-fort.

Style daédélique émanant

La Dame d'Auxerre est en calcaire et mesure environ 65 cm (25,59 pouces) de hauteur (ce qui en fait une statuette d'un tiers grandeur nature). Cette statuette aurait été créée au VIIe siècle av. du style Daedelic. Ce style porte le nom de Daedalus, le légendaire artisan grec réputé pour avoir été le premier sculpteur.

Le style dédalique a prospéré au 7ème siècle avant JC, au cours duquel l'art grec a été influencé par celui de ses voisins de la Méditerranée orientale. Par conséquent, cette phase de l'histoire de la Grèce antique est également connue sous le nom de « période d'orientalisation ».

Moulage en plâtre moderne et peint de la Dame d'Auxerre au département des Classiques. à l'Université de Cambridge. (Neddyseagoon/ CC PAR SA 3.0 )

Influence extérieure et locale sur l'apparence de la Dame d'Auxerre

L'influence de l'art proche-oriental s'exprime amplement dans la Dame d'Auxerre. Par exemple, bien que le dos de la statue soit également sculpté, l'accent principal est mis sur son devant, car il était censé être vu sous cet angle. Le visage de la statuette, qui est un triangle inversé, avec le menton arrondi en forme de U, ainsi que ses cheveux / perruque (qui ressemblent à ceux de l'art égyptien antique) ont également été signalés comme rappelant l'art du Proche-Orient.

Néanmoins, des éléments locaux peuvent également être détectés dans cette sculpture. La robe de la Dame d'Auxerre est celle de l'ancien type crétois, et sa similitude avec celle d'une autre sculpture crétoise, l'Eleutherna Kore, a été notée. Cela a également conduit à la suggestion que la Dame d'Auxerre pourrait être originaire d'Éleuthère.

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Statue daedalique d'un Kore, fragment, pierre poros. Eleftherna, VIIe siècle av. Musée archéologique d'Héraklion. (Zde/ CC PAR SA 4.0 )

Quelle était la fonction de cette statuette ?

Un autre mystère qui entoure la Dame d'Auxerre est son identité et sa fonction. Certains ont émis l'hypothèse que cette statuette pouvait être destinée à représenter une déesse. Cette spéculation est faite sur la base de comparaisons avec des figurines en terre cuite de déesses du Proche-Orient, où un fort accent est mis sur leurs attributs sexuels.

D'autres, cependant, ont fait valoir que la Dame d'Auxerre était censée représenter une femme mortelle, peut-être une adepte d'un culte de la fertilité, ou s'il s'agissait d'une offrande votive, de la dédicataire elle-même. Cette dernière interprétation est appuyée par la main droite de la statuette qui, vue de face, est censée indiquer un geste de supplication.

En raison de son importance, la Dame d'Auxerre a été déplacée du Musée d'Auxerre au Louvre à Paris, où elle reste exposée jusqu'à aujourd'hui.


La Dame d'Auxerre exposée. (Harrison Hoffman/ CC PAR SA 2.0 )


25 des plus célèbres statues et sculptures de la Grèce antique

Les anciens Grecs sont légendaires pour de nombreuses raisons, leur narration à travers la mythologie, pour leurs douze dieux glorieux, leurs philosophes estimés et leurs fiers et courageux guerriers, mais peut-être nous nous souvenons d'eux le plus pour leur amour de la beauté.

La beauté, que les anciens Grecs honoraient en construisant certaines des merveilles architecturales les plus étonnantes du monde, et la beauté représentée dans des statues et des sculptures spectaculaires et réalistes

Voici vingt-cinq œuvres incroyables de l'art grec ancien, vingt-cinq des statues les plus célèbres de la Grèce antique d'où elles sont originaires, où et quand elles ont été découvertes, et où elles se trouvent aujourd'hui.

Tout au long des trois époques de l'art grec ancien archaïque (600 - 480 av. J.-C.), classique (480 - 323 av. J.-C.) et hellénistique (323 - 31 av.

Les principaux hommes, tous de grands sculpteurs, à l'époque des anciens, étaient Myron (Actif 480 – 444), Phidias (Actif 488 – 444), Polykleitos (Actif 450 – 430), Praxitèle (Actif 375 – 335) et Lysippe (Actif 370 – 300).

25 célèbres statues grecques antiques, classées par ordre chronologique, avec la date approximative de leur création.

1. Dame d'Auxerre (Kore d'Auxerre) Vers 650 - 625 av.

Statuette déesse d'Auxerre en calcaire
Musée du Louvre, Paris

Maintenant au musée du Louvre, Paris, France

La Dame d'Auxerre, mystérieusement apparue dans le caveau du musée du Louvre en 1907, d'où elle vient et comment elle y est arrivée, personne ne le sait.

La Dame d'Auxerre est une « kore », c'est-à-dire une jeune fille, une vierge, autre nom également de Perséphone, fille de Déméter dans la mythologie grecque.

L'équivalent masculin est "kouros" un jeune, ou un jeune garçon, ce sont des figures autonomes, grandeur nature ou plus grandes, et étaient souvent utilisées comme pierres tombales.

Ces figures, comme tous les monuments et sculptures antiques, n'étaient pas à l'origine telles que nous les voyons aujourd'hui, mais étaient peintes de couleurs vives, les couleurs se sont usées avec le temps.

La Dame d'Auxerre, sculpture crétoise en calcaire, haute de 65 cm (exceptionnellement petite pour un kore), a une taille étroite, comme le faisaient les déesses de l'époque minoenne/mycénienne, et des cheveux rigides et raides, ce qui montre une influence égyptienne

2. La Porte Sacrée Kouros (Dipylon Kouros) Vers 600 av.

Porte sacrée en marbre de kouros, ca. 600-590 avant JC
Musée archéologique, Athènes, Grèce

Maintenant dans le musée archéologique de Kerameikos, Athènes, Grèce

La porte sacrée de Kouros, haute de 2,10 mètres, en marbre de Naxos (Naxos), a été mise au jour en 2002, au cimetière de Kerameikos, le quartier des potiers de l'Athènes antique, par l'Institut archéologique allemand d'Athènes.

Le fait que les kouros aient été découverts près de la porte sacrée du cimetière, une double porte, en grec "dipylon" (avec d'autres artefacts deux lions de marbre, un sphinx et des fragments de piliers de marbre), conduit les experts à supposer qu'il s'agissait de l'œuvre du sculpteur « Dipylon » qui travaillait au cimetière.

3. Kleobis et Biton vers 580 av.

Kléobis et Biton
Musée archéologique de Delphes, Grèce

Maintenant au Musée Archéologique de Delphes, Grèce

Trouvé à Delphes, le nombril du monde et la maison de l'oracle grec, la Pythie, en 1893 et ​​1894.

Kleobis et Biton, deux statues plus grandes que nature (nues, à l'exception des bottes), identiques, en marbre de Parian (Paros).

Bien que trouvées à Delphes, les statues proviennent d'Argos dans le Péloponnèse et selon une inscription sur la base, ont été réalisées par Polymède d'Argos.

Il y a deux histoires au choix, concernant leur identité, toutes deux issues de la mythologie grecque.

Parallèlement au nom du sculpteur, est inscrit sur le socle le mot « Fanakon », signifiant princes, nom habituellement donné à Castor et Pollux, frères jumeaux, fils de Zeus, dits « dioscures », largement vénérés dans le Péloponnèse.

La deuxième histoire a les statues nommées Kleobis et Biton, les noms sous lesquels elles sont exposées dans le musée de Delphes, deux frères humains, fils de Cydippe, une prêtresse de la déesse Héra, à Delphes.

Cydippe, un jour, est tiré sur une colline escarpée, par des bœufs et une charrette, pour prier au temple, les bœufs tombent morts sur place, et étant de si bons fils, Kleobis et Biton s'accrochent à la charrette et procèdent, avec beaucoup d'efforts pour traîner leur mère bien-aimée sur la colline escarpée.

Les frères se rendent au temple au sommet de la colline, où ils s'effondrent, épuisés, leur mère prie la déesse Héra de leur permettre de mourir dans leur sommeil, la mort la plus douce et la plus facile pour de simples mortels.

4. Moschophoros (Veau - Porteur) Vers 570 avant JC

Moschophoros - Veau-porteur
Musée de l'Acropole, Athènes, Grèce

Maintenant dans le musée de l'Acropole, Athènes, Grèce

Le Moschophoros est l'une des premières dédicaces trouvées à l'Acropole d'Athènes, fouillée en 1864, il s'agit d'un "kouros" (jeune homme) de 1,65 mètre de haut, fabriqué avec du marbre du mont Hymette, Attiki. (La base est en calcaire)

Une inscription sur la base indique que la statue était une offrande à la déesse Athéna, de Rhonbos, les pensées sont que l'homme barbu, avec un veau en bandoulière, est en fait Rhonbos lui-même, apportant le veau à l'Acropole, pour être sacrifié .

5. Peplos Kore vers 530 av.

Le Péplos Koré
Musée de l'Acropole, Athènes, Grèce

Maintenant dans le musée de l'Acropole, Athènes, Grèce

Le Peplos « kore » (Jeune femme ou jeune fille) est une statue mesurant 1,18 mètre, retrouvée en trois morceaux, lors des fouilles de l'Acropole, à Athènes, en 1886.

Fabriqué à partir de marbre de Paros (Paros), ce « Kore » tire son nom du « peplos », un lourd châle de laine porté dans la Grèce antique, que porte la jeune fille.

Des trous sur le bas du bras droit et le bras gauche plié suggèrent qu'elle a peut-être déjà brandi un arc et des flèches, ou un bouclier et un casque, des trous dans la tête et les épaules, suggèrent qu'elle portait à l'origine une décoration de tête en bronze.

6. Kritios Boy (jeunesse d'Ephebos) vers 480 av.

Garçon de Kritios
Musée de l'Acropole, Athènes, Grèce

Maintenant dans le musée de l'Acropole, Athènes, Grèce

Le corps du Kritios Boy a été retrouvé lors de fouilles sur l'Acropole d'Athènes, en 1866, la tête, vingt-trois ans plus tard, réunie, la statue mesure 86 cm de haut.

Cette statue, attribuée au sculpteur Kritios, est l'un des meilleurs exemples du passage du style archaïque tardif au style grec classique précoce, lorsque les statues sont devenues moins raides et rigides, montrant un mouvement plus naturel, avec elles portant leur poids sur une jambe, plutôt que deux, comme dans le style archaïque

7. Le guerrier déchu du temple d'Aphaia vers 480 av.

Le guerrier mourant, situé au fronton du temple d'Aphaia à Egine.
Fronton Est
Glyptothèque, Munich Berlin

Maintenant dans la Glyptothèque de Munich, Allemagne

Le temple d'Aphaia a été construit au sein d'un sanctuaire sur l'île d'Egine, dédié à la déesse Aphaia, le temple existant est peut-être le deuxième, voire le troisième temple construit sur le site, les précédents ayant été détruits.

En 1811, l'architecte anglais Charles Robert Cockerell et le baron Otto Magnus Von Stackberg, enlevèrent des sculptures des frontons est et ouest du temple (ici les nuances d'Elgin d'Angleterre), et les firent expédier à l'étranger, où elles furent vendues au prince héritier, bientôt Louis Ier de Hanovre.

Les sculptures prises dans le temple d'Aphaï représentaient deux guerriers, abattus au combat, qui gisaient en train de mourir, le guerrier du fronton ouest avait une flèche ou une lance logée dans sa poitrine (maintenant disparu), le guerrier du fronton est, pense-t-on pour être une sculpture plus tardive, on pense que les deux représentent des guerriers des guerres de Troie.

8. L'aurige de Delphes vers 470 av.

L'aurige de Delphes. Musée archéologique de Delphes, Grèce

Maintenant au Musée Archéologique de Delphes, Grèce

L'aurige de Delphes, également appelé « Heniokhos » « Le porte-rêne », a été trouvé en 1896 dans le sanctuaire d'Apollon, à Delphes, un excellent spécimen de sculpture en bronze antique.

C'est l'une des statues les plus connues et les mieux conservées de l'ancienne Delphes, qui aurait été construite pour commémorer la victoire de Polyzalus de Sicile aux Jeux Pythiens.

L'aurige de Delphi, un jeune homme portant la tunique de jockey habituelle de l'époque, la « xystine », faisait à l'origine partie d'un groupe et n'a survécu que parce qu'il a été enterré sous un éboulement à Delphes, et a donc échappé à l'enlèvement et à la fonte bas pour son métal, comme cela arrivait fréquemment à cette époque.

L'aurige, la dernière sculpture en bronze de Delphes, presque intacte, toujours avec ses yeux de verre et ses détails en cuivre sur les cils, est liée au sculpteur Pythagore de Samos, qui a vécu et travaillé en Sicile.

9. Zeus et Ganymède vers 470 av.

Statue en terre cuite de Zeus et Ganymède
Musée archéologique d'Olympie de l'archaïque tardif

Maintenant au Musée Archéologique d'Olympie, Grèce

Zeus et Ganymède est un groupe en terre cuite représentant Zeus emmenant le jeune Ganymède au mont Olympe.

Les premiers fragments du groupe ont été découverts dans le stade d'Olympie en 1874, d'autres pièces ont été trouvées au même endroit en 1938.

Les deux personnages, Zeus et Ganymède, représentent une scène bien connue de la mythologie grecque, où Zeus, voyant Ganymède (de l'ancienne Troie), submergé par sa beauté, le trompa, le vola à son père et l'emmena au mont Olympe.

10. Les bronzes de Riace (Les guerriers de Riace) vers 460 av.

Les bronzes de Riace,
logé dans le Musée National de Reggio de Calabre

Maintenant au Musée Nazionale della Grecia, Reggio, Calabre.

J'aime cette merveilleuse histoire de la découverte des bronzes de Riace en 1972, par Stefano Mariottini, chimiste et plongeur amateur.

Stefano, alors qu'il faisait de la plongée en apnée, à deux cents mètres au large de Riace, en Calabre, en Italie, a été choqué de repérer ce qu'il pensait être un bras humain sortant du fond marin, pensant que la mafia n'avait rien fait de bon, Stefano a appelé le police.

La police est arrivée sur les lieux, a fouillé un peu, s'est rendu compte qu'ils avaient affaire à quelque chose de mieux qu'un cadavre et a appelé les archéologues, qui étaient sur place "Subito", où ils ont découvert deux statues de bronze grecques antiques, mais pas de naufrage. .

Les deux statues, qui diffèrent en hauteur de quelques centimètres, étiquetées statue A et statue B auraient été réalisées par des sculpteurs distincts : la statue A de Myron, élève de Phidias, et la statue B d'Alkamène.

À une certaine époque, ils auraient tenu des lances.

Bien que découvertes en 1972, les figures n'ont été exposées au public qu'en 1981, à Florence et à Rome où plus de 1 000 000 ont afflué pour les voir en moins d'un an !

11. L'Artemision Bronze (Dieu de la Mer) Vers 460 av.

Le bronze d'Artémision
Musée Archéologique National, Athènes, Grèce

Maintenant dans le Musée Archéologique National, Athènes, Grèce

Le Bronze d'Artemision a été tiré de la mer, en deux morceaux, au large du Cap d'Artemision (Nord Eubée-Eubée, la deuxième plus grande île après la Crète) lors de fouilles sur le site d'un naufrage romain de 1926 à 1928.

La statue, mesurant 209 cm de hauteur, représente soit Zeus soit Poséidon (Neptune), Zeus aurait tenu un coup de foudre, Poséidon un trident.

12. Lanceur de disque (Discobolus) Vers 460 av.

La statue Discobole - Lanceur de disque
Musée national de Rome

Maintenant au Musée National de Rome

La statue en bronze originale, le lanceur de disque, que l'on pense être de Myron d'Eleuthérae, un sculpteur athénien qui travaillait uniquement en bronze, surtout connu pour ses représentations d'athlètes, est malheureusement perdue, mais la pièce est connue grâce à des copies romaines.

La première copie de la célèbre statue, trouvée sur la propriété de la famille Massimo, à Villa Palombra sur la colline Esquilin, en 1781, est la Palombara, ou Lancellotti Discobole, réalisée au premier siècle.

Après restauration, la statue a été installée dans le palais familial, et plus tard, au Palazzo Lancellotti.

En 1937, Adolph Hitler a négocié pour acheter la statue du Discobole, ce qu'il a finalement fait en 1938, qui lui a été vendue par Galeazzo Ciano, ministre des Affaires étrangères (après de nombreuses protestations du peuple italien), pour cinq millions de lires.

La statue a été envoyée en Allemagne par train et exposée à la Glyptothèque de Munich.

La statue a été rendue à l'Italie en 1948 et est maintenant exposée au Musée national de Rome.

Un deuxième exemplaire, The Townley Discobole, a été trouvé au mur d'Hadrien en 1770, et acheté par un marchand d'art anglais, Thomas Jenkins aux enchères publiques en 1792, plus tard il a été acheté par Charles Townley pour quatre cents livres sterling, pour le British Museum en 1805.

Le lanceur de disque est désormais devenu une image emblématique des Jeux Olympiques.

13. Les métopes de marbre du Parthénon (partie des marbres du Parthénon) vers 447-438 av.

En métopes du Parthénon, Acropole, Athènes, Grèce
Maintenant au British Museum, Londres, Angleterre

Maintenant au British Museum, Londres, Angleterre, une partie des marbres du Parthénon.

Les métopes du Parthénon étaient à l'origine quatre-vingt-douze panneaux de marbre qui rehaussaient l'extérieur du Parthénon, une partie de la frise dorique, trouvée sur l'Acropole d'Athènes faite par Phidias, ce sont des exemples célèbres de haut-relief grec classique.

Les métopes du Parthénon, représentaient des scènes de la mythologie grecque antique et en général, représentaient le triomphe de la raison sur la passion animale et le chaos.

Il y avait quatorze métopes sur chacun des murs ouest et est, et trente-deux sur chacun des murs nord et sud.

Les quatorze métopes du mur oriental se trouvaient au-dessus de l'entrée principale du Parthénon et montrent les étapes finales de la bataille entre les géants et les dieux de l'Olympe qui représentent Zeus, un char monté par Héra et Poséidon (Neptune) avec son trident.

Les métopes du mur sud montrent la bataille des Lapithes (une tribu éolienne) contre les Centaures (créatures mythiques avec le haut du corps d'un homme et le bas du corps d'un cheval).

Les métopes du mur nord montrent les Grecs en guerre contre les Troyens, appelés « Le Sac de Troie ».

En 1687, un boulet de canon a frappé le Parthénon, lors d'une attaque des Vénitiens, détruisant de nombreuses métopes, seuls quatorze des 32 panneaux originaux survivent et sont exposés au musée de l'Acropole.

Quinze des métopes du mur sud ont été « enlevées » par Lord Elgin d'Angleterre et se trouvent maintenant au British Museum de Londres.

14. Les marbres du Parthénon (déesses du fronton est du Parthénon) vers 447 – 438 av.

Les marbres de Partnenon
British Museum, Londres Angleterre

Cela m'attriste terriblement de dire que ces sculptures en marbre uniques, réalisées par Phidias, à partir du magnifique marbre blanc de Penteli, qui ornait le Parthénon sur l'Acropole d'Athènes pendant des milliers d'années, sont maintenant au British Museum, Londres, Angleterre.

De 1801 à 1812, Thomas Bruce Lord Elgin a visité l'Acropole d'Athènes, (Oh qu'il n'a jamais eu !)

Elgin a enlevé près de la moitié des sculptures survivantes, vingt et une figures des frontons est et ouest et soixante-quinze mètres de la frise du Parthénon ont été piratés des murs du majestueux temple, et l'un des six Cariatides a été retiré, au grand dégoût de Lord Byron, qui a comparé le comportement d'Elgin au vandalisme et au pillage.

Elgin a fait expédier le butin volé en Angleterre, où il l'a vendu au gouvernement britannique en 1816, qui l'a remis au British Museum.

Les déesses sur le fronton est du Parthénon, représentent la naissance de la déesse Athina, à gauche est Hélios, le dieu du soleil, s'élevant de la mer, tiré par des chevaux, vient ensuite la seule figure à avoir une tête, Dionysos, et puis Perséphone et sa mère. Déméter.

Le groupe central Athéna née de la tête de Zeus, frappée à la hache par Héphaïstos, manque.

Il existe encore un groupe de trois déesses, peut-être Hestia, Dione et sa fille, la déesse de la lune Selene.

15. Athéna Parthénos (Athéna la Vierge) Vers 447 av.

Athéna Parthenos (Phidias) – Période classique grecque. Musée national d'archéologie d'Athènes

L'Athéna Parthénos, de Phidias, une immense statue de la déesse Athina, créée à partir de chryséléphantine (or et ivoire sur bois), de onze mètres et demi de haut, logée dans le Parthénon sur l'Acropole d'Athènes, a été enlevée par les Romains, et est maintenant perdu.

Des reproductions anciennes, telles que le « Varvakeion Athena », une copie romaine du IIIe siècle après J.-C., et le Lenormant Athéna (inachevé), du IIe ou du IIIe siècle après J.

Une grande copie moderne d'Alan LeQuire se trouve dans une reproduction du Parthénon de l'Acropole, à Nashville, Tennessee.

16. Zeus à Olympie Vers 435 av.

Statue de Zeus à Olympie. Evgeny Kazantsev (artiste numérique)
Cette statue avait une hauteur de 42 pieds et était magnifiquement fabriquée à partir de pierres précieuses, d'ébène et d'or.

Une sculpture géante de l'ancien dieu grec Zeus, perdue et détruite au cinquième siècle après JC, mesurait treize mètres de haut, la taille d'un bâtiment de quatre étages, et érigée dans le temple de Zeus à Olympie, en Grèce.

Cette sculpture étonnante a été réalisée par Phidias (qui avait également fait l'immense statue d'Athéna Parthénos), et aurait pris huit ans à construire.

Le Temple de Zeus a été conçu par Libon d'Elis en 466-456 avant JC, le site comprenait un stade, où se tenaient les Jeux Olympiques tous les quatre ans, en l'honneur de Zeus.

L'atelier de Phidias a été trouvé en 1954-58, à l'ouest du temple de Zeus.

Le Zeus d'Olympie, Zeus assis sur son trône, a été commandé par les Éléens, une ancienne région du sud du Péloponnèse et se composait de panneaux d'ivoire et d'or, placés sur du bois de cèdre et ornés d'ébène et de pierres précieuses, c'est l'une des sept merveilles du monde antique.

Aucune copie n'a jamais été trouvée, mais les détails du Zeus d'Olympie sont connus grâce à des descriptions de bouche à oreille, transmises à travers des générations de Grecs anciens, et à partir d'images de Zeus d'Olympie, ornant des pièces de monnaie grecques anciennes.

On ne sait pas ce qui est arrivé à ce grand Zeus, a-t-il été emporté à Byzance par les Romains, et peut-être plus tard détruit dans l'incendie du palais de Lausus en 475 après JC ?

Ou Zeus a-t-il péri dans l'incendie d'Olympie en 525 après JC ?

17. Marathon Youth (Ephebe of Marathon) Vers 400 av.

Le Marathon des Jeunes. Musée archéologique national d'Athènes, Grèce

Maintenant au Musée Archéologique National d'Athènes, Grèce

Le Marathon Youth est une statue de bronze, trouvée en 1925, dans la baie de Marathon dans la mer Égée.

Très probablement, le Marathon Youth a été le vainqueur d'une compétition sportive dont le style suggère que le sculpteur pourrait avoir été lié à l'école de Praxitèle.

18. Hermès de Praxitèle Vers 400 av.

Musée archéologique Hermès de Praxitèle d'Olympie, Grèce

Maintenant au Musée Archéologique d'Olympie, Grèce

Hermès de Praxitèle a été mis au jour lors des fouilles, en 1877, au temple d'Héra, à Olympie.

Cette statue géante de 2,13 mètres de haut, en marbre de Paros (Paros) hautement poli, réalisée par l'ancien sculpteur grec Praxitèle, montre le mythe grec ancien de l'époque où Hermès emmenait le bébé Dionysos aux Nysiades.

Les Nysiades étaient trois, cinq ou six nymphes okéanides du mythique mont Nysa, qui auraient élevé Dionysos, et dont les noms sont Cisseïs, Nysa, Erato, Eriphia, Bromia et Polymno.

19. Aphrodite de Cnide vers 350 av.

La Colonna Vénus – Aphrodite de Cnide
Museo Pio-Clementino, au Musée du Vatican

La statue d'Aphrodite de Cnide, l'une des œuvres les plus célèbres de Praxitèle, n'a pas survécu, peut-être a-t-elle été déplacée au palais de Lausus, à Byzance, par les Romains, qui a brûlé en 474 avant JC, et a été perdue.

Selon Pline, Praxitèle d'Athènes, un ancien sculpteur grec, a été chargé de créer une figure, en tant que statue de culte, pour un temple dédié à la déesse Aphrodite, par les habitants de l'île de Kos.

Praxitèle a fait deux statues, une habillée (la dévêtue est celle qui n'existe pas aujourd'hui) et une nue et a présenté les deux statues aux habitants de Kos, et leur a demandé de faire leur choix.

Les citoyens prudes de Kos, profondément choqués, ont immédiatement rejeté la statue nue et ont pris la silhouette vêtue.

La figure nue rejetée a été achetée par les citoyens de Knidos, une ancienne ville du Sud-Ouest de l'Asie Mineure.

Célèbre pour sa beauté, le knidos Aphrodite, la première figure grandeur nature d'une femme nue, montre la déesse Aphrodite se préparant pour le bain rituel qui restaure la pureté (pas la virginité).

Pour ajouter aux ragots qui entourent déjà l'Aphrodite de Knidos, Praxitèle aurait utilisé la courtisane Phryné comme modèle.

Cette sculpture souvent copiée, également appelée la Vénus (Aphrodite) Pudica, (En raison de sa modeste main sur son demi-penny), "La Vénus de Médicis" ou "La Vénus du Capitole" et, bien qu'elle soit une statue culte, est devenue une attraction touristique, il est dit que même Aphrodite, après avoir entendu tous les hoo ha à propos de la statue, est venue la voir par elle-même

Le patron des Knidiens, Nicomède de Bythie, a proposé de payer les énormes dettes que la ville avait accumulées, en échange de la belle statue d'Aphrodite, son offre a été refusée.

La copie la plus fidèle de l'Aphrodite de Knide est la « Colonna Vénus », conservée au Museo Pio-Clementino, au Musée du Vatican.

20. L'aurige de Motya vers 350 av.

L'aurige de Motya. Photo de The Culture Concept Circle par Carolyn Mcdowal
Musée Giuseppe Whitaker, île de San Pantaleo

Maintenant au musée Giuseppe Whitaker, île de San Pantaleo, à 10 km au nord de Marsala, en Sicile.

L'aurige de Motya a été retrouvé en 1979, à Motya, une île au large de la côte ouest de la Sicile.

L'île de Motya, nommée Motya (nom d'une femme associée à Hercule dans la mythologie grecque) par les Grecs anciens, qui s'y étaient installés depuis près de quatre siècles, était initialement habitée par des Phéniciens.

L'aurige de Motya, vêtu de la tunique habituelle, la "Xystis", l'une des premières sculptures classiques survivantes du monde, montre un aurige victorieux, réalisé par un sculpteur grec vivant en Sicile.

21. La jeunesse victorieuse (le bronze Getty) vers 310 av.

La jeunesse victorieuse. Musée J. Paul Getty, Pacific Palisades, Californie, États-Unis

Maintenant au J. Paul Getty Museum, Pacific Palisades, Californie, États-Unis

La statue en bronze de la Grèce antique de La Jeunesse victorieuse a été prise dans les filets d'un chalutier de pêche, dans la mer de Fano, sur la côte adriatique italienne en 1964.

Après quelques « Under the counter », de nombreuses offres et beaucoup de concurrence du Metropolitan Museum of art, The Victorious Youth est obtenu pour le Getty Museum en 1977.

22. La victoire ailée de Samothrace (Nike de Samothrace) Vers 200 av.

La victoire ailée de Samothrace – Nike de Samothrace
Musée du Louvre, Paris, France

Maintenant au musée du Louvre, Paris, France

Et maintenant nous arrivons à l'une des deux sculptures grecques antiques les plus célèbres du monde entier, l'une des rares statues hellénistiques originales survivantes, pas une copie romaine, (l'autre étant la Vénus di Milo), la Victoire ailée de Samothrace , ou Niké de Samothrace, Niké déesse grecque de la victoire.

C'est ma statue grecque antique préférée, que j'ai la chance d'avoir vue au musée du Louvre, à Paris, où elle domine l'escalier Daru, debout dans toute sa splendeur, sur la proue d'un navire, à l'entrée du premier étage .

Le sculpteur est inconnu, mais on pense que Pythokritos de Lindos pourrait être l'homme de talent.

La statue, faite de marbre gris Thasian (Thasos) et de marbre blanc Parian (Paros), haute de 2,44 mètres et fière, honore non seulement la déesse Nike, mais aussi une bataille navale, peut-être la bataille de Salamine ou la bataille d'Actium .

La Victoire ailée de Samothrace a été découverte sur l'île grecque de Samothrace, alors sous domination ottomane, en 1863, par l'archéologue amateur consul de France, Charles Champoiseau, qui envoya la statue à Paris, où elle se trouve depuis 1884 au musée du Louvre.

Une réplique en plâtre se trouve dans le musée de Samothrace, construite à l'endroit où la Victoire ailée originale a été découverte.

23. Laocoon and Sons (Groupe Laocoon) Vers 200 av.

Laocoon et ses fils. Musée du Vatican

Maintenant au Musée du Vatican

La sculpture de Laocoon et de ses fils a été découverte lors de fouilles à Rome en 1506 et a été exposée au public au Musée du Vatican.

Un groupe de personnages presque grandeur nature, de plus de 2 mètres de hauteur, la sculpture représente le prêtre troyen, Laocoon, avec ses fils jumeaux Antiphante et Thymbraeus, attaqués par deux gigantesques serpents de mer.

Pline attribue l'œuvre, qui se trouvait à l'époque dans le palais de l'empereur Titus, à trois anciens sculpteurs grecs de l'île de Rhodes Agesander, Athendoros et Polydoros.

Pline n'était pas sûr cependant, si la statue est un original de l'ère hellénistique, ou s'il s'agit d'une copie d'une sculpture antérieure réalisée dans le style « baroque de Pergame », qui a émergé de la ville de Pergame en Asie Mineure grecque (moderne Turquie).

Laocoon, prêtre du dieu Apollon et fils de Priam de Troie, est connu, dans la mythologie grecque, pour avoir mis Apollon en colère en rompant son serment de célibat et en se livrant à un peu de panky dans le sanctuaire d'Apollon, ce qui a entraîné la naissance de ses fils jumeaux.

Est-ce pourquoi Apollo les fils de Laocoon, écrasés à mort par les serpents, laissant Laocoon seul à souffrir, ou est une autre version de l'histoire la raison de la mort de Laocoon et de ses fils, où Laocoon est un prêtre de Poséidon (Neptune) , plutôt qu'Apollon, et est tué, avec ses fils pour avoir averti les Troyens de ne pas accepter le cheval de Troie des Grecs ?

Virgile décrit cet événement dans L'Énéide et donne à Laocoon la fameuse ligne

« Ne faites pas confiance au cheval, chevaux de Troie. Quoi qu'il en soit, je crains que les Grecs ne portent même des cadeaux.

Cela a donné naissance à la célèbre ligne

« Méfiez-vous des Grecs portant des cadeaux. »

24. L'autel de Pergame Vers 180-160

L'autel de Pergame. Musée de Pergame et Altes Museum (tous deux sur l'île aux musées de Berlin), Allemagne

Maintenant dans le musée de Pergame et le musée Altes (tous deux sur l'île aux musées de Berlin), Allemagne

L'autel de Pergame de Zeus, était un monument construit sur l'Acropole de l'ancienne ville de Pergame en Asie Mineure grecque (Turquie moderne)

La base de l'autel était ornée d'un relief, montrant la bataille entre les géants et les dieux de l'Olympe, connue sous le nom de Gigantomachie.

n 1878, un ingénieur allemand, Carl Humann, commença des fouilles sur l'Acropole de Pergame, et, après beaucoup de marchandage avec le gouvernement turc, il fut convenu que tous les fragments de la frise de l'autel de Pergame, trouvés par Humann, deviendraient la propriété des musées de Berlin.

Les pièces de la sculpture grecque antique ont été expédiées en Allemagne, où elles ont été reconstruites par une équipe d'Italiens et en 1930 ont été exposées au public au musée de Pergame de Berlin.

Il a été annoncé en 2014 que l'exposition de Pergame serait fermée pour restauration, jusqu'en 2019-2020 environ.

25. La Vénus de Milo Vers 130-100 av.

La Vénus de Milo. Musée du Louvre Paris, France

Maintenant au musée du Louvre, Paris, France

Et nous voici, la dernière de mes vingt-cinq spectaculaires sculptures grecques antiques choisies, cela a été un long chemin, mais quelle fin pour finir avec La Vénus de Milo, peut-être la plus reconnaissable de toutes les statues grecques !

La Vénus de Milo, en marbre de Paros (Paros), mesurant 203 cm de haut, a été découverte en 1820, à l'intérieur d'une niche enterrée, dans l'ancienne ville de Milos, aujourd'hui village de Tripiti, sur l'île égéenne de Milos, alors sous occupation des Ottomans, par un paysan grec, Georgos Kentrotas.

Après avoir accepté de vendre la statue aux Français, Georgos s'est impatienté lorsque le paiement n'a pas été effectué et l'a vendue à Nicholas Mourousi, un traducteur à Istanbul, un cas de premier arrivé, premier servi.

Au moment où la statue était embarquée à bord d'un navire à destination d'Istanbul, l'assistant de l'ambassadeur de France, Hermès de Marcellus, arriva au port juste à temps, s'empara de la statue et parvint à convaincre le principal habitant de l'île d'annuler la vente, ce qu'il fit, et la statue fut offerte à la France en cadeau.

Au début, mis à nu, on pensait que la Vénus de Milo avait été réalisée par le grand sculpteur athénien, Praxitèle, mais lors de la découverte d'une inscription sur le socle, il s'avère que cette œuvre étonnante a été réalisée par un ménestrel et artiste ambulant, Alexandros d'Antioche, qui a travaillé pour la commission.

On pense que la statue est Aphrodite (Vénus), déesse de l'amour et de la beauté.

Si vous comparez cette dernière statue la Vénus de Milo, avec la première sur ma liste la Dame d'Auxerre, vous remarquerez comment le style a évolué, de la rigidité, la raideur de la période archaïque, au mouvement fluide et libre de l'hellénisme période.

Lentement mais sûrement, à travers la période classique, les sculptures sont devenues plus vivantes, elles ont maintenant une certaine finesse, leurs visages ne sont plus sans expression, le regard droit devant, on remarque ce petit sourire timide ou le regard de côté d'un œil .

La perfection pure a été atteinte avec l'avènement de l'époque hellénistique, le détail du drapé de la Victoire ailée de Samothrace, le tour d'une cheville ici, le creux d'un doigt là, et partout, un mouvement doux et fluide.

Quel meilleur exemple que la Vénus de Milo, avec son air distant, cette torsion de la taille, après cette œuvre d'art exceptionnelle, quoi ?


Qui a posé pour la Joconde de Léonard de Vinci ?

Au fil des ans, les chercheurs ont débattu de la véritable inspiration derrière le demi-sourire le plus célèbre de l'histoire&# x2014 et peut-être même le visage le plus reconnaissable du monde. Les gardiennes proposées pour le &# x201CMona Lisa&# x201D ont inclus da Vinci&# x2019s mère Caterina, la princesse Isabelle de Naples, une noble espagnole nommée Costanza d&# x2019Avalos et une courtisane sans nom, entre autres. Certaines des théories les plus provocatrices mettent l'accent sur le sujet&# x2019s traits du visage masculin, suggérant que da Vinci a basé le portrait sur sa propre ressemblance ou celle de son apprenti de longue date et amant possible, Sala&# xEC.

Lisa Gherardini del Giocondo, un riche marchand de soie&# x2019s épouse et mère de cinq enfants, a été l'un des principaux candidats depuis qu'un historien de l'art l'a identifiée comme la gardienne en 1550, plus de quatre décennies après l'achèvement de la peinture emblématique&# x2019. La découverte en 2005 d'une note vieille de 500 ans par une connaissance de da Vinci, qui déclare que l'artiste travaillait sur Lisa&# x2019s portrait, a confirmé la théorie pour de nombreux chercheurs. On pense que la beauté florentine&# x2019s mari a commandé le travail pour célébrer la naissance imminente d'un enfant en effet, certains ont mis le sujet&# x2019s expression énigmatique et des vêtements amples à la grossesse. Pour des raisons qui restent obscures, da Vinci n'a jamais donné la "ona Lisa" à la famille Giocondo, l'emmenant d'abord en France puis la léguant à Sala&# xEC.


'Break my window': Jocelyn Alo représente la famille, ville natale d'Hawaï avec Sooners à la WCWS

Si vous avez entendu quelqu'un crier &ldquo briser ma fenêtre !&rdquo au cours de la semaine dernière au Hall of Fame Stadium, il n'y a aucune raison de s'alarmer.

C'est ce que crie Nita Alo lorsque sa petite-fille, Jocelyn, se dirige vers l'assiette.

S'il y avait des voitures garées au-delà du champ gauche jeudi après-midi, vous pouvez parier que l'explosion de la première manche de Jocelyn Alo ferait du verre brisé. Le joueur national de l'année a frappé le circuit n ° 34 lors de la victoire du championnat national OU 5-1 contre l'État de Floride.

&ldquoCela m'apporte des larmes de joie,», a déclaré Nita Alo, tremblant de chair de poule dans la chaleur étouffante.

La grand-mère de 69 ans se tenait pieds nus sur les gradins alors qu'elle regardait les Sooners dominer les Seminoles. Elle portait le maillot n°78 de Jocelyn&rsquos et un chapeau de paille orné d'OU avec &ldquoaloha&rdquo écrit sur le côté.

Lorsque l'as OU Giselle Juarez a obtenu la finale, Nita Alo a agité ses bras et a pompé ses poings.

Après avoir serré ses coéquipières dans ses bras, Jocelyn Alo s'est dirigée vers la section familiale le long de la ligne de troisième but et a hissé le trophée du championnat. Les fans de l'OU, dont une dizaine d'Alos dans les tribunes, ont éclaté.

&ldquoEn ce moment, je&rsquo est tellement excitée et fière d'elle&rdquo,&rdquo Nita Alo a déclaré. &ldquoHauula dans la maison ! Nous sommes originaires d'une petite ville et elle l'a rendu si grand.

Hauula, une communauté de 3 000 habitants sur l'île d'Oahu, abrite les Alos.

Jocelyn Alo a été deux fois joueur de l'année au lycée de l'État de Gatorade à Hawaï, atteignant 0,571 avec 12 circuits en tant que senior. En tant que senior OU, Alo a atteint 0,475 avec 34 circuits, portant son total en carrière à 88, deuxième dans l'histoire de l'OU et quatrième dans l'histoire de la NCAA derrière Lauren Chamberlain et 95 allers-retours.

Alo, qui prévoit de revenir pour une cinquième saison, sera presque certainement couronnée reine du home run du softball en 2022.

&ldquoVous savez quoi, elle pourrait frapper la balle dès le premier jour&rdquo, a déclaré Levi Alo, le père de Jocelyn. &ldquoC&rsquos drôle. Je dis à tout le monde, elle a fait beaucoup de travail, mais ses mains ont été bénies par Dieu.»

Levi est responsable de la signature de Nita & rsquo & ldquobreak my window & rdquo chant.

&ldquoCela a commencé lorsque mon fils a frappé des circuits,&rdquo Nita a déclaré. &ldquoIl a failli frapper cette fenêtre dans cette maison de dame. Elle est sortie : 'Tu as failli casser ma fenêtre !'"

Comme toute histoire de famille, il existe des variantes.

&ldquoMon père frappait des coups de circuit au parc et ils se garaient juste derrière la clôture,&rdquo Jocelyn. &ldquoEt mon père a cassé leurs vitres.&rdquo

Peu importe l'origine, le dicton est resté.

&ldquoNous avons continué à crier,&rdquo Nita a dit avec un sourire.

Et Jocelyn a continué à frapper des circuits, avec quatre autres dans les Women&rsquos College World Series.

Alo a été nommé dans l'équipe All-Tournament. Elle est allée 7 pour 10 dans la série de championnat.

&ldquoElle a travaillé,&rdquo Levi Alo a déclaré. &ldquoC&rsquos comme un iceberg.

&ldquoPersonne ne voit tout le travail qu'il contient en dessous. Tout ce qu'ils voient, c'est le produit fini ici à la série mondiale. Ils ne voient pas des années et des années et des années d'être disciplinés, et ne pas aller à des fêtes autant que vous le devriez et ne pas traîner et manquer des événements familiaux. Mais cela en vaut la peine quand des choses comme celle-ci se produisent.

Le seul regret de Levi est que sa femme et maman de Jocelyn, Andrea, étaient là pour le voir. Andrea a dû rester à Hawaï pour le travail, mais le reste de la famille a fait le voyage à Oklahoma City.

Onze d'entre eux ont loué un Airbnb ensemble.

"Comme on dit chez nous sur l'île, il faut un village", a déclaré Rocky Alo, l'oncle de Jocelyn. &ldquoElle ne le fait pas seulement pour notre ville natale, elle le fait pour tout l'état d'Hawaï.&rdquo

Sophia Alo, la sœur de Jocelyn âgée de 14 ans, a égalé sa grand-mère dans un maillot cramoisi n°78.

Sophia est la prochaine sur la liste pour casser quelques fenêtres, avec des aspirations à jouer au softball universitaire comme sa sœur et l'une des stars les plus brillantes du sport.

&ldquoCela me rend fier,&rdquo Sophia, &ldquo parce que d'autres personnes que moi peuvent l'admirer.&rdquo


Guerriers de Riace

Les Guerriers de Riace (également appelé le bronzes de Riace ou Bronzes de Riace) sont deux statues en bronze grec grandeur nature de guerriers nus et barbus. Les statues ont été découvertes par Stefano Mariottini dans la mer Méditerranée juste au large de la côte de Riace Marina, en Italie, le 16 août 1972. Les statues sont actuellement conservées au Museo Nazionale della Magna Grecia dans la ville italienne de Reggio Calabria. Les statues sont communément appelées "Statue A" et "Statue B" et ont été à l'origine coulées selon la technique de la cire perdue.

La découverte des statues en 1972

Statue A (premier plan) et Statue B (arrière-plan), vues de la mer au large de Riace, Italie, v. 460-450 avant notre ère (?), Statue A, 198 cm de haut, Statue B, 197 cm de haut (Museo Archaeologico Nazionale Reggio Calabria) (photo : Robert et Talbot Trudeau, CC BY-NC 2.0)

Statue A

La statue A mesure 198 centimètres de haut et représente le plus jeune des deux guerriers. Son corps présente une forte position contrapposto, avec la tête tournée vers sa droite. Les éléments attachés ont été perdus - probablement un bouclier et une lance, son casque maintenant perdu au sommet de sa tête a peut-être été couronné par une couronne. Le guerrier est barbu, avec des détails en cuivre appliqués pour les lèvres et les mamelons. Les yeux encastrés survivent également pour la statue A. Les cheveux et la barbe ont été travaillés de manière élaborée, avec des boucles et des boucles exquises.

Statue B

La statue B représente un guerrier plus âgé et mesure 197 centimètres de haut. Un casque désormais manquant était probablement perché au sommet de sa tête. Comme la statue A, la statue B est barbue et dans une position contrapposto, bien que les pieds de la statue B soient plus rapprochés que ceux de la statue A.

Style sévère

Le style sévère ou classique précoce décrit les tendances de la sculpture grecque entre c. 490 et 450 avant notre ère Artistiquement, cette phase stylistique représente une transition par rapport au style archaïque plutôt austère et statique du VIe siècle avant notre ère. au style classique plus idéalisé. Le style Sévère est marqué par un intérêt accru pour l'utilisation du bronze comme médium ainsi qu'une augmentation de la caractérisation de la sculpture, entre autres caractéristiques.

Interprétation et chronologie

Statue A, vue de la mer au large de Riace, Italie, v. 460-450 avant notre ère (?), 198 cm de haut (Museo Archaeologico Nazionale Reggio Calabria) (photo : Luca Galli, CC BY 2.0)

La chronologie des guerriers de Riace a été un sujet de controverse scientifique depuis leur découverte. Il existe essentiellement deux écoles de pensée : l'une soutient que les guerriers datent du Ve siècle avant notre ère. originaux qui ont été créés entre 460 et 420 avant notre ère, tandis qu'un autre soutient que les statues ont été produites plus tard et imitent consciemment la sculpture classique ancienne. Ceux qui soutiennent la chronologie antérieure soutiennent que la statue A est la plus ancienne des deux pièces. Ces érudits établissent également un lien entre les guerriers et les ateliers de célèbres sculpteurs antiques. Par exemple, certains érudits suggèrent que le sculpteur Myron a fabriqué la statue A, tandis qu'Alkamène a créé la statue B. De plus, ceux qui soutiennent la chronologie antérieure indiquent le style sévère comme une indication claire d'une date classique précoce pour ces deux chefs-d'œuvre.

L'historien de l'art B. S. Ridgway présente un point de vue dissident, affirmant que les statues ne devraient pas être attribuées au Ve siècle avant notre ère, arguant plutôt qu'elles ont très probablement été produites ensemble après 100 avant notre ère. Ridgway estime que les statues indiquent un intérêt pour l'iconographie du début de la période hellénistique.

En termes d'identifications, il y a eu des spéculations que les deux statues représentent Tydeus (Statue A) et Amphiaraus (Statue B), deux guerriers de la pièce tragique d'Eschyle, Sept contre Thèbes (à propos de Polynice après la chute de son père, le roi Odipe), et peut avoir fait partie d'une composition sculpturale monumentale. Un groupe d'Argos décrit par Pausanias (le voyageur et écrivain grec) est souvent cité à propos de cette conjecture : « Un peu plus loin se trouve un sanctuaire des Saisons. En revenant d'ici, vous voyez des statues de Polynice, fils d' Odipe, et de tous les chefs qui avec lui furent tués au combat contre la muraille de Thèbes" (Pausanias, Description de la Grèce 2.20.5).

Une vue conjecturale restaurée des deux guerriers (source)

Les statues ont des chevilles en plomb installées dans leurs pieds, indiquant qu'elles étaient à l'origine montées sur une base et installées dans le cadre d'un groupe sculptural ou autre. L'historienne de l'art Carol Mattusch soutient que non seulement ils ont été trouvés ensemble, mais qu'ils ont été à l'origine installés - et peut-être produits - ensemble dans l'antiquité.

Ressources additionnelles:

I bronzi di Riace: restauro come conoscenza (Rome : Artémide, 2003).

J. Alsop, « Bronzes glorieux de la Grèce antique : des guerriers d'une tombe aquatique » National Geographic 163.6 (juin 1983), p. 820-827.

A. Busignani et L. Perugi, Les bronzes de Riace, trad. J.R. Walker, (Florence : Sansoni, 1981).

C. H. Hallett, « Kopienkritik et les œuvres de Polykleitos », dans Polyclète : le Doryphore et la Tradition, éd. par W. G. Moon, pp. 121-160 (Madison : University of Wisconsin Press, 1995).

C.C. Mattusch, Bronzes classiques : l'art et l'artisanat de la statuaire grecque et romaine (Ithaque : Cornell University Press, 1996).

C. C. Mattusch, « À la recherche de l'original en bronze grec » dans L'art ancien de l'émulation : études sur l'originalité et la tradition artistiques du présent à l'Antiquité classique (Mémoires de l'Académie américaine de Rome, volumes supplémentaires, vol. 1), édité par E. K. Gazda, pp. 99-115, (Ann Arbor : University of Michigan Press, 2002).

P. B. Pacini, « Florence, Rome et Reggio de Calabre : les bronzes de Riace », Le magazine Burlington, tome 123, n. 943 (oct. 1981), p. 630-633.

B. S. Ridgeway, Styles du Ve siècle dans la sculpture grecque (Princeton : Princeton University Press, 1981).

B. S. Ridgway, “The Riace Bronzes: A Minority Viewpoint,” in Due bronzi da Riace: rinvenimento, restauro, analisi ed ipotesi di interpretazione, vol. 1, éd. par L.V. Borelli et P. Pelagatti, pp. 313-326. (Rome : Istituto poligrafico e zecca dello stato, 1984).

B. S. Ridgeway, Sculpture hellénistique : les styles de ca. 100-31 av. (Madison : University of Wisconsin Press, 2002).

N. J. Spivey, Comprendre la sculpture grecque : significations anciennes, lectures modernes (New York : Tamise et Hudson, 1996).

G.B. Triches, Due bronzi da Riace: rinvenimento, restauro, analisi ed ipotesi di interpretazione (Rome : Istituto poligrafico e zecca dello Stato, 1984).


Contenu

Gazette Saint-Joseph le rédacteur en chef Chris L. Rutt, de St. Joseph, Missouri, et son ami Charles G. Underwood ont acheté un moulin à farine en 1888. La Pearl Milling Company de Rutt et Underwood faisait face à un marché de farine saturé. Après avoir expérimenté, ils ont vendu leur excès de farine sous forme de mélange à crêpes dans des sacs en papier avec une étiquette générique, "Self-Rising Pancake Flour", plus tard surnommé "le premier mélange prêt à l'emploi". [1] [2] [8] Pour distinguer leur mélange de crêpes, à l'automne de 1889, Rutt s'est approprié le nom et l'image de tante Jemima à partir d'affiches lithographiées vues dans une maison de vaudeville à St. Joseph, Missouri. [1] [8]

Formule 1889 pour le mélange de tante Jemima :

  • 100 lb [45 kg] Blé dur d'hiver
  • 100 lb [45 kg] de farine de maïs
  • 7 + 1 ⁄ 2 lb [3,4 kg] B.W.T. Phosphates de Provident Chem[ical] St L[ouis]
  • 2 + 3 ⁄ 4 lb [1.2 kg] Bicarb[onate] Soda
  • 3 lb [1,4 kg] Sel.

Cependant, Rutt et Underwood n'ont pas pu lever suffisamment de capitaux et ont rapidement manqué d'argent. [1] Ils ont vendu leur entreprise à la Randolph Truett Davis Milling Company (également à St. Joseph, Missouri) en 1890, alors le plus grand moulin à farine sur la rivière Missouri, ayant une réputation établie auprès des épiciers en gros et au détail dans toute la vallée du Missouri. [1] [2] [9] Davis a amélioré la saveur et la texture du produit en ajoutant de la farine de riz et du sucre de maïs et a simplifié le mélange prêt à l'emploi en ajoutant du lait en poudre. Seule de l'eau était nécessaire pour préparer la pâte. [1]

La Davis Milling Company a été rebaptisée Tante Jemima Mills en février 1914. [2] [9] En 1915, la marque bien connue Tante Jemima a servi de base à une décision de droit des marques qui a établi un nouveau précédent. Auparavant, les marques n'étaient protégées que contre la contrefaçon par d'autres vendeurs du même produit, mais en vertu de la "doctrine de la tante Jemima", le vendeur de mélange à crêpes était protégé contre la contrefaçon par un vendeur indépendant de sirop pour crêpes. [dix]

La Quaker Oats Company a acheté la Aunt Jemima Mills Company en 1926 et a officiellement enregistré la marque Aunt Jemima en avril 1937. [2] Il reste l'un des logos et des marques les plus anciens de l'histoire de la publicité américaine. [3]

Quaker Oats a introduit le sirop Aunt Jemima en 1966. Il a été suivi du sirop Aunt Jemima Butter Lite en 1985 et du sirop Butter Rich en 1991. [2]

Les aliments surgelés de tante Jemima ont été concédés sous licence à Aurora Foods en 1996, qui a été absorbée par Pinnacle Foods Corporation en 2004. [2]

Tante Jemima est basée sur l'archétype commun de l'esclave "Mammy", une femme noire dodue portant un foulard qui est une servante dévouée et soumise. [3] [4] Sa peau est sombre et rosée, avec un sourire blanc nacré. Bien que les représentations varient au fil du temps, elles sont similaires à la tenue vestimentaire commune et aux caractéristiques physiques des personnages « mammy » à travers l'histoire. [11] [12] [13] [14] [15] [16]

Le terme « tante » et « oncle » dans ce contexte était une forme méridionale d'adresse utilisée avec les peuples asservis plus âgés. On leur a refusé l'utilisation de titres de courtoisie, tels que « maîtresse » et « monsieur ». [17] [18]

Une image britannique à la Bibliothèque du Congrès, qui a peut-être été créée dès 1847, montre une femme noire souriante nommée « Miss Jim-Ima Crow », avec une image encadrée de « James Crow » sur le mur derrière elle. [19] Un personnage nommé « Tante Jemima » est apparu sur scène à Washington, DC, dès 1864. [20] L'inspiration de Rutt pour Tante Jemima était la chanson de ménestrels/vaudeville de style américain de Billy Kersands « Old Tante Jemima », écrite en 1875. Rutt aurait vu un spectacle de ménestrel mettant en vedette la chanson "Old Aunt Jemima" à l'automne 1889, présenté par des artistes blackface identifiés par Arthur F. Marquette comme "Baker & Farrell". [8] Marquette raconte que l'acteur jouant la tante Jemima portait un tablier et un foulard. [8] [18]

Cependant, Doris Witt de l'Université de l'Iowa n'a pas pu confirmer le récit de Marquette. [21] Witt suggère que Rutt aurait pu assister à une représentation de l'artiste de vaudeville Pete F. Baker, qui a joué des personnages décrits dans les journaux de cette époque comme " Ludwig " et " Tante Jemima ". Son interprétation du personnage de tante Jemima était peut-être un homme blanc au visage noir, se faisant passer pour un immigrant allemand, imitant un ménestrel noir parodiant une cuisinière esclave noire imaginaire. [21]

À partir de 1894, la société a ajouté une famille de poupées en papier tante Jemima qui pouvait être découpée dans la boîte à crêpes. [22] Tante Jemima est rejointe par son mari, Oncle Rastus (renommé plus tard Oncle Mose pour éviter toute confusion avec le personnage de Cream of Wheat, tandis qu'Oncle Mose a d'abord été présenté comme le majordome de la plantation). [23] Leurs enfants, décrits comme des « pickannis comiques » : Abraham Lincoln, Dilsie, Zeb et Dinah. La famille de poupées en papier était en train de danser pieds nus, vêtue de vêtements en lambeaux, et la boîte était étiquetée « Avant que le reçu ne soit vendu ». (Le reçu est une forme de recette rurale archaïque.) [22] En achetant une autre boîte avec d'élégantes découpes de vêtements pour s'adapter aux poupées, le client pourrait les transformer « après que le reçu a été vendu ». Cela les a placés dans le mythe culturel américain d'Horatio Alger. [22]

Des versions de poupées de chiffon ont été proposées en prime en 1909 : "Tante Jemima Pancake Flour/Pica ninny Doll/The Davis Milling Company". Les premières versions étaient décrites comme des personnes pauvres avec des taches sur le pantalon, de grandes bouches et des dents manquantes. Les noms des enfants ont été changés en Diana et Wade. Au fil du temps, l'apparence s'est améliorée. Des versions en toile cirée étaient disponibles vers les années 1950, avec des traits caricaturaux, des yeux ronds et des bouches de pastèque. [24]

Des supports marketing pour la gamme de produits centrés sur l'archétype « Mammy », y compris le slogan utilisé pour la première fois lors de l'Exposition universelle de 1893 à Chicago, dans l'Illinois : « I's in Town, Honey ». [4] [21] [25]

À cette exposition universelle, et pendant des décennies par la suite, [18] les commerçants ont créé et diffusé des histoires fictives sur Tante Jemima. [5] Elle a été présentée comme une "cuisinière fidèle" pour la plantation de Louisiane d'un colonel Higbee fictif sur le fleuve Mississippi. [5] [22] [25] [26] On a dit que Jemima utilisait une recette secrète "du Sud avant la guerre civile," avec leur "saveur incomparable de plantation," pour faire les meilleures crêpes dans Dixie. [18] [22] Une autre histoire l'a décrite comme détournant les soldats de l'Union pendant la guerre civile avec ses crêpes assez longtemps pour que le colonel Higbee s'échappe. [25] On a dit qu'elle avait relancé un groupe de survivants naufragés avec ses flapjacks. [5]

Une annonce de magazine typique du début du siècle créée par le directeur de la publicité James Webb Young et l'illustrateur N.C. Wyeth [25] montre un cuisinier noir costaud parlant joyeusement tandis qu'un homme blanc prend des notes. La copie de l'annonce dit : "Après la guerre civile, après la mort de son maître, tante Jemima a finalement été persuadée de vendre sa célèbre recette de crêpes au représentant d'une entreprise de minoterie du nord." [5]

Cependant, la Davis Milling Company n'était pas située dans un État du nord. Le Missouri pendant la guerre de Sécession était un État esclavagiste très contesté. En réalité, elle n'a jamais existé, créée par les marketeurs pour mieux vendre les produits. [16]

Controverse Modifier

Bien que le personnage de tante Jemima n'ait été créé que près de 25 ans après la guerre de Sécession, les vêtements, la danse, le dialecte asservi, le chant de vieilles chansons de plantation pendant qu'elle travaillait, rappelaient tous une vision glorifiée de la vie d'avant-guerre dans les plantations du Sud comme une « heureuse récit d'esclave". [16] [22] La légende du marketing entourant la commercialisation réussie par tante Jemima de sa "recette secrète" contribue à la nostalgie et au romantisme post-guerre civile de la vie du Sud au service de la culture de consommation en développement de l'Amérique, en particulier dans le contexte de la vente d'articles de cuisine. [3] [4] [14]

Les femmes afro-américaines ont formé la Women's Columbian Association et la Women's Columbian Auxiliary Association pour lutter contre l'exclusion des Afro-Américains des expositions de l'Exposition universelle de 1893, demandant que la foire reflète le succès des Afro-Américains post-émancipation. [22] Au lieu de cela, la Foire a inclus un village ouest-africain miniature dont les indigènes ont été dépeints comme des sauvages primitifs. [25] Ida B. Wells a été exaspérée par l'exclusion des Afro-Américains des activités de foire traditionnelles. [22]

Les universitaires noirs Hallie Quinn Brown, Anna Julia Cooper et Fannie Barrier Williams ont profité de l'Exposition universelle pour expliquer comment les femmes afro-américaines étaient exploitées par les hommes blancs. [22] [27] Dans son livre Une voix du sud (1892), Cooper avait noté que la fascination pour « l'influence du Sud, les idées du Sud et les idéaux du Sud » avait « dicté et dominé le cerveau et les muscles de cette nation ». [22]

Ces femmes progressistes instruites ont vu "une maman pour le ménage national" représentée à l'Exposition universelle par tante Jemima. [22] Cela est directement lié à la croyance que l'esclavage a cultivé des qualités innées chez les Afro-Américains. L'idée que les Afro-Américains étaient des serviteurs naturels a renforcé une idéologie raciste renonçant à la réalité de l'intellect afro-américain. [22]

Tante Jemima incarnait un fantasme post-Reconstruction de domesticité idéalisée, inspirée par l'hospitalité «d'esclaves heureux», et révélait un besoin profond de racheter le Sud d'avant-guerre.[22] Il y avait d'autres qui ont capitalisé sur ce thème, comme le Riz d'Oncle Ben et Rastus de Crème de Blé. [18] [22]

Logo Modifier

La première publicité était basée sur une parodie de vaudeville et est restée une caricature pendant de nombreuses années. [1] [4] [8]

Quaker Oats a chargé Haddon Sundblom, un artiste commercial de renommée nationale, de peindre un portrait d'Anna Robinson. Le package de tante Jemima a été repensé autour de la nouvelle ressemblance. [1] [21]

James J. Jaffee, un artiste indépendant du Bronx, à New York, a également conçu l'une des images de tante Jemima utilisée par Quaker Oats pour commercialiser le produit jusqu'au milieu du 20e siècle.

Tout comme la formule du mélange a changé plusieurs fois au fil des ans, l'image de tante Jemima a également changé. En 1968, le visage de tante Jemima devient une création composite. Elle a été affinée par rapport à son apparence précédente, représentant un look plus "svelte", portant un col blanc et un "bandeau" à imprimé géométrique ressemblant toujours à son précédent foulard. [1] [28] [29] [30]

En 1989, alors qu'elle marquait son 100e anniversaire, son image a de nouveau été mise à jour, avec tous les couvre-chefs retirés, révélant des cheveux ondulés et striés de gris, des boucles d'oreilles en perles dorées et remplaçant son collier blanc uni par de la dentelle. À l'époque, l'image révisée était décrite comme une évolution vers une représentation plus "sophistiquée", Quaker commercialisant le changement comme lui donnant "un look plus contemporain" qui est resté sur les produits jusqu'au début de 2021. [28] [29]

Rebranding Modifier

Le 17 juin 2020, à la suite du meurtre de George Floyd et des manifestations qui ont suivi, Quaker Oats a annoncé que tante Jemima serait à la retraite et remplacée par un nouveau nom et une nouvelle image « pour progresser vers l'égalité raciale ». [6] [31] L'image sera retirée de l'emballage plus tard en 2020, tandis que le changement de nom interviendra à une date ultérieure. [32] [33]

Quelques jours plus tôt, un média satirique américain L'oignon a publié un article fictif sur une annonce similaire. [34]

Les descendants des mannequins de tante Jemima Lillian Richard et Anna Short Harrington se sont opposés au changement. Vera Harris, historienne de la famille pour la famille de Richard, a déclaré: "Je souhaite que nous puissions reprendre notre souffle et ne pas simplement nous débarrasser de tout. Parce que bon ou mauvais, c'est notre histoire." [35] L'arrière-petit-fils de Harrington, Larnell Evans, a déclaré "C'est une injustice pour moi et ma famille. Cela fait partie de mon histoire." Evans avait déjà perdu un procès contre Quaker Oats (et d'autres) pour des milliards de dollars en 2015. [36]

Le 9 février 2021, PepsiCo a annoncé que la marque serait renommée en Compagnie de fraisage de perles. La nouvelle marque devrait être lancée en juin, un an après l'annonce du changement par la société. [7] [37]

Le registre afro-américain des États-Unis suggère que Nancy Green et d'autres qui ont joué la caricature de tante Jemima [33] devraient être célébrés malgré ce qui a été largement condamné comme une image de marque stéréotypée et raciste. Le registre a écrit : « Nous célébrons la naissance de Nancy Green en 1834. C'était une conteuse noire et l'un des premiers modèles d'entreprise noirs aux États-Unis. [38]

Après le travail de Green en tant que tante Jemima, très peu étaient bien connus. Les agences de publicité (telles que J. Walter Thompson, Lord et Thomas et d'autres) ont embauché des dizaines d'acteurs pour représenter le rôle, souvent attribué au niveau régional, comme la première campagne de promotion des ventes organisée. [1] [5]

Quaker Oats a mis fin aux apparitions locales de tante Jemima en 1965. [39]

Nancy Green Modifier

Nancy Green a été la première porte-parole embauchée par la R.T. Davis Milling Company pour le mélange à crêpes Aunt Jemima. [2] Green est né esclave dans le comté de Montgomery, Kentucky. [1] [40] Habillée en tante Jemima, Green est apparue à l'Exposition universelle colombienne de 1893 à Chicago, à côté du "plus grand tonneau de farine du monde" (24 pieds de haut), où elle a fait fonctionner un étalage de crêpes, a chanté des chansons et a raconté histoires romancées sur le Vieux Sud (un endroit heureux pour les Noirs et les Blancs). Elle est apparue dans des foires, des festivals, des marchés aux puces, des salons gastronomiques et des épiceries locales, son arrivée annoncée par de grands panneaux d'affichage portant la légende "Je suis en ville, chérie". [1] [4] [40]

Green a refusé de traverser l'océan pour l'exposition de Paris en 1900. [21] [41] Elle a été remplacée par Agnes Moodey, "une négresse de 60 ans", qui a été alors signalée comme la Tante Jemima originale. [42] Green est mort en 1923 et a été enterré dans la tombe d'un pauvre non marquée près d'un mur dans le quadrant nord-est du Cimetière Oak Woods de Chicago. [25] [41] [43] [44] Une pierre tombale a été posée le 5 septembre 2020. [45]

Lillian Richard Modifier

Lillian Richard a été embauchée pour incarner tante Jemima en 1925 et est restée dans le rôle pendant 23 ans. Richard est né en 1891 et a grandi dans la petite communauté de Fouke, à 11 kilomètres à l'ouest de Hawkins, dans le comté de Wood, au Texas. En 1910, elle s'installe à Dallas, travaillant d'abord comme cuisinière. Son travail de « monteuse de crêpes » était basé à Paris, au Texas. [5] Après avoir subi un accident vasculaire cérébral environ 1947-1948, elle est retournée à Fouke, où elle a vécu jusqu'à sa mort en 1956. Richard a été honoré d'un marqueur historique du Texas dans sa ville natale, dédié en son nom le 30 juin 2012. [46] [47] [48] [ 49]

Hawkins, au Texas, à l'est de Mineola, est connue comme la « capitale des crêpes du Texas » en raison de sa résidente de longue date, Lillian Richard. La chambre de commerce locale a décidé d'utiliser la connexion de Hawkins avec tante Jemima pour stimuler le tourisme. [46] En 1995, le sénateur de l'État David Cain a présenté la résolution du Sénat n° 73 désignant Hawkins comme la « capitale des crêpes du Texas », qui a été promulguée. La mesure a été dirigée par la nièce de Lillian, Jewell Richard-McCalla. [5]

Anna Robinson Modifier

Anna Robinson a été embauchée pour jouer la tante Jemima à l'exposition universelle Century of Progress de Chicago en 1933. [2] [8] Robinson a répondu à une audition ouverte et son apparence ressemblait plus au stéréotype de "maman" que la mince Nancy Green. [21] Née vers 1899, elle était également originaire du Kentucky et veuve (comme Green), mais dans la trentaine avec 8 ans d'éducation. [50] Elle a été envoyée à New York par Lord et Thomas pour se faire prendre en photo. "Il ne faut jamais oublier le jour où ils ont chargé 350 livres d'Anna Robinson sur la Twentieth Century Limited." [8]

Elle est apparue dans des établissements prestigieux fréquentés par les riches et célèbres, tels que El Morocco, le Stork Club, "21", et le Waldorf-Astoria. [1] [50] Les photos montrent Robinson faisant des crêpes pour des célébrités et des stars de Broadway, de la radio et des films. Ils ont été utilisés dans la publicité « classés parmi les plus lus de leur temps ». [8] L'emballage de tante Jemima a été redessiné à son image. [1] [21]

Robinson aurait travaillé pour l'entreprise jusqu'à sa mort en 1951, [1] [2] bien que le travail ait été sporadique et pendant quelques semaines par an. [50] Néanmoins, cela n'a pas suffi pour échapper à la dure vie dans laquelle elle est née. [50] Son paiement total de 1 200 $ en 1939 (équivalant à 22 326 $ en 2020) représentait presque la totalité du revenu annuel du ménage. [50] La chronologie officielle de l'histoire de tante Jemima a déclaré une fois qu'elle était « capable de gagner assez d'argent pour subvenir aux besoins de ses enfants et acheter une maison de 22 pièces où elle loue des chambres aux pensionnaires ». [51] (Voir aussi la même affirmation pour Anna Short Harrington.) Selon le recensement de 1940, elle a loué un appartement dans un quatre-appartements à Washington Park avec sa fille, son gendre et ses deux petits-enfants. [50]

Rosa Washington Riles Modifier

Rosa Washington Riles est devenue le troisième visage de l'emballage de tante Jemima dans les années 1930, et a continué jusqu'en 1948. Rosa Washington est née en 1901 près de Red Oak dans le comté de Brown, Ohio, l'un des nombreux enfants de Robert et Julie (Holliday) Washington et un grand -fille de George et Phoeba Washington. [52] Elle était employée comme cuisinière dans la maison d'un cadre de Quaker Oats et a commencé des démonstrations de crêpes à la demande de son employeur. Elle est décédée en 1969 et est enterrée près de ses parents et grands-parents dans le cimetière historique Red Oak Presbyterian Church de Ripley, Ohio. [52] Un petit-déjeuner annuel de tante Jemima a été une collecte de fonds de longue date pour le cimetière et l'église maintient une collection de souvenirs de tante Jemima. [17] [52] [53] [54]

Anna Short Harrington Modifier

Anna Short Harrington a commencé sa carrière en tant que tante Jemima en 1935 et a continué à jouer le rôle jusqu'en 1954. Elle est née en 1897 dans le comté de Marlboro, en Caroline du Sud. La famille Short vivait sur la plantation Pegues Place en tant que métayers. [55] En 1927, elle a déménagé à Syracuse, New York. Quaker Oats a découvert ses crêpes à la foire de l'État de New York en 1935. [56] [57] [58] Harrington est mort à Syracuse en 1955. [55] [56] [57] [58]

Edith Wilson Modifier

Edith Wilson est devenue le visage de tante Jemima à la radio, à la télévision et lors d'apparitions personnelles, de 1948 à 1966. Wilson a été la première tante Jemima à apparaître dans des publicités télévisées. Elle est née en 1896 à Louisville, Kentucky. Wilson était une chanteuse et actrice de blues classique à Chicago, New York et Londres. Elle est passée à la radio dans Le Grand Gildersleeve, à la radio et à la télévision en Amos et Andy, et sur film en Avoir et ne pas avoir (1944). Le 31 mars 1981, elle décède à Chicago. [1] [59]

Ethel Ernestine Harper Modifier

Ethel Ernestine Harper a dépeint tante Jemima dans les années 1950. [1] [30] Harper est né le 17 septembre 1903 à Greensboro, Alabama. [60] Avant le rôle de tante Jemima, Harper a obtenu son diplôme universitaire à l'âge de 17 ans, a enseigné à l'école primaire pendant 2 ans, les mathématiques au secondaire pendant 10 ans, a déménagé à New York où elle a joué dans Le chaud Mikado en 1939 et Cavalcade de Harlem en 1942, puis a fait une tournée en Europe pendant et après la Seconde Guerre mondiale en tant que l'un des Ginger Snaps. Le 31 mars 1979, elle décède à Morristown, New Jersey. [1] [61] Elle était le dernier modèle individuel pour le logo du personnage. [30]

Salle Rosie Lee Moore Modifier

Rosie Lee Moore Hall a dépeint tante Jemima de 1950 jusqu'à sa mort en 1967. Hall est né le 22 juin 1899 dans le comté de Robertson, au Texas. Elle a travaillé pour Quaker Oats dans le département de publicité de l'entreprise en Oklahoma jusqu'à ce qu'elle réponde à leur recherche d'une nouvelle tante Jemima. Elle a subi une crise cardiaque alors qu'elle se rendait à l'église et est décédée le 12 février 1967. Elle a été enterrée dans la parcelle familiale du cimetière de Colony près de Wheelock, au Texas. Hall était la dernière tante "vivante" Jemima. Le 7 mai 1988, sa tombe a été déclarée monument historique. [1] [5]

Aylene Lewis Modifier

Aylene Lewis a dépeint tante Jemima au Disneyland Aunt Jemima's Pancake House, un lieu de restauration populaire dans le parc de New Orleans Street à Frontierland, de 1957 jusqu'à sa mort en 1964. Lewis est devenu bien connu en posant pour des photos avec les visiteurs et en servant des crêpes aux dignitaires, comme le Premier ministre indien Nehru. Elle a également développé une relation étroite avec Walt Disney. [1] [8]

Clé de la ville Modifier

Le personnage de Tante Jemima, interprété à l'époque par Edith Wilson, a reçu la Clé de la ville d'Albion, Michigan, le 25 janvier 1964. [62] Les actrices représentant Tante Jemima ont visité Albion, Battle Creek ("Cereal City"), et d'autres villes du Michigan plusieurs fois sur trois décennies. Grand Rapids avait la cuisine d'une tante Jemima, l'un des 21 emplacements, jusqu'à ce qu'elle soit changée en cuisine coloniale en 1968. [39]

Le terme « Tante Jemima » est parfois utilisé familièrement comme une version féminine de l'épithète péjorative « Oncle Tom » ou « Rastus ». Dans ce contexte, le terme d'argot « tante Jemima » fait partie de « l'archétype de la maman » et fait référence à une femme noire sympathique qui est perçue comme obséquieusement servile ou agissant ou protectrice des intérêts des Blancs. [63]

John Sylvester de WTDY-AM a suscité des critiques après avoir qualifié Condoleezza Rice de "tante Jemima" et Colin Powell d'"oncle Tom", faisant référence aux remarques du chanteur et militant des droits civiques Harry Belafonte au sujet de leur asservissement à l'administration de George W. Bush. Il s'est excusé en donnant le mélange à crêpes et le sirop de tante Jemima. [64]

Barry Presgraves, alors maire de Luray, en Virginie, alors âgé de 77 ans, a été censuré à 5 contre 1 par le conseil municipal parce qu'il avait qualifié Kamala Harris de "tante Jemima" après avoir été sélectionnée par Joe Biden pour la vice-présidence du Parti démocrate. candidat. [65] [66] [67] [68]

Tante Jemima a été présentée dans divers formats et contextes à travers la culture populaire. Une grande partie de l'attention attirée sur ce produit en 2020 et 2021 est attribuée à la décision de Pepsico en juin 2020 de renommer le produit et à la fausse représentation de l'héritage de Nancy Green, [69] au milieu de fortes tensions raciales aux États-Unis et dans le monde. . [70] Tante Jemima est une image présente identifiable par la culture populaire depuis plus d'un siècle, remontant à l'apparition de Nancy Green à l'Exposition universelle de 1893 à Chicago, Illinois. [71]

Tante Jemima, une émission de radio de variétés de type ménestrel, a été diffusée du 17 janvier 1929 au 5 juin 1953, parfois sur CBS et parfois sur Blue Network. Le programme a connu plusieurs interruptions au cours de la durée globale. » [72]

Le roman de 1933 Imitation de vie de Fannie Hurst met en scène un personnage de type tante Jemima, Delilah, une femme de chambre aux prises avec son employeur veuve, Bea. Leur fortune change radicalement lorsque Bea capitalise sur la recette de crêpes familiale de Delilah pour ouvrir un restaurant de crêpes qui attire les touristes sur la côte du New Jersey. Il est devenu un grand succès et a finalement été emballé et vendu sous le nom de Pancake Mix de tante Delilah. Ils obtiennent ce succès en vendant de la farine avec une Dalila souriante sur la boîte habillée à la mode de tante Jemima. La version cinématographique de 1934, nominée aux Oscars Imitation de vie mettant en vedette Claudette Colbert et Louise Beavers conserve cette partie de l'intrigue, qui a été supprimée du remake de 1959 de Imitation de vie avec Lana Turner et réalisé par Douglas Sirk.

L'émission de télévision des années 50 Beulah a essuyé des tirs [ a besoin de contexte ] pour avoir représenté une femme de chambre et une cuisinière noire ressemblant à une « maman » qui rappelait quelque peu tante Jemima. [ citation requise ]

Dans les années 1960, Betye Saar a commencé à collectionner des images de tante Jemima, d'oncle Tom, de Little Black Sambo et d'autres figures afro-américaines stéréotypées de la culture populaire et de la publicité de l'ère Jim Crow. Elle les a incorporés dans des collages et des assemblages, les transformant en déclarations de protestation politique et sociale. [73] La libération de tante Jemima est l'une de ses œuvres les plus remarquables de cette époque. Dans cet assemblage multimédia, Saar a utilisé la figure stéréotypée de la maman de tante Jemima pour subvertir les notions traditionnelles de race et de genre. [74]

"Tante Jemima's Kitchen" - nommée Tante Jemima's Pancake House lorsqu'elle a commencé à fonctionner en 1955 - a ouvert ses portes en 1962 pendant le mouvement des droits civiques en tant que restaurant officiel de tante Jemima à Disneyland. En plus du restaurant, une femme représentant tante Jemima était prête au restaurant pour prendre des photos avec ses clients. [75] La cuisine de tante Jemima avait également des emplacements supplémentaires à travers les États-Unis. [76]

Frank Zappa inclut une chanson intitulée "Electric Aunt Jemima" sur son album de 1969 Oncle Viande. Electric Tante Jemima était le surnom de l'amplificateur de guitare Standel de Zappa. [77]

La première histoire de courtepointe de Faith Ringgold Qui a peur de tante Jemima ? (1983) dépeint l'histoire de tante Jemima en tant que matriarche restauratrice : à travers des textes et des images utilisés pour caractériser tante Jemima dans la sphère publique, Ringgold a représenté la caricature de maman opprimée en tant qu'entrepreneur. [78]

"Burn Hollywood Burn" sur l'album de 1990 de Public Enemy "Fear of a Black Planet" présente Big Daddy Kane commentant la mise à jour des tropes raciaux avec les paroles, "Et les femmes noires dans cette profession / Quant à jouer un avocat, hors du question / Pour ce qu'ils jouent tante Jemima est le terme parfait / Même si maintenant elle a une permanente." [79] Le film 2000 de Spike Lee Bambou présente tante Jemima (jouée par Tyheesha Collins) comme l'une des "pickaninnies" dansantes dans l'émission télévisée délibérément raciste du film Mantan : le spectacle de ménestrels du nouveau millénaire, aux côtés d'autres personnages noirs stéréotypés d'avant-guerre du Sud comme Rastus.

Le faux documentaire de 2004 C.S.A. : Les États confédérés d'Amérique présente de nombreuses représentations de personnages de type tante Jemima en tant qu'esclaves (appelés serviteurs) dans une chronologie alternative dans laquelle la Confédération a remporté la guerre de Sécession. [ citation requise ]

Dans le Parc du Sud Épisode "Gluten Free Ebola" (2014), Tante Jemima apparaît dans le rêve délirant d'Eric Cartman pour lui dire que la pyramide alimentaire est à l'envers. [80]

Le 7 novembre 2020, Saturday Night Live a présenté un sketch sur lequel tante Jemima a été renvoyée, en plus d'oncle Ben, avec des rôles joués par "Count Chocula" et "Allstate Guy". [81]


Un voyage au château de Dimitrescu

Au début du jeu, vous voyez pour la première fois l'imposante Dame Dimitrescu alors qu'elle se dispute avec le seigneur du village Heisenberg sur le sort d'un Ethan captif. Leur chef, Mother Miranda, la principale méchante du jeu, le remet à Heisenberg, mais le rusé Ethan s'échappe.

Notre héros se dirige vers le château de Dimitrescu (le premier des quatre territoires de seigneurs que vous explorez), où il est rapidement capturé par les filles vampiriques effrayantes Bela, Cassandra et Daniela et amené devant leur maman élégante. Elle se nourrit du sang d'Ethan, mais dit qu'il "commence à devenir un peu vicié" – préfigurant une révélation que nous obtiendrons plus tard à son sujet.

Ils suspendent sadiquement Ethan au plafond en lui poignardant des crochets dans les mains (et cela a l'air si douloureux), mais il s'échappe rapidement et erre dans les salles du château.

Bela Dimitrescu accueille Ethan avec un joli sourire.

Capture d'écran Capcom par Sean Keane/CNET

Diverses entrées de journal révèlent que les Dimitrescus ont embauché des jeunes femmes du village pour travailler dans le château, et l'art conceptuel du jeu confirme que les ennemis macabres qu'Ethan combat dans le donjon du château sont des femmes transformées. Les victimes masculines sont simplement vidées de leur sang, dont une partie est utilisée comme ingrédient secret dans le vin de la famille, le Sanguis Virginis (qui signifie "sang vierge" en latin, donc quelqu'un aurait dû alerter les autorités il y a longtemps).

Ethan comprend que Bela, Cassandra et Daniela deviennent vulnérables lorsqu'elles sont exposées au froid, alors il brise certaines des fenêtres du château pour laisser entrer la brise froide de l'extérieur et les tue un par un.


La sculpture à l'époque grecque orientalisante

La sculpture produite pendant la période orientalisante partage des attributs stylistiques avec la sculpture produite en Egypte et au Proche-Orient.

Objectifs d'apprentissage

Discuter de la sculpture grecque pendant la période orientalisante

Points clés à retenir

Points clés

  • La sculpture à cette époque a été influencée par les conventions artistiques égyptiennes et proche-orientales. Des corps rigides ressemblant à des planches, ainsi que son recours à des motifs pour représenter la texture, caractérisaient la sculpture grecque à l'époque orientalisante.
  • Le style Daedalic, du nom de l'inventeur mythique Daedalus, fait référence à l'utilisation de motifs et de formes géométriques (rappelant la période géométrique) au cours du VIIe siècle avant notre ère.
  • Les différences entre la Dame d'Auxerre et l'Apollon de Mantiklos démontrent l'établissement précoce des attentes sociales traditionnelles des sexes dans la culture grecque antique.

Mots clés

  • coré: Une sculpture d'une jeune femme de la Grèce préclassique.
  • Dédalique: Un style de sculpture au cours de la période d'orientalisation grecque, connu pour son utilisation de motifs pour créer une texture, ainsi que pour son recours à des formes géométriques et à des postures corporelles raides et rigides.

La période orientalisante a duré environ un siècle, de 700 à 600 avant notre ère. Cette période se distinguait par des influences internationales, du Proche-Orient ancien, de l'Égypte et de l'Asie Mineure, qui contribuèrent chacune à un style oriental distinctif de l'art grec. Le contact étroit entre les cultures s'est développé à partir de l'augmentation du commerce et même de la colonisation.

Les styles ont été empruntés à d'autres cultures par les Grecs qui les ont transformés en un mélange unique de styles et de motifs gréco-orientaux. Les sculptures masculines et féminines produites pendant cette période partagent des similitudes intéressantes, mais présentent également des différences qui informent le spectateur sur les attentes de la société envers les hommes et les femmes.

La Dame d'Auxerre

Une petite statue en calcaire d'une kore (jeune fille), connue sous le nom de Dame d'Auxerre (650-625 avant notre ère), de Crète illustre le style des premières sculptures figuratives grecques. Ce style est connu sous le nom de sculpture Daedalic, du nom du créateur mythique du labyrinthe du roi Minos, Daedalus. Le style combine des motifs anciens du Proche-Orient et égyptiens.

La Dame d'Auxerre, vers 650-625 av.: Cette petite statue en calcaire est peut-être de Crète.

La Dame d'Auxerre est trapue et en planche. Sa taille est étroite et cintrée, comme les tailles vues dans l'art minoen. Elle est disproportionnée, avec de longues jambes rigides et un torse court. Une robe englobe presque tout son corps - elle attache ses jambes ensemble et limite son potentiel de mouvement. La rigidité du corps rappelle le portrait pharaonique de l'Egypte ancienne.

Sa tête se distingue par de grands traits du visage, un front bas et des cheveux stylisés. Les cheveux semblent être tressés et tombent en rangées rigides divisées par des bandes horizontales. Ce style rappelle une utilisation proche-orientale de motifs pour représenter la texture et la décoration.

Son visage et ses cheveux rappellent la période géométrique. Le visage forme un triangle inversé coincé entre les triangles formés par les cheveux qui encadrent son visage. Des traces de peinture nous indiquent que cette statue aurait à l'origine été peinte avec des cheveux noirs et une robe rouge et bleue avec une ceinture jaune.

Reconstitution de la Dame d'Auxerre: Une reconstruction de la sculpture orientalisante originale. L'université de Cambridge.

L'Apollon de Mantiklos

Il n'y a pas d'inscriptions sur la sculpture avant l'apparition du bronze Mantiklos Apollo (début du VIIe siècle avant notre ère) trouvé à Thèbes. La figure, du nom de l'individu qui l'a laissé en offrande, est celle d'un homme debout avec une forme rigide et quelque peu dédalique.

Ses jambes portent l'inscription "Mantiklos m'a offert comme dîme à Apollon de l'arc d'argent, fais-tu, Phoibos [Apollon], donne une faveur agréable en retour." L'inscription est une déclaration de la statuette à Apollon, suivie par une demande de faveurs en retour.

Outre la nouveauté d'enregistrer son propre but, cette sculpture adapte les formules des sculptures orientalisées ultérieures, comme le montre le visage plus court et plus triangulaire et la jambe gauche légèrement avancée. Cela est parfois considéré comme anticipant la plus grande liberté d'expression de la fin du VIIe siècle avant notre ère. En tant que telle, la figure de Mantiklos est appelée dans certains quartiers proto-dédalique.

Apollon de Mantique: Bronze Début VIIe siècle av. Thèbes. La vue latérale montre la séparation du bras du personnage de sa poitrine et de sa jambe gauche légèrement avancée.

Similitudes des statues

Malgré la séparation de plusieurs décennies et de plus de 200 milles, l'Apollon de Mantiklos et la Dame d'Auxerre partagent des similitudes intéressantes, notamment leurs longs cheveux tressés, leur taille cintrée, leur sourire stylisé et leur main levée vers la poitrine, qui rappellent toutes la sculpture égyptienne antique. Bien que le bras droit de l'Apollon de Mantiklos soit manquant, la position de son épaule implique une position possible similaire à celle du bras gauche de la Dame d'Auxerre, droit sur le côté.

Cependant, nous pouvons déjà voir des différences frappantes qui resteront la norme dans l'art grec pendant des siècles. Le corps masculin, en tant qu'entité publique ayant droit à la citoyenneté, est représenté nu et libre de ses mouvements. Cette liberté de mouvement se voit non seulement dans les jambes de la figure d'Apollon, mais aussi dans la séparation de sa main de sa poitrine.

D'autre part, le corps féminin, en tant qu'entité privée sans droits individuels, est vêtu et privé de mouvement. Alors que l'Apollon Mantiklos tient sa main parallèle à sa poitrine, la Dame d'Auxerre pose sa main directement sur la sienne, conservant la forme fermée attendue d'une femme respectable.


Contenu

À l'époque classique, à peu près aux 5e et 4e siècles, la sculpture monumentale était presque entièrement composée de marbre ou de bronze, le bronze coulé devenant le support privilégié des œuvres majeures au début du 5e siècle. marché étaient à l'origine en bronze. Les petites œuvres étaient dans une grande variété de matériaux, dont beaucoup étaient précieux, avec une très grande production de figurines en terre cuite. Les territoires de la Grèce antique, à l'exception de la Sicile et de l'Italie méridionale, contenaient d'abondantes réserves de marbre fin, les marbres pentélique et parien étant les plus prisés. Les minerais de bronze étaient également relativement faciles à obtenir. [2]

Le marbre et le bronze sont tous deux faciles à former et très durables car dans la plupart des cultures anciennes, il y avait sans aucun doute aussi des traditions de sculpture sur bois dont nous savons très peu de choses, autres que les sculptures acrolithiques, généralement de grande taille, avec la tête et les parties de chair exposées en marbre. mais les parties vêtues en bois. Comme le bronze a toujours eu une valeur de ferraille importante, très peu de bronzes originaux ont survécu, bien que ces dernières années, l'archéologie marine ou le chalutage aient ajouté quelques découvertes spectaculaires, telles que les bronzes Artemision et Riace, qui ont considérablement élargi la compréhension moderne. De nombreuses copies de la période romaine sont des versions en marbre d'œuvres à l'origine en bronze. Le calcaire ordinaire était utilisé à l'époque archaïque, mais par la suite, sauf dans les régions de l'Italie moderne sans marbre local, uniquement pour la sculpture architecturale et la décoration. Le plâtre ou le stuc étaient parfois utilisés uniquement pour les cheveux. [3]

Les sculptures chryséléphantines, utilisées pour les images de culte du temple et les œuvres de luxe, utilisaient de l'or, le plus souvent sous forme de feuille et d'ivoire pour tout ou partie (visages et mains) de la figure, et probablement des pierres précieuses et autres matériaux, mais étaient beaucoup moins courantes, et seulement des fragments ont survécu. De nombreuses statues recevaient des bijoux, comme en témoignent les trous pour les attacher, et contenaient des armes ou d'autres objets en différents matériaux. [4]

Les sculptures grecques antiques étaient à l'origine peintes de couleurs vives [5] [6] [7] elles n'apparaissent aujourd'hui qu'en blanc parce que les pigments d'origine se sont détériorés. [5] [6] On trouve des références à des sculptures peintes dans toute la littérature classique, [5] [6] y compris dans Euripide Hélène dans lequel le personnage éponyme se lamente : "Si seulement je pouvais me débarrasser de ma beauté et prendre un aspect plus laid/La façon dont vous effaceriez la couleur d'une statue." [6] Certaines statues bien conservées portent encore des traces de leur coloration d'origine [5] et les archéologues peuvent reconstituer à quoi elles auraient ressemblé à l'origine. [5] [6] [7]

Au début du XIXe siècle, les fouilles systématiques des sites grecs antiques avaient donné naissance à une pléthore de sculptures avec des traces de surfaces notamment multicolores, dont certaines étaient encore visibles. Malgré cela, des historiens de l'art influents tels que Johann Joachim Winckelmann se sont si fortement opposés à l'idée de la sculpture grecque peinte que les partisans des statues peintes ont été rejetés comme excentriques, et leurs opinions ont été largement rejetées pendant plus d'un siècle.

Ce n'est que lorsque les découvertes publiées par l'archéologue allemand Vinzenz Brinkmann à la fin du 20e et au début du 21e siècle que la peinture de sculptures grecques antiques est devenue un fait établi. À l'aide de lampes à haute intensité, de lumière ultraviolette, d'appareils photo spécialement conçus, de moulages en plâtre et de certains minéraux en poudre, Brinkmann a prouvé que tout le Parthénon, y compris la structure même ainsi que les statues, avait été peint. Il a analysé les pigments de la peinture originale pour découvrir leur composition.

Brinkmann a réalisé plusieurs répliques peintes de statues grecques qui ont fait le tour du monde. La collection contenait également des répliques d'autres œuvres de sculpture grecque et romaine, et il a démontré que la pratique de la peinture sculpture était la norme plutôt que l'exception dans l'art grec et romain. [8] Les musées qui ont accueilli l'exposition comprenaient le musée Glyptothèque de Munich, le musée du Vatican et le musée archéologique national d'Athènes, et al. La collection a fait ses débuts américains à l'Université Harvard à l'automne 2007. [9]

Brinkmann a déclaré qu'« aucun autre aspect de l'art de l'Antiquité n'est aussi peu compris que la peinture polychrome des temples et des sculptures », et que les sculptures modernes, ostensiblement inspirées des Grecs mais non peintes, sont « quelque chose d'entièrement nouveau ». [dix]

Modification géométrique

On pense généralement que la première incarnation de la sculpture grecque était sous la forme de statues de culte en bois, décrites pour la première fois par Pausanias sous le nom de xoana. [11] Aucune de ces statues ne survit et les descriptions d'entre elles sont vagues, malgré le fait qu'elles aient probablement été des objets de vénération pendant des centaines d'années. La première pièce de statuaire grecque à être réassemblée depuis est probablement le Lefkandi Centaur, une sculpture en terre cuite trouvée sur l'île d'Eubée, datée de c. 920 av. La statue a été construite en plusieurs parties, avant d'être démembrée et enterrée dans deux tombes séparées. Le centaure a une marque intentionnelle sur son genou, ce qui a conduit les chercheurs à postuler [12] que la statue pourrait représenter Cheiron, vraisemblablement agenouillé blessé par la flèche d'Héraclès. Si tel est le cas, ce serait la première représentation connue du mythe dans l'histoire de la sculpture grecque.

Les formes de la période géométrique (vers 900 à 700 av. J.-C.) étaient principalement des figurines en terre cuite, des bronzes et des ivoires. Les bronzes sont principalement des chaudrons tripodes et des figures ou groupes autoportants. Ces bronzes ont été fabriqués à l'aide de la technique de la cire perdue probablement introduite de Syrie, et sont presque entièrement des offrandes votives laissées dans les sanctuaires panhelléniques de la civilisation hellénistique d'Olympie, de Délos et de Delphes, bien qu'ils aient probablement été fabriqués ailleurs, car un certain nombre de styles locaux peuvent être identifié par des trouvailles d'Athènes, d'Argos et de Sparte. Les œuvres typiques de l'époque incluent le guerrier Karditsa (Athènes Br. 12831) et les nombreux exemples de la statuette équestre (par exemple, NY Met. 21.88.24 en ligne). Cependant, le répertoire de cette œuvre en bronze ne se limite pas aux hommes et aux chevaux debout, car les peintures sur vase de l'époque représentent également des images de cerfs, d'oiseaux, de coléoptères, de lièvres, de griffons et de lions. Il n'y a pas d'inscriptions sur la sculpture géométrique du début au milieu, jusqu'à l'apparition du Mantiklos "Apollon" (Boston 03.997) du début du 7ème siècle avant JC trouvé à Thèbes. La figure est celle d'un homme debout avec une forme pseudo-dédalique, sous laquelle se trouve l'inscription hexamétrique indiquant "Mantiklos m'a offert comme dîme à Apollon de l'arc d'argent, fais-tu, Phoibos [Apollon], donne une faveur agréable en retour" . [13] Outre la nouveauté d'enregistrer son propre but, cette sculpture adapte les formules des bronzes orientaux, comme on le voit dans le visage plus court plus triangulaire et la jambe gauche légèrement avancée. Ceci est parfois considéré comme anticipant la plus grande liberté d'expression du 7ème siècle avant JC et, en tant que tel, la figure de Mantiklos est appelée dans certains quartiers comme proto-dédalique.

Archaïque Modifier

Inspirés par la sculpture monumentale en pierre de l'Égypte ancienne [15] et de la Mésopotamie, les Grecs se remettent à tailler dans la pierre. Les figures autoportantes partagent la solidité et la position frontale caractéristiques des modèles orientaux, mais leurs formes sont plus dynamiques que celles de la sculpture égyptienne, comme par exemple la Dame d'Auxerre et le Torse d'Héra (début archaïque, vers 660-580 av. tous deux au Louvre, Paris). Après environ 575 avant JC, des personnages comme ceux-ci, hommes et femmes, ont commencé à porter le soi-disant sourire archaïque. Cette expression, qui n'a aucune pertinence spécifique à la personne ou à la situation représentée, peut avoir été un dispositif pour donner aux figures une caractéristique humaine distinctive.

Trois types de figures prédominaient : le jeune homme nu debout (kouros, pluriel kouroi), la fille debout drapée (kore, pluriel korai) et la femme assise. Tous soulignent et généralisent les traits essentiels de la figure humaine et montrent une compréhension de plus en plus précise de l'anatomie humaine. Les jeunes gens étaient soit des statues sépulcrales, soit des statues votives. Les exemples sont Apollo (Metropolitan Museum of Art, New York), une œuvre de jeunesse, l'Apollon de Strangford d'Anafi (British Museum), une œuvre beaucoup plus tardive et l'Anavyssos Kouros (Musée archéologique national d'Athènes). Une plus grande partie de la musculature et de la structure squelettique est visible dans cette statue que dans les œuvres antérieures. Les filles debout et drapées ont un large éventail d'expression, comme dans les sculptures du musée de l'Acropole d'Athènes. Leur draperie est sculptée et peinte avec la délicatesse et la minutie habituelles dans les détails de la sculpture de cette période.

Les Grecs décidèrent donc très tôt que la forme humaine était le sujet le plus important de l'effort artistique. Considérant leurs dieux comme ayant une forme humaine, il n'y avait aucune distinction entre le sacré et le profane dans l'art – le corps humain était à la fois profane et sacré. Un nu masculin sans aucun accessoire tel qu'un arc ou une massue, pourrait tout aussi bien être Apollon ou Héraclès que le champion olympique de boxe de cette année-là. À l'époque archaïque, la forme sculpturale la plus importante était le kouros (voir par exemple Biton et Kleobis). Le kore était également courant. L'art grec ne présentait la nudité féminine (sauf si l'intention était pornographique) avant le IVe siècle av.

Comme pour la poterie, les Grecs ne produisaient pas de sculptures uniquement à des fins artistiques. Les statues étaient commandées soit par des particuliers aristocratiques, soit par l'État, et utilisées pour des mémoriaux publics, comme offrandes aux temples, aux oracles et aux sanctuaires (comme le montrent fréquemment les inscriptions sur les statues), ou comme marqueurs de tombes. Les statues de la période archaïque n'étaient pas toutes destinées à représenter des individus spécifiques. C'étaient des représentations d'un idéal : la beauté, la piété, l'honneur ou le sacrifice. Il s'agissait toujours de représentations de jeunes hommes, âgés de l'adolescence à la maturité précoce, même lorsqu'ils étaient placés sur les tombes de citoyens (vraisemblablement) âgés. Kouroi étaient tous stylistiquement similaires. Les graduations dans la stature sociale de la personne qui commandait la statue étaient indiquées par la taille plutôt que par les innovations artistiques.

Dipylon Kouros, v. 600 avant JC, Athènes, Musée Kerameikos.

Le Moschophoros ou porteur de veau, c. 570 avant JC, Athènes, Musée de l'Acropole.

Euthydikos Koré. c. 490 av. J.-C., Athènes, réplique autorisée, originale au Musée national d'archéologie d'Athènes

Une tête d'Éthiopien et une tête de femme, avec une inscription kalos. Aryballe janiforme grec à figures rouges, v. 520-510 av.

Classique Modifier

La période classique a vu une révolution de la sculpture grecque, parfois associée par les historiens à la culture populaire entourant l'introduction de la démocratie et la fin de la culture aristocratique associée à la kouroi. La période classique a vu des changements dans le style et la fonction de la sculpture, ainsi qu'une augmentation spectaculaire des compétences techniques des sculpteurs grecs pour représenter des formes humaines réalistes. Les poses deviennent également plus naturalistes, notamment en début de période. Cela s'incarne dans des œuvres telles que la Garçon de Kritios (480 av. J.-C.), sculpté avec la première utilisation connue de contraposte ('contreposer'), et le Aurige de Delphes (474 av. J.-C.), qui démontre une transition vers une sculpture plus naturaliste. À partir d'environ 500 av. Les statues d'Harmodius et d'Aristogeiton, érigées à Athènes marquent le renversement de la tyrannie aristocratique, et ont été considérées comme les premiers monuments publics à montrer des individus réels.

La période classique a également vu une augmentation de l'utilisation de statues et de sculptures comme décorations de bâtiments. Les temples caractéristiques de l'époque classique, tels que le Parthénon à Athènes et le temple de Zeus à Olympie, utilisaient la sculpture en relief pour les frises décoratives et la sculpture en ronde-bosse pour remplir les champs triangulaires des frontons. Le difficile défi esthétique et technique a beaucoup stimulé l'innovation sculpturale. La plupart de ces œuvres ne survivent que par fragments, par exemple les marbres du Parthénon, dont environ la moitié se trouve au British Museum.

La statuaire funéraire a évolué durant cette période des kouros rigides et impersonnels de la période archaïque aux groupes familiaux très personnels de la période classique. Ces monuments se trouvent couramment dans les faubourgs d'Athènes, qui dans les temps anciens étaient des cimetières à la périphérie de la ville. Bien que certains d'entre eux représentent des types « idéaux » - la mère en deuil, le fils dévoué - ils représentent de plus en plus de vraies personnes, montrant généralement le défunt prenant son congé digne de sa famille. Il s'agit d'une augmentation notable du niveau d'émotion par rapport aux époques archaïque et géométrique.

Un autre changement notable est l'essor du crédit artistique en sculpture. L'ensemble des informations connues sur la sculpture aux époques archaïque et géométrique sont centrées sur les œuvres elles-mêmes, et rarement, voire jamais, sur les sculpteurs. Les exemples incluent Phidias, connu pour avoir supervisé la conception et la construction du Parthénon, et Praxitèle, dont les sculptures féminines nues ont été les premières à être considérées comme artistiquement respectables. L'Aphrodite de Knide de Praxitèle, qui survit en copies, a souvent été citée et louée par Pline l'Ancien.

Lysistratus aurait été le premier à utiliser des moules en plâtre prélevés sur des personnes vivantes pour réaliser des portraits à la cire perdue, et aurait également développé une technique de moulage à partir de statues existantes. Il est issu d'une famille de sculpteurs et son frère, Lysippe de Sicyone, a produit au cours de sa carrière quinze cents statues. [16]

La statue de Zeus à Olympie et la statue d'Athéna Parthénos (à la fois chryséléphantine et exécutée par Phidias ou sous sa direction, et considérée comme la plus grande des sculptures classiques), sont perdues, bien que des copies plus petites (dans d'autres matériaux) et de bonnes descriptions des deux existent encore.Leur taille et leur magnificence ont incité des rivaux à s'en emparer à l'époque byzantine, et les deux ont été transférés à Constantinople, où ils ont ensuite été détruits.

Garçon de Kritios. Marbre, ch. 480 av. Musée de l'Acropole, Athènes.

La soi-disant Vénus Braschi par Praxitèle, type de l'Aphrodite knidienne, Glyptothèque de Munich.

Groupe familial sur une pierre tombale d'Athènes, Musée Archéologique National, Athènes

Vase en terre cuite en forme de tête de Dionysos, ca. 410 av.

Cavalier athénien Dexileos combattant un hoplite nu dans la guerre de Corinthe. [17] Dexileos a été tué au combat près de Corinthe à l'été 394 avant JC, probablement dans la bataille de Némée, [17] ou dans un engagement proche. [18] Tombe Stèle de Dexileos, 394-393 av.

Hellénistique Modifier

La transition de la période classique à la période hellénistique s'est produite au cours du 4ème siècle avant JC. L'art grec se diversifie de plus en plus, influencé par les cultures des peuples entraînés dans l'orbite grecque, par les conquêtes d'Alexandre le Grand (336 à 323 av. De l'avis de certains historiens de l'art, cela est décrit comme un déclin de la qualité et de l'originalité, cependant, les individus de l'époque peuvent ne pas avoir partagé cette perspective. De nombreuses sculptures autrefois considérées comme des chefs-d'œuvre classiques sont maintenant connues pour être de l'époque hellénistique. L'habileté technique des sculpteurs hellénistiques est clairement mise en évidence dans des œuvres aussi importantes que la Victoire ailée de Samothrace, et l'autel de Pergame. De nouveaux centres de culture grecque, en particulier dans la sculpture, se sont développés à Alexandrie, Antioche, Pergame et d'autres villes. Au IIe siècle av. J.-C., la montée en puissance de Rome avait également absorbé une grande partie de la tradition grecque, ainsi qu'une proportion croissante de ses produits.

Au cours de cette période, la sculpture connaît à nouveau une évolution vers un naturalisme croissant. Les gens du commun, les femmes, les enfants, les animaux et les scènes domestiques sont devenus des sujets acceptables pour la sculpture, qui a été commandée par des familles riches pour la décoration de leurs maisons et de leurs jardins. Des figures réalistes d'hommes et de femmes de tous âges ont été produites et les sculpteurs ne se sont plus sentis obligés de représenter les gens comme des idéaux de beauté ou de perfection physique. Dans le même temps, de nouvelles cités hellénistiques surgissant en Égypte, en Syrie et en Anatolie ont exigé des statues représentant les dieux et les héros de la Grèce pour leurs temples et leurs lieux publics. Cela a fait de la sculpture, comme la poterie, une industrie, avec pour conséquence une standardisation et une (certaine) baisse de qualité. Pour ces raisons, de nombreuses autres statues hellénistiques survivent jusqu'à nos jours que celles de la période classique.

Parallèlement à l'évolution naturelle vers le naturalisme, il y avait aussi un changement dans l'expression des sculptures. Les sculptures ont commencé à exprimer plus de puissance et d'énergie au cours de cette période. Un moyen facile de voir le changement d'expression au cours de la période hellénistique serait de le comparer aux sculptures de la période classique. La période classique avait des sculptures telles que le Aurige de Delphes exprimer l'humilité. Les sculptures de la période hellénistique ont cependant vu de plus grandes expressions de puissance et d'énergie, comme en témoigne le Jockey d'Artemision. [19]

Certaines des sculptures hellénistiques les plus connues sont la Victoire ailée de Samothrace (IIe ou Ier siècle av. J.-C.), la statue d'Aphrodite de l'île de Melos connue sous le nom de Vénus de Milo (milieu du IIe siècle av. J.-C.), le Gaule mourante (environ 230 av. J.-C.), et le groupe monumental Laocoon et ses fils (fin du 1er siècle avant JC). Toutes ces statues représentent des thèmes classiques, mais leur traitement est beaucoup plus sensuel et émotionnel que le goût austère de la période classique ne l'aurait permis ou que ses compétences techniques ne l'auraient permis. La sculpture hellénistique a également été marquée par une augmentation d'échelle, qui a culminé avec le Colosse de Rhodes (fin du IIIe siècle), qui aurait été à peu près de la même taille que la Statue de la Liberté. L'effet combiné des tremblements de terre et des pillages l'a détruit ainsi que tout autre très grand ouvrage de cette période qui aurait pu exister.

Suite aux conquêtes d'Alexandre le Grand, la culture grecque s'est propagée jusqu'en Inde, comme le révèlent les fouilles d'Ai-Khanoum dans l'est de l'Afghanistan, et la civilisation des gréco-bactriens et des indo-grecs. L'art gréco-bouddhique représentait un syncrétisme entre l'art grec et l'expression visuelle du bouddhisme. Les découvertes faites depuis la fin du 19ème siècle autour de l'ancienne ville égyptienne (maintenant submergée) d'Héraclée incluent une représentation d'Isis du 4ème siècle avant JC. La représentation est inhabituellement sensuelle pour les représentations de la déesse égyptienne, tout en étant inhabituellement détaillée et féminine, marquant une combinaison de formes égyptiennes et hellénistiques à l'époque de la conquête de l'Égypte par Alexandre le Grand.

À Goa, en Inde, ont été trouvées des statues de Bouddha de style grec. Ceux-ci sont attribués aux grecs convertis au bouddhisme, dont beaucoup sont connus pour s'être installés à Goa à l'époque hellénistique. [20] [21]

Les Prince hellénistique, une statue en bronze à l'origine considérée comme un Séleucide, ou Attale II de Pergame, maintenant considérée comme un portrait d'un général romain, réalisée par un artiste grec travaillant à Rome au IIe siècle av.


Art grec (c.650-27 avant notre ère) Histoire, Caractéristiques


Temple d'Héphaïstos (449) Athènes.
Les colonnes de style dorique intactes et
les frontons sont encore bien visibles,
mais les frises et autres décorations
Ont été perdus.


Lanceur de disque (Discobolus)
Copie romaine de l'original
bronze de Myron (425 av. J.-C.)
Musée national, Rome.

L'art égéen de l'Antiquité classique remonte à la culture minoenne du troisième millénaire av. Influencés par l'art sumérien et d'autres branches de l'art mésopotamien, ils ont construit une série de palais à Knossos, Phaestus et Akrotiri, ainsi que la création d'un large éventail de fresques, de sculptures sur pierre, de poteries anciennes et d'autres artefacts. Au XVe siècle avant notre ère, après un tremblement de terre catastrophique qui a détruit la plupart de ses palais, la Crète a été envahie par des tribus mycéniennes guerrières du continent grec. La culture mycénienne est dûment devenue la force dominante en Méditerranée orientale. Puis, peu de temps après le lancement de la guerre de Troie (vers 1194–1501184), la ville de Mycènes, ainsi que son architecture et ses possessions culturelles, ont été détruites par un nouvel ensemble de maurauders, connus sous le nom de Doriens. À ce stade, la plupart de la production d'art ancien s'est arrêtée pendant environ 400 ans (1200-800), alors que la région est tombée dans une ère de royaumes en guerre et de chaos, connue sous le nom de « âges sombres grecs » (ou l'âge géométrique ou homérique) .

Contexte historique

L'art grec ancien proprement dit "a émergé" au 8ème siècle avant notre ère (700-800), alors que les choses se calmaient autour de la mer Égée. (Voir aussi l'art étrusque) À cette époque, le fer a été transformé en armes/outils, les gens ont commencé à utiliser un alphabet, les premiers Jeux Olympiques ont eu lieu (776), une religion complexe a émergé et un sentiment d'identité culturelle vague s'est développé autour du idée de "Hellas" (Grèce). Vers 700, les royaumes ont commencé à être remplacés par des oligarchies et des cités-États. Cependant, les premières formes d'art grec se limitaient en grande partie à la poterie en céramique, car la région souffrait de perturbations continues dues à une famine généralisée, à une émigration forcée (de nombreux Grecs ont quitté le continent pour coloniser des villes d'Asie Mineure et d'Italie) et à des troubles sociaux. Cela a limité le développement de l'architecture et de la plupart des autres types d'art. Ce n'est que vers 650, lorsque les liens commerciaux maritimes ont été rétablis entre la Grèce et l'Égypte, ainsi que l'Anatolie, que la prospérité grecque est enfin revenue et a facilité un essor de la culture grecque.


Doryphore (440) par Polyclète.
Museo Archeologico Nazionale,
Naples. Parmi les plus grandes œuvres
de la sculpture de la Grèce antique.
Voir la position du contrapposto
qui crée des tensions et
parties détendues du corps.


Vénus de Milo (environ 100 avant notre ère)
(Aphrodite de Mélos)
Louvre, Paris. Une icône
de la sculpture hellénistique.

PIGMENTS DE PEINTURE
Pour plus de détails sur les couleurs et
pigments utilisés par les peintres
dans la Grèce antique, voir :
Palette de couleurs classique.

Chronologie de l'art grec

La pratique des beaux-arts dans la Grèce antique a évolué en trois étapes ou périodes de base :

Période archaïque (environ 650-480 avant notre ère)
Période classique (vers 480-323 avant notre ère)
Période hellénistique (c.323-27 avant notre ère).

Les Archaïque était une période d'expérimentation progressive. Les Classique L'ère vit alors l'épanouissement de la puissance et de la domination artistique de la Grèce continentale. Les hellénistique La période, qui s'est ouverte avec la mort d'Alexandre le Grand, a vu la création d'un « art de style grec » dans toute la région, alors que de plus en plus de centres/colonies de culture grecque ont été établis sur des terres sous contrôle grec. La période voit aussi le déclin et la chute de la Grèce et l'essor de Rome : en fait, elle se termine par la conquête romaine complète de tout le bassin méditerranéen.

REMARQUE : Il est important de noter dès le départ, à part la poterie, presque tout l'art original de l'Antiquité grecque - c'est-à-dire la sculpture, les peintures murales et sur panneaux, les mosaïques, l'art décoratif - a été perdu, nous laissant presque entièrement dépendants des copies par Artistes romains et quelques témoignages écrits. En conséquence, notre connaissance de la chronologie, de l'évolution et de l'étendue de la culture visuelle grecque est forcément extrêmement sommaire et ne doit pas être prise trop au sérieux. La vérité est, à quelques exceptions près, que nous savons très peu de choses sur l'identité des artistes grecs, ce qu'ils ont peint ou sculpté, et quand ils l'ont fait. Pour les artistes ultérieurs inspirés par la sculpture classique et l'architecture de la Grèce antique, voir : Classicisme dans l'art (à partir de 800).

Période archaïque (c.650-480 avant notre ère)

Poterie grecque archaïque

La forme d'art la plus développée de la période préarchaïque (vers 900-650) était sans aucun doute la poterie grecque. Mettant souvent en scène de grands vases et autres récipients, il était décoré à l'origine de motifs linéaires (style proto-géométrique), puis des motifs plus élaborés (style géométrique) de triangles, zigzags et autres formes similaires. La poterie géométrique comprend certaines des plus belles œuvres d'art grecques, avec des vases généralement fabriqués selon un système de proportions strict. A partir de 700 environ, des contacts renouvelés avec l'Anatolie, le bassin de la mer Noire et le Moyen-Orient, ont conduit à une influence orientale notable (Style oriental), qui a été maîtrisé par les céramistes de Corinthe. Le nouvel idiome présentait un répertoire plus large de motifs, tels que des motifs curvilignes, ainsi qu'une multitude de créatures composites telles que des sphinx, des griffons et des chimères. Pendant l'ère archaïque elle-même, la décoration est devenue de plus en plus figurative, à mesure que de plus en plus d'animaux, de zoomorphes puis de figures humaines elles-mêmes étaient inclus. Cette peinture de figure en céramique était le premier signe de la fascination persistante des Grecs pour le corps humain, en tant que sujet le plus noble pour un peintre ou un sculpteur : une fascination ravivée dans la peinture de la Haute Renaissance de Michel-Ange et d'autres. Un autre style de céramique introduit par Corinthe était poterie à figures noires: les figures ont d'abord été dessinées en silhouette noire, puis marquées de détails incisés. Des touches supplémentaires ont été ajoutées en violet ou en blanc. Les thèmes préférés pour l'imagerie à figures noires comprenaient : les réjouissances de Dionysos et les travaux d'Hercule. Avec le temps, Athènes en vint à dominer la poterie de style à figures noires, avec la perfection d'un pigment noir plus riche et d'un nouveau pigment rouge orangé qui conduisit à figure rouge poterie - un idiome qui a prospéré 530-480. Les célèbres artistes céramistes grecs de l'époque archaïque comprenaient le génie Exekias, ainsi que Kleitias (créateur du célèbre Vase François), Andokide, Euthymide, Ergotimos, Lydos, Nearchos et Sophilos. Pour plus de détails et de dates, voir : Chronologie de la poterie.

Architecture grecque archaïque

C'est aux VIe et VIIe siècles que la pierre a été utilisée pour les édifices publics grecs (pétrification), en particulier les temples. L'architecture grecque reposait sur des techniques de construction simples à poteaux et linteaux : les arches n'étaient utilisées qu'à l'époque romaine. Le bâtiment rectangulaire typique était entouré d'une ligne de colonnes sur les quatre côtés (voir, par exemple, le Parthénon) ou, moins souvent, à l'avant et à l'arrière seulement (temple d'Athéna Niké). Les toits ont été construits avec des poutres en bois recouvertes de tuiles en terre cuite. Les frontons (la forme triangulaire à chaque pignon) étaient décorés de sculptures en relief ou de frises, tout comme la rangée de linteaux entre le toit et les sommets des colonnes. Les architectes grecs ont été les premiers à fonder leur conception architecturale sur la norme de proportionnalité. Pour ce faire, ils ont présenté leur "Ordres classiques" - un ensemble de règles de conception basées sur les proportions entre les pièces individuelles, telles que le rapport entre la largeur et la hauteur d'une colonne. Il y avait trois ordres de ce type dans l'architecture grecque primitive : dorique, Ionique et corinthien. Le style dorique a été utilisé en Grèce continentale et plus tard dans les colonies grecques en Italie. L'ordre ionique a été utilisé dans les bâtiments le long de la côte ouest de la Turquie et d'autres îles de la mer Égée. Les bâtiments célèbres de la Grèce antique construits ou commencés pendant la période archaïque comprennent : le temple d'Héra (600), le temple d'Athéna sur l'Acropole (550) et les temples de Paestum (550 et plus). Voir aussi : l'architecture égyptienne (vers 3000 avant notre ère) et l'importance des architectes égyptiens comme Imhotep et d'autres.

L'architecture grecque a continué d'avoir une grande influence sur les styles ultérieurs, y compris l'architecture Renaissance et néoclassique, et même l'architecture américaine des XIXe et XXe siècles.

L'histoire de l'art montre que les programmes de construction ont invariablement stimulé le développement d'autres formes d'art, comme la sculpture et la peinture, ainsi que l'art décoratif, et l'architecture grecque archaïque ne faisait pas exception. Les nouveaux temples et autres bâtiments publics avaient tous besoin de beaucoup de sculpture décorative, y compris des statues, des reliefs et des frises, ainsi que de la peinture murale et de la mosaïque.

Sculpture grecque archaïque

La sculpture grecque archaïque de cette période était encore fortement influencée par la sculpture égyptienne, ainsi que par les techniques syriennes. Les sculpteurs grecs ont créé des frises et des reliefs en pierre, ainsi que des statues (en pierre, terre cuite et bronze) et des œuvres miniatures (en ivoire et en os). Le style primitif de la sculpture dédalique autoportante (650-600) - illustré par les œuvres de Dédale, Dipoinos et Skyllis - était dominée par deux stéréotypes humains : la jeunesse nue debout (kouros) et la fille drapée debout (coré). Parmi ceux-ci, les nus masculins étaient considérés comme plus importants. Pour commencer, les kouros et les kore ont été sculptés dans un style égyptien assez rigide, "frontal", avec des épaules larges, des tailles étroites, les bras pendants, les poings fermés, les deux pieds au sol, et un "sourire "quotarchaïque" fixe : voir , par exemple, Dame d'Auxerre (630, Louvre) et Kléobis et Biton (610-580, Musée Archéologique de Delphes). Au fil du temps, la représentation de ces statues stéréotypées est devenue moins rigide et plus réaliste. Plus tard, les versions archaïques plus avancées du kouroi et du korai incluent le "Péplos Koré" (vers 530, Musée de l'Acropole, Athènes) et le "Garçon de Kritios" (Musée de l'Acropole, Athènes). Parmi les autres œuvres célèbres, citons : le Apollon de Strangford (600-580, British Museum) le Dipylon Kouros (vers 600, Athènes, Musée Kerameikos) le Anavysos Kouros (c.525, Musée Archéologique National d'Athènes) et la fascinante frise du Trésor siphnien, Delphes (c.525).

Peinture grecque archaïque

Comme la plupart des vases et des sculptures étaient peints, la croissance de la poterie et de la sculpture au 7ème siècle a automatiquement conduit à plus de travail pour les peintres grecs. De plus, les murs de nombreux temples, bâtiments municipaux et tombeaux étaient décorés de fresques, tandis que leur sculpture en marbre ou en bois était colorée à la détrempe ou à la peinture à l'encaustique. L'encaustique avait un peu de l'éclat de la peinture à l'huile, un médium inconnu des Grecs, et est devenu une méthode de peinture populaire pour les statues de pierre et les reliefs architecturaux au cours du VIe siècle. La peinture grecque archaïque compte très peu de panneaux peints : les seuls exemples dont nous disposons sont les panneaux Pitsa décorés de stucs colorés avec des pigments minéraux. Malheureusement, en raison de l'érosion, du vandalisme et de la destruction, peu de peintures grecques originales ont survécu de cette période. Il ne reste que quelques plaques de terre cuite peintes (les métopes en terre cuite du temple d'Apollon à Thermon en Aitolie vers 630), quelques panneaux de bois (les quatre panneaux Pitsa trouvés dans une grotte du nord du Péloponnèse) et des peintures murales (telles que comme la scène de bataille du VIIe siècle extraite d'un temple à Kalapodi, près de Thèbes, et celles excavées de tombes souterraines en Étrurie). Hormis certains individus, comme Cimon de Cléone, les noms des peintres grecs archaïques nous sont généralement inconnus. La forme d'art la plus répandue pour faire la lumière sur la peinture grecque antique est la poterie, qui nous donne au moins une idée approximative de l'esthétique et des techniques archaïques. Notez, cependant, que la peinture sur vase était considérée comme une forme d'art inférieure et est rarement mentionnée dans la littérature classique.

Période classique (vers 480-323 avant notre ère)

La victoire sur les Perses en 490 avant notre ère et 479 avant notre ère a fait d'Athènes la plus forte des cités-États grecques. Malgré les menaces extérieures, elle conservera son rôle culturel de premier plan pendant les siècles suivants. En effet, au cours du Ve siècle avant notre ère, Athènes a connu une résurgence créative qui non seulement dominerait l'art romain futur, mais, redécouverte par l'Europe de la Renaissance 2 000 ans plus tard, constituerait un standard artistique absolu pendant encore quatre siècles. Tout cela malgré le fait que la plupart des peintures et sculptures grecques ont été détruites.

La principale contribution du classicisme grec aux beaux-arts fut sans aucun doute sa sculpture : en particulier, le "Canon des proportions" avec sa réalisation du "corps humain idéal" - un concept qui résonna si fortement avec l'art de la Haute Renaissance, mille ans plus tard.

Poterie grecque classique

A cette époque, l'art céramique et donc la peinture sur vase connut un déclin progressif. Exactement pourquoi, nous ne le savons pas, mais, à en juger par le manque d'innovations et la sentimentalité croissante des designs, le genre semble s'être épuisé. Le développement créatif final a été le Sol blanc technique, qui avait été introduite vers 500. Contrairement aux styles à figures noires et à figures rouges, qui s'appuyaient sur des feuilles d'argile pour créer des images, la technique White Ground employait de la peinture et de la dorure sur un fond d'argile blanche, et est mieux illustrée par le funéraire lécythe de la fin du Ve siècle. En dehors de cette innovation unique, la poterie grecque classique a décliné de manière significative à la fois en qualité et en mérite artistique, et est finalement devenue dépendante des écoles hellénistiques locales.

Architecture grecque classique

Comme la plupart des arts visuels grecs, la conception des bâtiments a atteint son apogée pendant la période classique, alors que les deux principaux styles (ou "ordres") de l'architecture grecque, le dorique et l'ionique, en sont venus à définir une norme de beauté architecturale intemporelle, harmonieuse et universelle. Le style dorique était le plus formel et austère - un style qui prédominait aux IVe et Ve siècles - tandis que le style ionique était plus détendu et quelque peu décoratif - un style qui devint plus populaire à l'époque hellénistique plus facile à vivre. (Remarque : l'ordre ionique a plus tard donné naissance au style corinthien plus orné.)

Le point culminant de l'architecture grecque antique était sans doute le Acropole, la colline sacrée au sommet plat à la périphérie d'Athènes. Les premiers temples, érigés ici pendant la période archaïque, ont été détruits par les Perses en 480, mais lorsque la cité-état est entrée dans son âge d'or (c.460-430), son souverain Périclès nommé le sculpteur Phidias pour superviser la construction d'un nouveau complexe. La plupart des nouveaux bâtiments (le Parthénon, les Propylées) ont été conçus selon des proportions doriques, bien que certains comprenaient des éléments ioniques (temple d'Athéna Niké, l'Érechthéion). L'Acropole a été ajoutée à plusieurs reprises au cours des époques hellénistique et romaine. Les Parthénon (447-432), reste l'exemple suprême de l'art religieux grec classique. À son époque, il aurait été agrémenté de nombreuses peintures murales et sculptures, mais même relativement dépourvu d'ornement, il se présente comme un monument incontournable de la culture grecque. Le plus grand temple sur la colline de l'Acropole, il a été conçu par Ictinus et Callicrate, et dédié à la déesse Athéna. Il abritait à l'origine une statue colossale multicolore intitulée Athéna la Vierge (Athéna Parthénos), dont la peau a été sculptée par Phidias à partir d'ivoire et dont les vêtements ont été créés à partir de tissu d'or. Comme tous les temples, le Parthénon était entièrement décoré de sculptures architecturales telles que des reliefs et des frises, ainsi que de statues autoportantes, en marbre, bronze et chryséléphantine. En 1801, le collectionneur d'art et antiquaire Lord Elgin (1766-1841) expédié de manière controversée une grande quantité de la sculpture en marbre du Parthénon (le "Marbres d'Elgin") au British Museum de Londres.

D'autres exemples célèbres d'architecture grecque classique incluent: le temple de Zeus à Olympie (468-456), le temple d'Héphaïstos (vers 449 avant notre ère), le temple de Bassae, Arcadie (vers 430), qui contenait le premier chapiteau corinthien , le théâtre de Delphes (vers 400), le temple Tholos d'Athéna Pronaia (380-360), le mausolée d'Harnicarnasse, Bodrum (353), le monument de Lysicrate à Athènes (335) et le temple d'Apollon à Delphes ( 330).

Sculpture grecque classique

Dans l'histoire de la sculpture, aucune période n'a été plus productive que les 150 ans entre 480 et 330 avant notre ère. En ce qui concerne l'art plastique, il peut être subdivisé en: Sculpture grecque classique ancienne (480-450), Sculpture grecque classique élevée (450-400) et Sculpture grecque classique tardive (400-323).

Au cours de l'ère dans son ensemble, il y a eu une énorme amélioration de la capacité technique des sculpteurs grecs à représenter le corps humain dans une posture naturaliste plutôt que rigide. L'anatomie est devenue plus précise et, par conséquent, les statues ont commencé à paraître beaucoup plus réalistes. De plus, le bronze est devenu le support principal des œuvres autoportantes en raison de sa capacité à conserver sa forme, ce qui a permis de sculpter des poses encore plus naturelles. Les sujets ont été élargis pour inclure la panoplie complète des dieux et des déesses, ainsi que des divinités mineures, une vaste gamme de récits mythologiques et une sélection diversifiée d'athlètes. D'autres développements spécifiques comprenaient : l'introduction d'un "Canon des Proportions" platonicien, pour créer une figure humaine idéalisée, et l'invention de contraposte. Au cours de l'ère classique tardive, les premiers nus féminins respectables sont apparus.

Parmi les sculpteurs les plus connus de l'époque, figuraient : Myron (fl.480-444), Polyclétos (fl.450-430), Callimaque (fl.432-408), Skopas (fl.395-350), Lysippe (c.395-305), Praxitèle (fl.375-335), et Léochares (fl.340-320). Ces artistes travaillaient principalement le marbre, le bronze, parfois le bois, l'os et l'ivoire. La sculpture sur pierre était sculptée à la main à partir d'un bloc de marbre ou d'un calcaire de haute qualité, à l'aide d'outils en métal. Ces sculptures peuvent être des statues autoportantes, ou des reliefs/frises, c'est-à-dire seulement partiellement sculptées dans un bloc. La sculpture en bronze était considérée comme supérieure, notamment en raison du coût supplémentaire du bronze, et était généralement coulée selon la méthode de la cire perdue. Encore plus chère était la sculpture chryséléphantine qui était réservée aux grandes statues cultuelles. La sculpture sur ivoire était un autre genre spécialisé, pour les œuvres personnelles à petite échelle, tout comme la sculpture sur bois.

Comme mentionné ci-dessus, le Parthénon était un exemple typique de la façon dont les Grecs utilisaient la sculpture pour décorer et mettre en valeur leurs édifices religieux. A l'origine, les sculptures du Parthénon se répartissaient en trois groupes. (1) Sur les frontons triangulaires à chaque extrémité se trouvaient des groupes autonomes à grande échelle contenant de nombreuses figures de dieux et scènes mythologiques. (2) Le long des deux côtés, il y avait près de 100 reliefs de personnages en lutte, y compris des dieux, des humains, des centaures et d'autres. (3) Autour de l'ensemble du bâtiment courait un autre relief, d'environ 150 mètres de long, qui représentait la Grande Panathénie - une fête religieuse quadriennale en l'honneur d'Athéna. Bien que gravement endommagées, les sculptures du Parthénon révèlent la suprême capacité artistique de leurs créateurs. Surtout, elles révèlent - comme beaucoup d'autres sculptures grecques classiques - un étonnant sens du mouvement ainsi qu'un réalisme remarqué du corps humain.

Les plus grandes sculptures de l'époque classique comprennent : Léonidas, roi de Sparte (vers 480), L'aurige de Delphes (vers 475) Discobole (vers 450) par Myron L'Héraclès Farnèse (5ème siècle) Athéna Parthénos (c.447-5) par Phidias Doryphore (440) par Polyclète Jeunesse d'Anticythère (4ème siècle) Aphrodite de Cnide (350-40) par Praxitèle et Apollon Belvédère (vers 330) par Leochares.

Peinture grecque classique

La peinture grecque classique révèle une compréhension de la perspective linéaire et de la représentation naturaliste qui restera inégalée jusqu'à la Haute Renaissance italienne. Hormis la peinture sur vase, tous les types de peinture fleurissent à l'époque classique. Selon des auteurs comme Pline (23-79 CE) ou Pausanias (actif 143-176 CE), la forme la plus élevée était la peinture sur panneau, réalisée à l'encaustique ou à la détrempe. Les sujets comprenaient des scènes figuratives, des portraits et des natures mortes, et les expositions - par exemple à Athènes et à Delphes - étaient relativement courantes. Hélas, en raison de la nature périssable de ces panneaux ainsi que des siècles de pillage et de vandalisme, aucune peinture sur panneau classique grecque de quelque qualité n'a survécu, ni aucune copie romaine.

La peinture à fresque était une méthode courante de décoration murale dans les temples, les bâtiments publics, les maisons et les tombes, mais ces œuvres d'art plus grandes avaient généralement une réputation inférieure à celle des peintures sur panneaux. L'exemple existant le plus célèbre de la peinture murale grecque est le célèbre Tombeau du plongeur à Paestum (vers 480), l'une des nombreuses décorations funéraires de ce type dans les colonies grecques d'Italie. Une autre œuvre célèbre a été créée pour le Grand tombeau à Verfina (c.326 avant notre ère), dont la façade était décorée d'une grande peinture murale d'une chasse au lion royale. L'arrière-plan a été laissé en blanc, le paysage étant indiqué par un seul arbre et la ligne de sol. En plus du style de son arrière-plan et de ses sujets, la peinture murale se distingue par ses représentations subtiles de lumière et d'ombre ainsi que par l'utilisation d'une technique appelée Fusion optique (la juxtaposition de lignes de couleurs différentes) - un précurseur assez curieux du pointillisme de Seurat au XIXe siècle.

La peinture de la pierre, de la terre cuite et de la sculpture sur bois était une autre technique spécialisée maîtrisée par les artistes grecs. Les sculptures en pierre étaient généralement peintes dans des couleurs vives, bien que généralement, seules les parties de la statue représentant des vêtements ou des cheveux étaient colorées, tandis que la peau était laissée dans la couleur de la pierre naturelle, mais à l'occasion, toute la sculpture était peinte. La sculpture-peinture était considérée comme un art distinctif - un type précoce de techniques mixtes - plutôt que comme une simple amélioration sculpturale. En plus de la peinture, la statue peut également être ornée de matériaux précieux.

Les peintres grecs classiques les plus célèbres du 5ème siècle comprenaient : Apollodore (remarqué pour son Skiagraphie - un type primitif de clair-obscur) son élève, le grand Zeuxis d'Héraclée (remarqué pour ses peintures de chevalet et ses trompe-l'œil) ainsi que Agatharque (le premier à avoir utilisé la perspective graphique à grande échelle) Parrhasius (mieux connu pour son dessin et son image de Thésée au Capitole à Rome) et Timarète (l'une des plus grandes femmes peintres grecques, connue pour une peinture sur panneau à Ephèse de la déesse Diane).

Au cours de la période classique tardive (400-323 avant notre ère), qui a vu l'épanouissement de l'empire macédonien sous Philippe II et son fils Alexandre le Grand, Athènes a continué d'être le centre culturel dominant de la Grèce continentale. C'était le point culminant de la peinture grecque antique, avec des artistes comme le talentueux et influent Apelle de Kos - peintre officiel de Philippe II de Macédoine et de son fils Alexandre le Grand - ajoutant de nouvelles techniques de surbrillance, d'ombrage et de coloration. D'autres artistes célèbres du IVe siècle comprenaient les rivaux d'Apelle Antiphile (spécialiste de l'ombre et de la lumière, de la peinture de genre et de la caricature) et Protogènes (remarqué pour sa finition méticuleuse) Euphranor de Corinthe (le seul artiste classique à exceller à la fois en peinture et en sculpture) Eupompe (fondateur de l'école de Sicyon) et le peintre d'histoire Androkydes de Cyzique (connu pour sa peinture d'histoire cntroversiale représentant la bataille de Platées).

La période de l'art hellénistique s'ouvre avec la mort de Alexandre le Grand (356-323) et l'incorporation de l'empire perse dans le monde grec. À ce stade, l'hellénisme s'était répandu dans le monde civilisé et les centres d'art et de culture grecs comprenaient des villes comme Alexandrie, Antioche, Pergame, Milet, ainsi que des villes et d'autres colonies d'Asie Mineure, d'Anatolie, d'Égypte, d'Italie, de Crète, de Chypre , Rhodes et les autres îles de la mer Égée. La culture grecque était donc totalement dominante. Mais la disparition soudaine d'Alexandre a déclenché un déclin rapide de la puissance impériale grecque, alors que son immense empire était divisé entre trois de ses généraux - Antigone I qui a reçu la Grèce et la Macédoine Séleucos I qui a pris le contrôle de l'Anatolie, de la Mésopotamie et de la Perse et Ptolémée Ier qui dirigeait l'Egypte. Paradoxalement donc, cette période est marquée par une influence culturelle grecque massive, mais affaiblissant la puissance grecque. En 27 avant notre ère, la Grèce et son empire seraient gouvernés depuis la Rome antique, mais même alors, les Romains continueraient à vénérer et à imiter l'art grec pendant des siècles.

Architecture hellénistique

La division de l'Empire grec en entités distinctes, chacune avec son propre souverain et sa propre dynastie, a créé d'énormes nouvelles opportunités d'auto-glorification. En Asie Mineure, une nouvelle capitale a été construite à Pergame (Pergame), par les Attalides en Perse, les Séleucides ont développé une forme de conception de bâtiments de style baroque en Égypte, la dynastie ptolémaïque a construit le phare et la bibliothèque à Alexandrie. L'architecture palatiale a été revitalisée et de nombreuses structures municipales ont été construites pour renforcer l'influence des dirigeants locaux.

L'architecture des temples, cependant, a connu un effondrement majeur. A partir de 300 av. en Grèce continentale et dans les colonies grecques voisines. Même les projets monumentaux, comme l'Artémision à Sardes et le temple d'Apollon à Didyme près de Milet, ont fait peu de progrès. Tout cela a changé au cours du deuxième siècle, lorsque la construction du temple a connu un certain renouveau dû en partie à une prospérité accrue, en partie aux améliorations apportées par l'architecte Hermogène de Priène au style architectural ionique, et en partie à la guerre de propagande culturelle menée (pour influence) entre les différents royaumes hellénistiques, et entre eux et Rome. Dans le processus, l'architecture du temple a été relancée et un grand nombre de temples grecs - ainsi que des structures à petite échelle (pseudopériptères) et sanctuaires (naiskoi) - ont été érigés dans le sud de l'Asie Mineure, en Égypte et en Afrique du Nord. En ce qui concerne les styles, le style dorique sobre de l'architecture des temples est complètement démodé, car l'hellénisme a exigé les formes les plus flamboyantes des ordres ionique et corinthien. Admiré par l'architecte romain Vitruve (vers 78-10 av. à Athènes.

Sculpture hellénistique

La sculpture grecque hellénistique a poursuivi la tendance classique vers un naturalisme toujours plus grand. Les animaux, ainsi que les gens ordinaires de tous âges, sont devenus des sujets acceptables pour la sculpture, qui était fréquemment commandée par des particuliers ou des familles riches pour décorer leurs maisons et leurs jardins. Les sculpteurs ne se sentent plus obligés de représenter les hommes et les femmes comme des idéaux de beauté. En fait, la sérénité classique idéalisée des Ve et IVe siècles a fait place à une plus grande émotivité, à un réalisme intense et à une dramatisation presque baroque du sujet. Pour un style typique de cette forme d'art plastique, voir Pergamene School of Hellenistic Sculpture (241-133 BCE).

En raison de la propagation de la culture grecque (hellénisation), les centres culturels grecs d'outre-mer nouvellement établis en Égypte, en Syrie et en Turquie ont également demandé beaucoup plus de statues et de reliefs de dieux grecs, de déesses et de figures héroïques pour leurs temples et espaces publics. Ainsi, un grand marché s'est développé dans la production et l'exportation de la sculpture grecque, entraînant une chute de la fabrication et de la créativité. Aussi, dans leur quête d'un plus grand expressionnisme, les sculpteurs grecs ont eu recours à des œuvres plus monumentales, une pratique qui a trouvé son expression ultime dans la Le Colosse de Rhodes (vers 220 av. J.-C.).

Les célèbres sculptures grecques de l'époque comprennent : "Le taureau Farnèse" (2ème siècle) le "Gaule mourante" (232) par Epigone le "Victoire ailée de Samothrace" (c.1er/2ème siècle avant notre ère) L'autel de Pergame (vers 180-150) "La Vénus des Médicis" (150-100) Les Trois Grâces (2e siècle) Vénus de Milo (c.100) par Andros d'Antioche Laocoon et ses fils (c.42-20 BCE) par Hagesander, Athenodoros et Polydore. Pour plus d'informations, veuillez consulter : Statues et reliefs hellénistiques.

Pour une comparaison générale, voir : Sculpture romaine. Pour un genre particulier, voir : Roman Relief Sculpture. Pour un excellent exemple de l'art romain hellénistique du tournant du millénaire, veuillez voir les extraordinaires sculptures en relief en marbre du Ara Pacis Augustae (c.13-9 AEC).

Pour l'effet de la sculpture grecque sur les styles ultérieurs, voir : la sculpture de la Renaissance (vers 1400-1530) et aussi la sculpture néoclassique (1750-1850).

La demande accrue pour la sculpture de style grec s'est reflétée par une augmentation similaire de la popularité de la peinture grecque hellénistique, qui a été enseignée et propagée dans un certain nombre d'écoles séparées, à la fois sur le continent et dans les îles. En ce qui concerne le sujet, les favoris classiques tels que la mythologie et les événements contemporains ont été remplacés par des peintures de genre, des études d'animaux, des natures mortes, des paysages et d'autres sujets similaires, en grande partie en ligne avec les styles décoratifs découverts à Herculanum et Pompéi (1er siècle avant notre ère et plus tard) , dont beaucoup seraient des copies d'originaux grecs.

La plus grande contribution des peintres hellénistes a peut-être été l'art du portrait, notamment le Portraits de momie Fayoum, datant du 1er siècle avant notre ère. Ces peintures sur panneaux magnifiquement conservées, de la période copte - en tout quelque 900 œuvres - sont le seul ensemble d'art important à avoir survécu intact de l'Antiquité grecque. Trouvés principalement autour du bassin du Fayoum (Fayoum) en Égypte, ces portraits faciaux réalistes étaient attachés au tissu funéraire lui-même, de manière à couvrir les visages des corps momifiés. Artistiquement parlant, les images appartiennent au style grec du portrait, plutôt qu'à toute tradition égyptienne. Voir aussi l'héritage grec de la peinture murale et de la peinture sur panneau.

La vraie tragédie de l'art grec est le fait qu'une grande partie de celui-ci a disparu. Seul un très petit nombre de temples - comme le Parthénon et le temple d'Héphaïstos - ont survécu. La Grèce a construit cinq merveilles du monde (la Le Colosse de Rhodes, les Temple d'Artémis à Ephèse, les Statue de Zeus à Olympie, les Mausolée d'Halicarnasse et le Phare d'Alexandrie), mais seuls des fragments en ruine ont survécu. De même, la grande majorité de toutes les sculptures a été détruite. Les bronzes grecs et autres œuvres de ferronnerie grecque étaient pour la plupart fondus et convertis en outils ou en armes, tandis que les statues de pierre étaient pillées ou décomposées pour être utilisées comme matériau de construction. Environ 99% de toutes les peintures grecques ont également disparu.

Les artistes grecs ont gardé les traditions vivantes

Mais même si cette partie de notre patrimoine a disparu, les traditions qui l'ont fait naître perdurent. Voici pourquoi. Au moment où la Grèce a été remplacée par Rome, au 1er siècle avant notre ère, un grand nombre de sculpteurs et peintres grecs talentueux travaillaient déjà en Italie, attirés par la quantité de commandes lucratives. Ces artistes et leurs descendants artistiques ont prospéré à Rome pendant cinq siècles, avant de fuir la ville juste avant que les barbares ne la saccagent au Ve siècle de notre ère, pour créer de nouvelles formes d'art à Constantinople, la capitale du christianisme oriental. Ils ont prospéré ici, au siège de l'art byzantin, pendant près de mille ans avant de quitter la ville (bientôt capturée par les Turcs) pour Venise, pour aider à démarrer la Renaissance italienne. Tout au long de cette période, ces artistes grecs migrateurs ont conservé leurs traditions (bien qu'adaptées en cours de route), qu'ils ont léguées aux époques de la Renaissance, du baroque, du néoclassique et de l'époque moderne. Voir, par exemple, le renouveau classique dans l'art moderne (vers 1900-30). Au XVIIIe siècle, l'architecture grecque était une attraction importante pour les voyageurs intrépides du Grand Tour, qui traversaient la mer Ionienne depuis Naples. En résumé : les œuvres d'art grecques ont peut-être disparu, mais l'art grec est toujours bien vivant dans les traditions de nos académies et dans les œuvres de nos plus grands artistes.

• Pour plus d'informations sur la peinture et la sculpture de l'Antiquité classique, voir : Page d'accueil.