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Statues gothiques à la cathédrale de Lausanne



Laon, Cathédrale Notre-Dame

Malgré son aspect intact, la sculpture de Laon a été fortement restaurée, ce qui a conduit Paul Williamson, dans son livre sur la sculpture gothique, à remarquer que « les portails de Laon nous renseignent presque autant sur les tendances stylistiques du restaurateur du XIXe siècle que l'atelier de la fin du XIIe siècle. Cela est particulièrement vrai dans le cas des chiffres en colonne. Il ne reste que deux figures de colonnes qui peuvent être solidement attachées au frontispice occidental. Ces vestiges, aujourd'hui au musée municipal de Laon, ont été retrouvés dans les tribunes de la cathédrale. Un fragment d'encorbellement survit également, qui représente une figure accroupie dans une tunique, cet élément était probablement attaché à une autre figure de colonne sur le frontispice ouest. Sur la base de ces vestiges fragmentaires, il semble que ces figures de colonnes représentaient des prophètes de l'Ancien Testament, ce qui correspond à l'iconographie des tympans et des linteaux, et correspond à des programmes sculpturaux contemporains ailleurs qui présentaient des préfigurations du Christ et des prophètes (cf. transept de Chartres). Iliana Kasarska a proposé que les prophètes existants étaient à l'origine installés sur l'embrasure droite du portail central, bien que cela reste conjectural.

Le portail central représente le Couronnement de la Vierge, un motif vu pour la première fois à Senlis dans les années 1160, qui a ensuite été répété ailleurs et est resté courant jusqu'au XIIIe siècle et au-delà. Dans le tympan, nous voyons le Couronnement avec des anges flanquants tenant des lampes et des encensoirs. Bien que l'appariement actuel de la Dormition et de l'Assomption de la Vierge sur le linteau ait un sens iconographique dans le schéma d'un portail du Couronnement, son aspect ancien était connu, au moins dans une certaine mesure, par les restaurateurs du XIXe siècle, mais il n'y a pas de documentation relative au programme original.

Dans les voussoirs qui composent la première archivolte, une série d'anges se tournent vers le drame joué dans le tympan. Les deux archivoltes suivantes sont remplies d'un arbre de Jessé, ses tiges en forme de mandorle s'enroulant autour des personnages. Kasarska fait l'observation astucieuse, soutenue par d'autres savants, que vierge (c'est-à-dire scion, d'Ésaïe 11) et vierge (vierge) ont été confondus au Moyen Âge, et donc les deux étaient liés sur la base de cette interprétation erronée. Cela a très probablement donné naissance - ou du moins renforcé - au trope sculptural qui envisageait l'arbre de Jessé comme exprimant la généalogie de la Vierge.

Les figures de colonnes dans les embrasures du portail central sont le produit de la restauration du XIXe siècle. La figure d'Isaïe, par exemple, date de 1846 et était basée sur la représentation d'Isaïe dans le portail central du bras nord du transept de Chartres. Quelques fragments de figures de colonnes subsistent au musée municipal de Laon cependant, la provenance de ces statues a été contestée. En tout cas, un dessin de la fin du XVIIIe siècle de Tavernier de Jonquières atteste la présence de personnages-colonnes à Laon. La figure du trumeau moderne est tout aussi fantaisiste. Kasarska a postulé que la figure du trumeau de Laon était, en fait, une Vierge, conformément au thème du reste du portail, mais il ne reste aucune trace de cette figure.

Le portail nord semble lié au thème de l'Incarnation. Dans le tympan siègent la Vierge et l'Enfant intronisés, avec les mages, un ange assistant et un personnage assis, probablement destiné à représenter Joseph, flanquant les personnages centraux. C'est une sorte d'hybride, fusionnant un sedes sapientiae avec une scène d'Adoration. Un moulage réalisé avant la restauration de ce portail aide à guider notre compréhension de son aspect d'origine. De gauche à droite, les scènes représentées dans le linteau sont l'Annonciation, la Nativité et l'Annonciation aux bergers. L'archivolte la plus intérieure présente des anges, qui sont rendus symétriquement de chaque côté du tympan (voussoirs les plus bas : encensoir au milieu : portant les lampes les plus élevées : couronnes). Une colombe apparaît dans la clef de voûte de cette archivolte. Dans la deuxième archivolte, nous voyons les Vertus et les Vices (remarquablement, les Vertus combattent des personnifications, pas des démons). Les troisième et quatrième archivoltes semblent fournir des préfigurations de la virginité de Marie via des récits bibliques, bien que les scènes spécifiques soient quelque peu opaques.

Le regroupement Adoration des Mages solidifie l'importance de la Vierge comme Reine du Ciel (elle reçoit des dons avec l'Enfant Jésus, alors que Joseph est relégué au coin dans cette scène). L'Annonciation suit de nombreux prototypes romans. La Nativité concerne le portail sud du frontispice ouest de Notre-Dame de Paris. La représentation des Mages est tombée en désuétude pour la plupart dans la seconde moitié du XIIe siècle, son apparition est donc ici un « retour en arrière ». A Laon, la Visitation n'est pas représentée, séparant ce programme de ceux de La-Charité-sur-Loire et de Chartres, auxquels ce portail de Laon est par ailleurs intimement lié. Vertus et Vices dans les voussoirs anticipent Notre-Dame de Paris.

Le thème du portail sud est le Jugement dernier. Le tympan présente le Christ flanqué d'apôtres, qui portent des clés, des livres et gardent les mains jointes en prière, et des anges, qui tiennent des instruments de la Passion. Les têtes de ces figures et les bras du Christ font partie de la restauration du XIXe siècle, mais Sauerländer a choisi le reste du tympan pour sa date précoce, le plaçant dès 1160 sur la base de preuves stylistiques. Des corps ressuscités peuvent être vus émergeant des tombes de chaque côté des pieds du Christ. Dans le linteau ci-dessous, Saint Michel supervise la séparation des élus des damnés. Les deux archivoltes intérieures, qui, comme le tympan, peuvent dater du milieu du XIIe siècle, représentent des apôtres, des anges avec des trompettes, des anges portant des âmes et Abraham avec des âmes bénies dans son sein. Les archivoltes extérieures, qui datent de la même période que la majorité du frontispice occidental (c'est-à-dire 1195-1205). Ces voussoirs présentent des martyrs, des personnages intronisés non identifiés avec des nimbus, des anges, des vierges sages et folles et des musiciens.

Le portail sud est lié iconographiquement au portail du Jugement dernier à Saint-Denis. La présence de martyrs dans les archivoltes dès la fin du XIIe siècle sont des pionniers iconographiques : jusque-là, les martyrs ne faisaient pas partie des ensembles du Jugement dernier (traditionnellement, cet espace était réservé aux apôtres et aux anciens). Cet arrangement se reproduit dans les cathédrales de Chartres, de Paris et d'Amiens.

La sculpture du frontispice occidental ne se limite pas à l'espace des trois portails. Le sommet de chaque pignon, par exemple, est sculpté. Dans le pignon nord se trouve une figure féminine portant un long vêtement. La sculpture originale est en deux fragments, l'un au dépôt de la cathédrale, et l'autre au musée municipal de Laon. La sculpture actuellement à sa place sur le frontispice occidental est une restauration du XIXe siècle. L'iconographie est contestée, mais il s'agit très probablement de la Vierge entourée de deux anges. Le pignon central est rempli d'une Vierge trônant avec des anges flanquants. Le pignon sud présente les archanges Gabriel, Michael et Raphael. Les fenêtres latérales de l'étage supérieur, à côté de la rosace, présentent également des bandes sculptées, avec un cycle de la Création au nord, et des personnifications de la philosophie et des arts libéraux au sud de la rosace. Kasarska interprète le frontispice occidental comme un ensemble, et ainsi les pignons et les fenêtres supérieures ne correspondent pas nécessairement directement au programme ci-dessous, mais plutôt aux thèmes généraux du frontispice occidental, en particulier l'eschatologie et le culte de la Vierge.

Sauerländer prend l'exemple des portails du transept à Chartres comme terminus ante quem pour la sculpture du portail sur le frontispice occidental à Laon, suggérant une date entre 1190 et 1204 Williamson place la sculpture ca. 1195-1205. Des parties du tympan et les deux archivoltes les plus intérieures du portail sud peuvent dater du troisième quart du XIIe siècle.

Sauerländer a exprimé le rôle de Laon comme pierre de touche pour le ymagiers à Chartres et Reims. Il a également pointé du doigt des prototypes de manuscrits et de ferronnerie pour le programme sculptural de Laon (il a notamment distingué le Psautier d'Ingeborg, aujourd'hui au musée Condé de Chantilly), bien que ce type d'appropriation soit difficile à prouver et tend à confirmer que au cours de cette période, il existait des modes similaires de rendu des chiffres à travers les médias.

Importance

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Premier arrêt : la cathédrale de Lausanne

Après une bonne nuit de sommeil, la ville nous accueille juste devant la salle de petit-déjeuner de notre hôtel. Le Swiss Wine Hotel by Fassbind offre une vue imprenable sur la cathédrale, le pont Bessières et la vieille ville. UNE café au lait et un croissant plus tard, nous partons pour une visite à pied de la ville.

Hilary, notre guide touristique, est une expatriée britannique qui vit à Lausanne avec son mari depuis des décennies. Elle connaît la ville comme sa poche. Nous traversons le pont depuis notre hôtel jusqu'à la cathédrale, qui domine l'horizon de la ville.

Comme beaucoup de villes suisses, Lausanne est un palimpseste pour l'histoire moderne. Dirigée à l'origine par une succession d'évêques catholiques, Lausanne a été envahie et essentiellement colonisée par les protestants bernois au XVe siècle.

La vieille ville compte un certain nombre de bâtiments municipaux construits par les Bernois au cours de cette période, et tous sont construits dans leur style caractéristique, contrastant avec le reste de l'influence française de la ville. Mais c'est la magnifique cathédrale qui porte les cicatrices les plus visibles de cette occupation.

Comme cela s'est produit dans de nombreuses villes européennes, l'iconoclasme, la destruction des images religieuses, a entraîné la suppression d'une grande partie des statues et gravures de la cathédrale. Ce qui a heureusement survécu, ce sont les vitraux et un portique entier qui avaient été barricadés lors de l'invasion bernoise, et ainsi conservés comme une capsule temporelle.

Lors de notre visite à la cathédrale, qui est également un site important pour les pèlerins (et les Instagramers), nous regardons une enseignante enthousiaste parler avec passion à son groupe d'enfants de maternelle des statues préservées, qui ont encore les restes de leur peinture colorée d'origine.

Mais la pièce de fête intérieure de la cathédrale est un orgue à tuyaux absolument spectaculaire, l'un des instruments les plus uniques au monde. Il pèse plus de 40 tonnes et compte 7000 tuyaux installés dans toute la structure du bâtiment.

L'orgue a été conçu pour ressembler à un ange flottant sur un nuage, et est vraiment une pièce d'ingénierie astucieuse à couper le souffle. La cathédrale organise des concerts publics et les gens viennent de loin pour l'entendre et la voir.


Art gothique germanique

En haut à gauche : La cathédrale de Wimpfen im Tal, une peinture de Michael Neher (1846). En haut à droite : l'église Sainte-Élisabeth&# 8217 à Marburg (Allemagne) a été construite par l'Ordre des Chevaliers teutoniques en l'honneur de sainte Elisabeth de Hongrie, elle a été consacrée en 1283. En bas à gauche : la cathédrale de Fribourg ou la cathédrale de Fribourg im Breisgau dans le sud-ouest de l'Allemagne, commencé ca. 1200. En bas à droite : La cathédrale de Trèves (Trèves, Allemagne), est la plus ancienne cathédrale du pays, le premier bâtiment remonte à ca. 270, il fut achevé en 1270.

Dans les dernières années de l'art roman germanique des formes gothiques ont commencé à s'insinuer. Le premier monument germanique aux formes ogivales est l'église de l'abbaye de Wimpfen de Tal, construite entre 1261 et 1278. Plus tard, plusieurs églises gothiques de style purement français ont été construites sur les territoires allemands, comme celle de Sainte Elisabeth de Marbourg, la cathédrale de Trèves, et bien d'autres.

Construite à la française, la cathédrale de Fribourg, avec trois nefs et une magnifique tour sur la façade au-dessus de la nef centrale.Il a été commencé en 1253 selon les plans de Jean de Gmünden. A l'extérieur, la très belle abside à déambulatoire et chapelles a les pinacles surmontés de pointes fines et de légers contreforts.

Dans ces églises gothiques, il ne reste rien de la disposition traditionnelle des cathédrales romanes allemandes, dont nous avons parlé dans un chapitre précédent, avec deux absides opposées, doubles croisées et entrées latérales. Le gothique français triompha en Allemagne, imposant non seulement des formes constructives et décoratives, mais dans la disposition générale des édifices : trois nefs précédées d'une façade, avec portes, croisée et abside, cette dernière parfois avec déambulatoire et chapelles.

Différentes vues de la cathédrale de Cologne à Cologne, en Allemagne. Elle est considérée comme la plus haute église à deux flèches à 159 m (515 pi) de hauteur. Elle a commencé en 1248 et a été achevée, selon le plan original, en 1880. Cette cathédrale est la plus grande église gothique d'Europe du Nord. Son chœur a également le plus grand rapport hauteur/largeur, 3,6:1, de toutes les églises médiévales.

L'œuvre la plus parfaite de l'architecture gothique en Allemagne, la cathédrale de Cologne, a probablement été conçue par un architecte français ou du moins par quelqu'un qui avait participé aux travaux de la cathédrale d'Amiens. Cette cathédrale monumentale de Cologne conserve encore un style français très pur. À Cologne, il y avait une cathédrale plus ancienne, mais après un incendie en 1248, le temple a de nouveau été reconstruit au milieu du style gothique. Le nom du premier architecte est inconnu. À la fin du XIIIe siècle est apparu le nom du maître Gerardo, mais plus tard, avec le temps, les travaux de construction avançaient lentement. Pour donner une idée de la lenteur de la construction de la cathédrale, le chœur, par exemple, n'a été consacré qu'en 1322 par la suite, la construction a progressé jusqu'au XVIe siècle, où elle a subi une interruption presque permanente. Après la découverte des rouleaux avec le plan de l'église, les travaux de construction reprennent en 1817 et ne se terminent qu'en 1880. La cathédrale est immense elle mesure 132 mètres de long sur 74 mètres de large au transept.

La disposition du plan d'étage est très similaire à celle de la cathédrale d'Amiens, bien que Cologne ait cinq nefs. A l'extérieur, la cathédrale montre une richesse extraordinaire : l'abside, sur laquelle s'appuient les voûtes de la nef et de la chapelle, est une véritable forêt de pinacles et de contreforts, et au-dessus de la croisée se trouve une petite lance. Cependant, la caractéristique la plus admirable de ce monument sont les deux tours, deux lances imposantes qui, en raison du climat brumeux du Rhin, semblent souvent se cacher parmi les nuages ​​les jours de brouillard. Leur hauteur n'est pas la même : l'une culmine à 159 mètres, l'autre à 146 mètres.

La cathédrale de Strasbourg (Strasbourg, Alsace, France). À 142 mt (466 pi), c'est la plus haute structure existante construite entièrement au Moyen Âge. Il a été construit entre 1015-1439.

Un autre grand monument religieux du bassin rhénan confirme la facilité avec laquelle le gothique français trouva réception dans les pays germaniques. Ce monument est la cathédrale de Strasbourg (appartenant aujourd'hui à la France), toujours avec une abside romane et à l'extraordinaire beauté de laquelle contribue non seulement la pureté des lignes de sa façade principale mais aussi son abondante décoration sculpturale. Sa façade est dominée par une belle lance gothique qu'Erwin de Steinbach a mise en place en 1439 sur le côté gauche. Ses sculptures seront discutées plus tard, en énumérant les œuvres les plus importantes de ce genre d'art dans les terres germaniques et en Europe centrale du XIIIe siècle jusqu'au milieu du XVe.

En haut : châteaux gothiques allemands. En haut à gauche : Le château du Haut-Kœnigsbourg (Orschwiller, Alsace, France). En haut à droite : L'Albrechtsburg, ancienne résidence de la Maison des Wettin, à Meissen (Allemagne) considérée comme étant le premier château à servir de résidence royale dans le monde germanophone construit entre 1472 et 1525, c'est un bel exemple de style gothique tardif. En bas à droite : La porte Holsten (Lübeck, Allemagne) construite en 1464 et représente l'un des vestiges des fortifications médiévales de la ville.

L'Allemagne est célèbre pour les châteaux médiévaux encore debout situés sur les rives du Rhin. Ils ont tous une enceinte fortifiée sillonnée de créneaux et formant une terrasse sur la vallée adjacente, généralement peuplée de vignes. Au centre de son noyau se trouve le bâtiment destiné aux pièces d'habitation, avec la haute tour carrée et la chapelle ou petite église située d'un côté. Dans le même bassin rhénan en Alsace (aujourd'hui territoire français) il est également inclus dans ce groupe de châteaux l'immense château du Haut Königsburg, qui fut acheté et restauré avant 1914 par Guillaume II – le Kaiser -. Les châteaux allemands sont assez nombreux en Saxe, à titre d'exemple celui qui est considéré comme le plus important, le château de Meissen (l'Albrechtsburg) qui domine la ville du même nom et qui, au XVIIIe siècle, était l'endroit où il a été fabriqué pour la première fois en Europe, une porcelaine authentique similaire aux Chinois.

En plus de ces châteaux, l'Ordre militaire des chevaliers teutoniques a promu la construction du leur en Prusse orientale et à travers la frontière avec la Pologne et les pays baltes afin d'abriter leurs garnisons. Le plus redoutable d'entre eux était celui de Marienburg, siège de l'autorité gouvernante de cet Ordre. C'était d'abord une sorte de grand château construit en pierre, aux murs épais et entouré de douves et avec ses pièces annexes réparties autour d'une grande cour carrée avec une chapelle presque isolée. Plus tard, de nouvelles salles et la grande salle pour la célébration des réunions de l'Ordre ont été construites ainsi qu'un palais dans lequel résidait son Grand Maître, toutes ces salles ont été organisées en trois ailes supplémentaires. Presque totalement détruit au cours de la Seconde Guerre mondiale, cet immense monument d'architecture militaire conserve encore, parmi les ruines de sa vaste enceinte, la belle salle capitulaire érigée au XIVe siècle, avec un grand pilier central d'où partent la voûte d'ogives. rayonner orné de tiercerons, trait si fréquent dans l'architecture civile gothique de cette époque.

Dans les villes libres du Rhin et en Allemagne centrale, il y avait un vif enthousiasme pour la communauté municipale. Par conséquent, au cours de ces siècles gothiques (XIII et XIV), de nombreuses portes monumentales de la ville ont été construites, telles que celle de Saint Severino à Cologne et la porte Holsten à Lübeck. Ces portes servaient généralement de passage entre deux tours très pointues distinguées de loin et recouvertes de tuiles colorées. Certaines des tours ont été englobées dans les villes, qui se sont étendues aux banlieues voisines, et servent aujourd'hui d'éléments décoratifs aux nouvelles places.

Hôtel de ville gothique allemand ou “Rathaus”. En haut à gauche : Le Rathaus d'Aix-la-Chapelle à Aix-la-Chapelle (Allemagne), commencé en 1330. En haut à droite : Le Rathaus de Lübeck à Lübeck. En bas à gauche : le Bremen Rathaus, commencé ca. 1400. En bas à droite : Le Weinstadel un bâtiment médiéval à Nuremberg, son nom dérive de sa fonction de domaine viticole, qui a été créé vers 1571.

De même, le populaire guildes* construit de grandes mairies (“Rathaus”) pour leurs communes. On pense que le plus ancien d'entre eux en Allemagne est celui d'Aix-la-Chapelle, qui possède des statues de princes du XIIIe siècle. Toutes les villes allemandes se disputaient l'hôtel de ville le plus riche de l'époque. Le plan d'étage d'un hôtel de ville allemand comprenait des salles pour la passation des marchés, des réunions publiques et celles des tribunaux de commerce. Au fil du temps, des bâtiments avec un plus grand nombre de services ont été nécessaires, et il a également été nécessaire de construire des chambres pour les membres du conseil d'administration et pour l'administration et des bureaux, qui ont été installés dans de nouvelles zones du bâtiment qui ont été ajoutées à son ancien noyau. Les mairies de Lübeck et de Brême, les grandes villes commerçantes de la Baltique, méritent d'être citées comme modèles de ce type de bâtiments. Autour de l'hôtel de ville se trouvaient les maisons des corporations, avec leurs enseignes d'or et de polychromie, ornées de statues de guerriers, de Vertus ou de Justice, dont les attributs polychromes faisaient l'orgueil des bourgeois allemands.

Jusqu'à ce qu'elles soient partiellement détruites pendant la Seconde Guerre mondiale, certaines villes comme Nuremberg et Cologne avaient des quartiers entiers avec des maisons en bois et leurs anciennes boutiques d'artisans, tous survivants de la vie corporative des siècles gothiques. La disposition d'une maison bourgeoise à Cologne, Nuremberg, Lübeck, etc., était à peu près la suivante : au rez-de-chaussée se trouvait la boutique, une chambre ou arrière-boutique, et l'atelier qui donnait sur la cour un petit escalier conduisait à la premier étage, où il y avait une cuisine et deux pièces : une donnant sur la rue, pour la personne principale de la famille, et une autre sur le patio. Les autres habitants de la maison, enfants, domestiques, apprentis, occupaient les étages les plus élevés avec des lucarnes. La partie basse des maisons était généralement construite en pierre, avec l'enseigne de la boutique travaillée en fer certaines maisons aux façades vides étaient décorées de fresques représentant des scènes du répertoire germanique médiéval : vices et vertus, saints et prophètes, ou parfois scènes de livres chevaleresques. Lorsque les maisons étaient construites en bois, la décoration des façades s'enrichissait de frises, d'arcs et de petits pilastres couronnés de pinacles, et les baies des fenêtres et des portes étaient également entourées de motifs ornementaux excessivement accumulés. Certaines maisons avaient des galeries sur la rue, décorées de corbeaux et de corniches.

À gauche et en haut à droite : La cathédrale de Bâle ou cathédrale réformée (Bâle, Suisse) construite entre 1019 et 1500 dans les styles roman et gothique. En bas à droite : L'abside de la cathédrale de Berne vue de l'extérieur (Berne, Suisse), cette église a été commencée en 1421.

Une cathédrale que l'on pourrait nommer « germanique » est celle de Bâle, bien que cette ville soit aujourd'hui un canton de Suisse. Elle ressemble beaucoup à celle de Strasbourg, avec des parties romanes dans le transept et dans les parties basses de l'abside. La cathédrale de Berne, construite un peu plus tard, montre complètement les traits du gothique allemand, qui était déjà bien caractérisé à la fin du XIVe siècle. Les cathédrales de Genève et Lausanne sont de style français, cette dernière a été restaurée par Viollet-le-Duc et complétée d'une flèche de plomb au sommet de la croisée. Son intérieur est très beau, est aujourd'hui voué au culte protestant sans autels ni ornements superposés, ce qui permet d'admirer son intérieur et la structure gothique de l'édifice mieux que toute autre cathédrale de style gothique français. À l'extérieur, elle est peut-être excessivement restaurée, mais comprend quelques détails importants comme le petit porche latéral, déchiré par des fenêtres divisées par de petites colonnes.

La cathédrale de Genève comporte encore des éléments romans, son style n'est pas aussi uniforme que celui de la cathédrale de Lausanne et elle est défigurée en façade avant par un dessin calviniste de style pseudo-classique. A l'intérieur, le temple reste intact, la Réforme s'est contentée de dépouiller ses autels.

La cathédrale Notre-Dame de Lausanne (Lausanne, Suisse) consacrée en 1275.

Les villes suisses, comme les municipalités allemandes, possédaient également leurs mairies, peut-être quelque chose de plus simple, dans le style de solides palais ruraux, sans fioritures et avec un grand toit. Les villes possédaient également des tours et des fontaines décoratives, semblables à celles des cités germaniques et couronnées d'attributs et de personnifications des vertus médiévales.

Le plus populaire de tous les châteaux européens est peut-être celui de Chillon, qui se dresse sur une petite île située à l'une des extrémités du lac Léman. L'ancien noyau de l'édifice est de pur style gothique du XIIIe siècle. Les salles, couvertes de voûtes d'arêtes massives, sont très célèbres car elles ont inspiré les lamentations de Lord Byron.

Trois vues différentes du château de Chillon, situé dans une île du lac Léman (canton de Vaud, Suisse). Ce château a été rendu populaire par Lord Byron, qui a écrit le poème Le Prisonnier de Chillon (1816) et a également gravé son nom sur un pilier du donjon. En haut à gauche : vue aérienne. En haut à droite : une des chambres du château. En bas : vue du donjon.

La sculpture gothique allemande semble avoir son origine dans l'école sculpturale de Saxe qui a produit au XIIIe siècle les sculptures des cathédrales de Magdebourg, Bamberg et Naumburg. Ces sculptures présentent encore certains signes typiques de l'art roman germanique. Un tel style artistique est notoire chez les vierges sages et folles de la porte nord de la cathédrale de Magdebourg qui ont la même représentation élégante de vêtements et d'attitudes typiques du roman allemand. La scène de la Dormition de la Vierge située dans le tympan de la même porte a été sculptée vers 1240, devant les figures des vierges déjà mentionnées.

Les deux groupes de sculptures représentant les cinq vierges sages et les cinq vierges folles dans la cathédrale de Magdebourg (Allemagne) de ca. 1250. A gauche se trouvent trois vierges folles et à droite trois vierges sages. Ceci est considéré comme la sculpture la plus remarquable de la cathédrale. Les sculptures montrent comment les cinq vierges sages étaient préparées et prêtes à apporter de l'huile à un mariage, tandis que les cinq vierges folles n'étaient pas préparées et n'apportaient pas d'huile, par conséquent elles devaient aller chercher de l'huile, étaient en retard et n'ont pas rejoint le mariage. L'artiste inconnu a magistralement exprimé les émotions dans leurs visages et leurs langages corporels, montrant une expression beaucoup plus réaliste, peu commune dans l'art médiéval. Toutes les figures sont différentes et ont des caractéristiques ethniques slaves. Les sculptures sont situées à l'extérieur de l'entrée nord du transept.

Les sculptures de la cathédrale de Bamberg montrent un réalisme et une originalité plus énergiques. Le maître qui, avant le milieu du XIIIe siècle, sculpta le tympan de la porte nord présente un style rappelant celui de la cathédrale de Reims mais, un peu plus tard, dans la porte sud du même temple un autre sculpteur s'exprima avec un particulièrement de style germanique lors de la sculpture des statues couvertes de verrières qui ornent cette façade. Ils comprennent, à gauche, les figures de saint Etienne, de l'empereur Henri II et de son épouse Kunigunde, et, à droite, les figures d'Adam et Eve nus avec saint Pierre, deux groupes de sculptures d'une grande expressivité artistique. Mais dans la statuaire de cette cathédrale, la figure la plus marquante est la statue équestre qui, selon la tradition, représente un roi ou un empereur non identifié : cette œuvre est d'un profond réalisme et a imprimé très clairement un sceau tout germanique qui insuffle une énergie indomptable à ce jeune guerrier à cheval.

Les portes de “Adamspforte” et “Marienpforte” (ou “Gnadenpforte”) de la cathédrale de Bamberg mènent aux tours orientales. Le groupe de sculptures à gauche comprend des figures (répliques) de saint Etienne, de Kunigunde et de son mari Heinrich II. A droite du portail se trouvent Saint Pierre et Adam et Eve. A gauche : La Dormition de la Vierge, sculptée dans les tympans du portail sud du transept de la cathédrale de Strasbourg. À droite : Le Cavalier de Bamberg, une statue équestre en pierre grandeur nature réalisée par un sculpteur médiéval anonyme dans la cathédrale de Bamberg (Allemagne). Datant d'environ 1237, il est situé sur une console au pilier nord du chœur Saint-Georges. Elle est considérée comme la première statue équestre monumentale depuis l'Antiquité classique, et aussi l'une des premières à représenter un fer à cheval. Sous les sabots avant du cheval se trouve l'une des nombreuses représentations sculpturales de l'homme vert.

Les statues de la cathédrale de Naumburg montrent une force réaliste similaire. Ils datent de 1270 et représentent les chefs féodaux avec leurs épouses. Ceux du Margrave Eckart et de son épouse, la belle et élégante Uta, sont des exemples d'une originalité absolue qui ne suggèrent l'existence d'aucun lien ou influence les liant à une sculpture française contemporaine. Dans cette même cathédrale, la sculpture de Saint Jean qui fait partie du calvaire située dans le mur de clôture du chœur, réalisée avant 1278, montre dans son attitude triste et dans le pli violent de son manteau, des expressions qui ne seront retrouvées que plus tard dans les œuvres de la sculpture allemande du milieu du XVe siècle.

Les Stifterfiguren (ou figures de donateurs) de l'artiste appelé Naumburger Meister (Maître de Naumburg) sont probablement l'œuvre d'art la plus connue de la cathédrale de Naumburg et sont souvent considérées comme l'œuvre la plus connue de la sculpture gothique primitive en Allemagne. Ces sculptures grandeur nature sont situées dans le chœur ouest. Deux d'entre elles représentent Uta von Ballenstedt et son mari Markgraf Ekkehard II de Meissen en couple. Cette sculpture est particulièrement célèbre en raison de la façon dont Uta tient son manteau et de ses beaux traits du visage.

Les différents sculpteurs qui travaillèrent à la cathédrale de Strasbourg de 1230 à la fin du XVe siècle reflétaient dans leurs œuvres toutes les tendances qui caractérisaient l'école de sculpture rhénane de cette époque. Jusqu'en 1250, les types sculpturaux de cette cathédrale d'Alsace suivaient les modèles des statues des cathédrales françaises de Chartres et de Paris, bien que certaines caractéristiques purement germaniques apparaissent dans les sculptures des tympans du portail sud particulièrement visibles dans la sculpture des vêtements et dans les mouvements des personnages dans les compositions. Sur cette porte se détachent les élégantes figures de l'Église et de la Synagogue, deux sculptures féminines dont l'aspect est complètement différent de celui qu'exhibaient les sculptures françaises de l'époque. Un autre style, plus vif et pittoresquement humain, domine dans les sculptures de la fin du XIIIe siècle jusqu'au premier tiers du siècle suivant situées sur la façade ouest de la même cathédrale, c'est-à-dire sur la façade gothique principale. De part et d'autre de la porte droite du triple portail de cette façade se trouvent les figures des vierges sages et folles de la parabole évangélique des Noces, avec la figure du séducteur qui offre, souriante, la tentation pomme au groupe des vierges folles. Au premier étage des tours de cette cathédrale se trouve une grande variété de sculptures élégantes, mais c'est à l'intérieur, dans l'un des grands piliers du transept sud, que se trouve l'œuvre sculpturale la plus singulière de ce temple : le soi-disant Pilier des Anges formé par un faisceau de colonnes orné de statues de sa base à son sommet. A la base se trouvent les figures des quatre évangélistes et réparties le long du fût de la colonne, quatre belles figures d'anges jouant des longues trompettes du Jugement dernier, tandis qu'au sommet il y a une figure du Christ accompagné d'autres anges tenant les instruments du La passion comme gage de la rédemption humaine.

Certaines des sculptures du portail sud, (appelé aussi portail du Jugement dernier) de la cathédrale de Strasbourg comportent à gauche la représentation de l'Église (à gauche), une femme couronnée et tenant un étendard en forme de croix et le calice. Cette figure est complémentaire de la statue située à sa droite représentant la Synagogue (à droite), les yeux bandés et le visage baissé, tenant une lance brisée en signe de défaite, tandis que son bras laisse tomber les Tables de la Loi. Ses yeux ont les yeux bandés parce qu'elle était censée être aveugle aux vérités de la Nouvelle Loi. Le portail sud de la cathédrale de Strasbourg présente le thème classique des vierges sages (à gauche) tenant une lampe et les tables de la Loi à côté de l'époux idéal, et des vierges folles (à droite) tenant les lampes à l'envers, avec les tables de la Loi fermée et à côté d'un homme qui tient la pomme de la tentation et avec des reptiles sur le dos. Sur les socles de ces statues figurent d'un côté les signes du zodiaque, et de l'autre les principaux ouvrages des champs. Situé dans le bras sud du transept de la cathédrale de Strarsbourg se trouve le pilier des Anges, édifié vers 1230. C'est le pilier central de la salle et porte douze belles sculptures : le premier rang représente les quatre évangélistes, surmontés d'anges jouant le trompette. Le groupe supérieur comprend le Christ, assis, entouré d'anges portant les instruments de la Passion.

Les sculptures polychromes qui ornent l'extérieur de la cathédrale de Fribourg, du début du XIVe siècle, sont pittoresques et non moins naturalistes, malgré leur petite taille et leur fabrication assez populaire. Malgré leur esprit germanique, ils rappellent les reliefs français.

Plus tard, la sculpture gothique allemande a été influencée par l'art néerlandais innovant. Dans les premières années du XVe siècle, les sculptures produites dans les régions riveraines du Rhin sont également influencées par le mysticisme rhénan. Ces influences sont notoires dans les formes ondulées ou anguleuses des plis des vêtements et dans la délicatesse de certaines figures féminines. La Vierge a toujours été représentée comme une jeune fille, tant dans les images de la Pietà (avec la jeune mère triste tenant sur ses genoux le corps décédé de son Fils), que dans la Vierge avec l'Enfant dans ses bras. A partir de 1400 environ, dans le sud de l'Allemagne ainsi qu'en Autriche et en Bohême, ces représentations ont acquis une beauté raffinée que l'on peut voir dans les soi-disant Belles Vierges qui se sont répandues en Pologne et dans les régions baltes. Mais ce n'est que vers 1430 que la sculpture germanique apparaît des écoles quelque peu différentes, en particulier dans le sud de l'Allemagne, et particulièrement en Bavière (Nuremberg) et en Souabe. Au départ, c'est Hans Multscher, artiste, sculpteur et peintre autrichien né dans l'Allgaü et établi à Ulm vers 1427, qui fonda l'école souabe. C'est lui qui a sculpté les images de l'autel de Wurzach et qui a sculpté les sculptures de personnages profanes dans la mairie d'Ulm, ainsi que le beau Christ ressuscité ou Homme de Douleurs du meneau de la porte de la cathédrale de cette ville (1429). Son œuvre se poursuivra jusqu'à la seconde moitié du XVe siècle.

A gauche : Vierge à l'Enfant, réalisée en grès à Nuremberg vers 1425-1430 (Metropolitan Museum of Art, New York). Milieu : Marie Madeleine, sculptée dans du bois à Bruxelles ca. 1480 (Musée national du Moyen Âge, Paris). Droite : Buste de la Vierge, fait en terre cuite avec de la peinture, de Prague ca. 1390-1395 (Metropolitan Museum of Art, New York). Quelques oeuvres de Hans Multscher : à gauche des figures polychromes sur la façade de l'hôtel de ville d'Ulm (Rathaus), à droite l'Homme de douleurs (Copie) dans le meneau du portail ouest de la cathédrale d'Ulm (minster).

Un autre artiste exceptionnellement doué finira par imposer un cachet d'idéalisme délicat à la sculpture germanique juste avant cette caractéristique de la période gothique tardive. Nikolaus Gerhaert est né à Leyde, aux Pays-Bas, bien qu'il ait travaillé en Allemagne et en Autriche. A partir de 1460, c'est son gisant à l'effigie de l'archevêque de Trèves Jacob von Sierck, et à partir de 1467 son Crucifié du vieux cimetière de Baden-Baden, œuvre qui révèle l'influence des styles sculpturaux de Flandre et de Bourgogne. À Strasbourg, Gerhaert a laissé quelques-unes de ses créations les plus délicates : la tête de femme (peut-être un portrait de Barbara de Ottenheim) conservée au musée de Francfort, ainsi que la délicate sculpture en demi-corps représentant un sculpteur (probablement son autoportrait) qui était autrefois à l'intérieur de la cathédrale de Strasbourg mais qui est maintenant exposé dans son musée. Ensuite, Gerhaert a déménagé à Vienne, où il a sculpté le luxueux tombeau en marbre rouge de l'empereur Frédéric III situé dans la cathédrale Saint-Étienne.

Quelques œuvres de Nikolaus Gerhaert. En haut à gauche : la tombe de l'archevêque Jakob von Sierck, ca. 1462 (Musée Dom Trèves). En bas à gauche : Buste reliquaire de Sainte Barbe, ca. 1465, sculpté en noyer avec peinture et dorure (Metropolitan Museum of Art, New York). À droite : Autoportrait (?), ca. 1463 (Musée de l'Ouvre Notre-Dame, Strasbourg).

Grâce à ce sculpteur et à d'autres sculpteurs sur bois de talent, comme Jörg Syrlin auteur des gravures qui ornent le chœur de la cathédrale d'Ulm, la maturité de la sculpture germanique s'affirme enfin. Une telle maturité artistique sera plus tard observée dans de nombreuses images et autels réalisés par les grands sculpteurs des dernières années du XVe siècle et des premières décennies du XVIe siècle dans les aperçus de la Renaissance allemande.

En haut : Le tombeau de Frédéric III, empereur du Saint-Empire romain, construit par Nikolaus Gerhaert (cathédrale Saint-Étienne, Vienne), considéré comme l'une des œuvres les plus importantes de l'art sculptural de la fin du Moyen Âge. En bas : “Secundus et Quintilius” quelques-unes des nombreuses sculptures des stalles du chœur de la cathédrale d'Ulm. Ces stalles de choeur du XVe siècle de Jörg Syrlin l'Ancien, en chêne et comprenant des centaines de bustes sculptés, représentent les bancs les plus célèbres de l'époque gothique.


Viollet-le-Duc, Eugène

Historien/restaurateur de l'architecture, théoricien majeur du gothique dans la France du XIXe siècle, responsable de la "sur-restauration" de nombreuses églises gothiques en France. Le père de Viollet-le-Duc était Sous-Contrôleur des Services pour les Tuileries, un poste de fonctionnaire, collectionneur de livres et passionné d'art. Sa mère (décédée en 1832) dirigeait les salons du vendredi depuis la maison familiale où assistaient des écrivains tels que Stendahl et Prosper Mérimée (1803-1870) - plus tard commissaire des monuments historiques. Son oncle célibataire, le peintre-savant E. J. Delécluze, habitait à l'étage et fut chargé de l'éducation de Viollet-le-Duc. Il a fréquenté Fontenay, une école connue pour son républicanisme anticlérical. Il participe à la révolution de 1830. Voulant une carrière d'architecte et politiquement libéral, Viollet-le-Duc a renoncé aux études à l'École conservatrice des Beaux-Arts au profit d'une expérience directe dans le bureau d'architecte de Jean-Jacques-Marie Huvé (1783-1852), et Achille- François-René Leclère (1785-1853). Entre 1831 et 1836, il visite les régions de Provence, de Normandie, les châteaux de la Loire, ainsi que les Pyrénées et le Languedoc. Il épousa sa femme Elisabeth en 1834 et obtint une chaire de composition et d'ornement dans une petite école indépendante, l'École de dessin de Paris. En 1836, il voyage en Italie où il visite Rome, la Sicile, Naples et Venise. Il revient à Paris en 1837 et étudie à l'École. Viollet-le-Duc est nommé commissaire aux comptes au Conseil des Bâtiments Civils en 1838, sous la direction de son ancien professeur, Leclère. Le Conseil contrôlait tous les bâtiments appartenant à l'État, tant leur construction que leur rénovation. En 1840, Mérimée, en tant qu'Inspecteur général des monuments historiques, la commission chargée d'assigner les projets de restauration, nomme Viollet-le-Duc pour la restauration de l'église de la Madeleine, Vézelay. Viollet-le-Duc a remplacé les voûtes en ogive postérieures du XIIIe siècle par des voûtes d'arêtes en plein cintre du XIIe siècle afin de donner une impression d'unité à la nef, mais en changeant le caractère de l'édifice. Il a continué à travailler sur d'autres restaurations d'églises, dont beaucoup avaient été endommagées pendant la Révolution française et avaient besoin d'un remplacement sculptural pour leur redonner leur ambiance didactique. À la Sainte-Chapelle et en 1844 à Notre-Dame de Paris, une commande avec son collègue Jean-Baptiste Lassus, Viollet-le-Duc substitue la nouvelle sculpture à l'ancienne, déplaçant souvent l'ancienne dans les musées. Notre-Dame a marqué la première des interventions extémistes de Viollet-le-Duc dans les églises, modifiant la construction pour s'adapter à sa vision romantique du moyen-âge. Les fameuses gargouilles (grotesques) de Notre-Dame, par exemple, sont entièrement ses inventions. Même dans ses reconstructions minutieuses, telles que le redécoupage de moulures sculpturales (Rheims), les qualités du XIXe siècle de ces œuvres sont apparentes. La « restauration » de ces édifices a solidifié la stature de Viollet-le-Duc. Il commença à publier ses théories du gothique en Annales archéologiques en 1845. En 1846, il travaille à l'abbaye Saint-Denis, à Avignon entre 1860-68, aux cathédrales d'Amiens (1849-1875) et de Reims (1861-1873) aux églises de Poissy (1852-1865) et de Sens. En 1854 il a publié son influent Dictionnaire raisonné de l'architecture. Un deuxième ouvrage important parut quatre ans plus tard. Le sien Entretiens sur l'architecture et Dictionnaire du mobilier de 1858 contenait une discussion sur le travail des orfèvres, les instruments de musique, les bijoux et les armures en plus des meubles. Ses propres croquis accompagnaient le texte. Bien que généralement salué en son temps pour ces restaurations, Viollet-le-Duc a eu ses détracteurs, dont le sculpteur Auguste Rodin. Viollet-le-Duc participe à de nombreuses commandes du gouvernement de la Monarchie de Juillet (1830-1848), et de la cour impériale de 1852 de Napoléon III, introduite par Mérimée. Il a maintenu une pratique architecturale personnelle en concevant des maisons, des églises et des châteaux. Les révoltes des étudiants contre son enseignement de l'histoire de l'art et de l'esthétique à l'École des Beaux-Arts ont abouti à son remplacement par Hippolyte Taine en 1864. Après sa mort, sa ressemblance a été placée comme l'un des douze apôtres sur les sculptures en bronze du toit de Notre-Dame. . John Newenham Summerson a qualifié Viollet-le-Duc de l'un des deux « théoriciens suprêmement éminents de l'histoire de l'architecture européenne » avec Leon Battista Alerti. Par rapport à ses contemporains, Viollet-le-Duc s'opposa avec véhémence à l'éclectisme que tant d'historiens imaginaient de style gothique. Dans la pratique, ses efforts peuvent cependant sembler inférieurs à sa théorie. Sa restauration de la cathédrale de Clermont-Ferrand, par exemple, a utilisé la conception de la rosace, du transept sud de la cathédrale de Chartres pour la fenêtre ouest de Clermont-Ferrand, la configuration des bas-côtés de la cathédrale d'Amiens et le tympan du Jugement dernier de Saint-Urbain, Troyes. Pourtant, il était un critique franc de l'éclectisme, en particulier au cours des dernières années, lorsque ses intérêts se sont tournés vers la construction de nouvelles églises de village. Il consacra beaucoup de temps aux projets de logements locatifs, de la maison du jardinier de la Maison Sabatier et de sa propre villa La Vedette à Lausanne (détruite). En tant qu'historien de l'architecture, Dictionnaire raisonné de l'architecture française a apporté une contribution substantielle à la connaissance contemporaine des édifices médiévaux.


Il abrite plusieurs musées époustouflants

Lausanne a toujours été étroitement liée au sport et aux Jeux Olympiques, il n'est donc pas étonnant que le Musée Olympique de la ville soit l'une de ses principales attractions.

Le musée est situé à Ouchy et fait face au lac Léman. De larges marches menant à plusieurs terrasses vous y conduisent. Vous passerez devant des jardins et des statues en bronze d'olympiens de l'époque où les Jeux olympiques modernes ont commencé en 1896 à Athènes.

Le musée interactif documente l'histoire des jeux de l'Antiquité à nos jours. Il y a aussi un bon café qui sert un très bon café et des gâteaux, ainsi qu'une boutique de cadeaux.

Un musée unique d'un genre très différent est la Collection de l'Art Brut. Installé dans un magnifique manoir, le château de Beaulieu, le musée présente une collection permanente d'œuvres d'art d'artistes autodidactes étrangers, de personnes marginalisées comme les prisonniers et même de malades mentaux. Il a vu le jour grâce à une donation de l'artiste et collectionneur Jean Dubuffet, et il y a aussi des expositions temporaires.

Connecté à la maison et à l'œuvre de l'écrivain C. F. Ramuz se trouve le musée Pully plutôt cosy.


Visite de l'ancienne cathédrale de Lausanne

Lausanne est une petite ville de Suisse située sur la rive nord du lac Léman. C'est une vieille ville avec une longue histoire, mais elle se sent vivante et moderne. Nous étions juste de passage en direction de Montreux, mais nous avons décidé de nous arrêter et d'explorer un peu.

En faisant des recherches sur notre voyage en Europe, j'ai lu que le quartier historique de Lausanne avait une vue magnifique sur la ville. Nous voulions prendre de bonnes photos, alors nous avons suivi les panneaux indiquant La Cité.

Le quartier historique se trouve sur une colline au-dessus du reste de la ville. Les voitures ne sont pas autorisées dans le quartier historique, nous nous sommes donc garés au bas de la colline et avons trouvé quelques marches menant au sommet.

Le quartier historique est beaucoup plus ancien que le reste de Lausanne. C'est aussi plus calme et paisible. Les rues pavées vous mènent devant des maisons et des magasins construits dans les années 1600 et 8217. Quelques maisons avaient des drapeaux suisses accrochés aux fenêtres. Une fois que nous avons atteint le sommet de la colline, la première chose qui a attiré notre attention a été la cathédrale de Lausanne.

Nous avons contourné le côté ouest de la cathédrale et avons trouvé une porte en bois massive ouverte, alors nous avons décidé d'entrer.

Une fois à l'intérieur, vous pouvez vous promener et explorer à peu près n'importe où. La cathédrale possède de magnifiques vitraux, des statues de marbre et de nombreux autres artefacts intéressants de la période médiévale.

Comme beaucoup d'autres cathédrales européennes, la cathédrale de Lausanne a pris des décennies à construire. La construction a commencé en 1170, mais elle n'a été terminée qu'en 1275.

Lorsque vous vous tenez dans le hall principal, regardez en arrière vers l'entrée et vous verrez l'énorme orgue à tuyaux de l'église construit sur mesure. La construction a duré 150 000 heures et a coûté 6 millions de francs suisses.

Après avoir regardé à l'intérieur de la cathédrale, nous sommes allés à la librairie et avons découvert que nous pouvions escalader le clocher. Toujours à la recherche de cette vue parfaite, nous avons payé le prix d'entrée (5 francs suisses) et avons grimpé l'escalier de la tour.

Le chemin menant au sommet n'était pas clairement indiqué, mais après quelques explorations, nous avons trouvé la bonne voie à suivre. Après une courte montée, vous arrivez au premier niveau du clocher. Il y a une passerelle qui fait tout le tour, de sorte que vous pouvez voir la vue de toutes les directions.

Continuez à monter les escaliers et vous atteindrez le niveau supérieur, qui possède l'un des meilleurs points de vue de Lausanne. La cathédrale et la ville de Lausanne se trouvent au premier plan, tandis que le lac Léman et les Alpes suisses offrent un arrière-plan pittoresque.

Promenez-vous autour de la cathédrale entre 22h00 et 2h00 et vous entendrez le guetteur de la tour crier l'heure toutes les heures. Depuis l'année 1405, quelqu'un est posté au sommet de la tour pour surveiller les incendies et informer les résidents de l'heure qu'il est.

La cathédrale de Lausanne a beaucoup de choses uniques et intéressantes à voir et c'est certainement quelque chose que vous devriez explorer vous-même. La cathédrale est ouverte de 9h à 19h d'avril à septembre et de 9h à 17h30 d'octobre à mars. Visites guidées gratuites de juillet à septembre.


Lausanne, Cathédrale Notre-Dame

Le porche accolé au flanc sud de la nef de la cathédrale de Lausanne illustre le potentiel panoramique de ce type d'espace architectural, et une restauration récente a ravivé une partie de la polychromie, ce qui a réanimé les acteurs des drames joués dans cette zone cubique. À la lumière de la qualité panoramique de cet espace, commençons notre examen de la sculpture faisant face à la porte et en procédant dans le sens des aiguilles d'une montre à partir de là.
Au-dessus de la porte se trouve un tympan avec une représentation du Christ dans une mandorle pointue, qui semble être soutenue par deux anges. Debout sur un piédestal peu profond à la droite du Christ se trouve une figure féminine, vraisemblablement la Vierge, dont les mains sont jointes dans un geste de prière. De l'autre côté du tympan, un ange présente une couronne au Christ, que ce dernier prend entre ses doigts. Deux anges debout tenant des encensoirs encadrent cette scène.
Le linteau se compose de deux panneaux : à gauche la Dormition de la Vierge à droite l'Assomption de la Vierge. Un entourage entoure la Vierge dans les deux panneaux. Ces scènes apparaissent comme des pièces pendantes, se reflétant dans la composition. Des différences apparaissent cependant dans les détails. Dans le panneau de l'Assomption, des anges aux ailes aux couleurs vives, représentés réveillant la Vierge, se substituent aux figures terrestres de la Dormition.
Au tympan se trouve le Couronnement de la Vierge, mais ici ce thème est repris différemment qu'ailleurs. La Vierge n'apparaît pas déjà couronnée (comme à Senlis, Mantes, Laon, Braine, Chartres et Amiens), ni couronnée par un ange descendant (comme à Notre-Dame de Paris, Longpont), ni le Christ placé couronne sur la tête (comme à Strasbourg et à Dijon). Au lieu de cela, à Lausanne, la Vierge se tient sur le côté, attendant son couronnement, comme un ange offre la couronne au Christ. C'est le prélude du couronnement, et cette composition est unique parmi les représentations existantes de ce thème. Dans sa description de la sculpture de Lausanne, Claude Lapaire envisageait la ymagier* de ce tympan à Lausanne en *metteur-en-scène, qui a accentué le drame du Couronnement en figeant dans le temps un moment d'échange qui a conduit au moment culminant. Ce sentiment de liberté avec l'iconographie dans le tympan contraste fortement avec la Dormition et l'Assomption dans le linteau ci-dessous, qui ont de nombreux apparentés iconographiques dans la sculpture ailleurs. Lapaire croyait que ce porche devait beaucoup au sentier tracé par le portail du Sacre à Chartres, et pourtant le premier prend des libertés avec le thème. L'iconographie des figures de colonne (les prophètes, par exemple) et le tympan sont uniques parmi les programmes sculpturaux existants.
Le bord inférieur du linteau coupe en deux le nimbe de l'ange au visage rond dans le trumeau. Les érudits ont identifié ce personnage comme étant l'archange Michel et ont suggéré qu'il détenait à l'origine les balances caractéristiques pour peser les âmes.
Des triades de colonnes de l'Ancien et du Nouveau Testament ornent les embrasures et les piliers du porche.Dans le montant droit, de gauche à droite, se trouvent Saint Pierre, avec une clé dans chaque main, Saint Paul, un livre fermé dans sa main gauche et Jean l'Evangéliste. Poursuivant notre balayage panoramique dans le sens des aiguilles d'une montre, sur la jetée reflétant le montant droit, de gauche à droite, se trouvent les trois évangélistes restants : Matthieu, avec un livre ouvert inscrit "Liber generationis Jesu Christi" Luke, avec une barbe en boucles d'escargot lâches et Mark, illustré dérouler un parchemin. En continuant dans le sens des aiguilles d'une montre jusqu'à la jetée suivante, nous trouvons, de gauche à droite, une triade de prophètes : Isaïe, tenant un disque avec sept colombes, David, couronné et portant un livre ouvert, et Jérémie, avec un chaudron enflammé. Enfin, en revenant à la porte, dans le montant gauche, nous trouvons Moïse avec les tablettes de la loi Jean-Baptiste tenant un disque arborant l'Agnus Dei et Siméon avec un enfant tirant sur sa barbe. Ces colonnes sont en outre animées de créatures hybrides et de motifs végétaux qui apparaissent aux pieds de ces douze personnages.
L'archivolte comprend deux arcades dont les voussoirs présentent des personnages variés assis sur des bases trilobées. Les archivoltes des trois travées environnantes du porche présentent également des personnages similaires, certains tenant des rouleaux, certains barbus, certains couronnés et d'autres enseignés. Claude Lapaire les a identifiés comme étant les Anciens de l'Apocalypse. Bien qu'il s'agisse d'une interprétation raisonnable (beaucoup d'entre eux portent des barbes, certains sont couronnés et plusieurs sont représentés avec des instruments de musique), nous ne pouvons exclure d'autres alternatives.
Le style de ce portail correspond au bras nord du transept de Chartres, et il partage également quelques repères stylistiques avec Strasbourg et Besançon. Comme l'a souligné Paul Williamson, le traitement de la polychromie reflète la peinture contemporaine sur ivoire, où la polychromie a été utilisée de manière sélective. Sur le plan stylistique et sur la base de la connaissance de la campagne bâtie à laquelle il appartenait, cet ensemble sculptural peut être daté des années 1220.

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Angelokastro est un château byzantin sur l'île de Corfou. Il est situé au sommet du plus haut sommet du littoral de l'île sur la côte nord-ouest près de Palaiokastritsa et construit sur un terrain particulièrement escarpé et rocheux. Il se dresse à 305 m sur une falaise abrupte au-dessus de la mer et surplombe la ville de Corfou et les montagnes de la Grèce continentale au sud-est et une vaste zone de Corfou vers le nord-est et le nord-ouest.

Angelokastro est l'un des complexes fortifiés les plus importants de Corfou. C'était une acropole qui surveillait la région jusqu'au sud de l'Adriatique et offrait un formidable point de vue stratégique à l'occupant du château.

Angelokastro formait un triangle défensif avec les châteaux de Gardiki et de Kassiopi, qui couvraient les défenses de Corfou au sud, au nord-ouest et au nord-est.

Le château ne tomba jamais, malgré de fréquents sièges et tentatives de conquête à travers les siècles, et joua un rôle décisif dans la défense de l'île contre les incursions des pirates et lors de trois sièges de Corfou par les Ottomans, contribuant de manière significative à leur défaite.

Lors des invasions, il a permis d'abriter la population paysanne locale. Les villageois se sont également battus contre les envahisseurs en jouant un rôle actif dans la défense du château.

La période exacte de la construction du château n'est pas connue, mais elle a souvent été attribuée aux règnes de Michael I Komnenos et de son fils Michael II Komnenos. La première preuve documentaire de la forteresse date de 1272, lorsque Giordano di San Felice en prit possession pour Charles d'Anjou, qui avait saisi Corfou de Manfred, roi de Sicile en 1267.

De 1387 à la fin du XVIe siècle, Angelokastro fut la capitale officielle de Corfou et le siège de la Provveditore Generale del Levante, gouverneur des îles Ioniennes et commandant de la flotte vénitienne, stationnée à Corfou.

Le gouverneur du château (le châtelain) était normalement nommé par le conseil municipal de Corfou et était choisi parmi les nobles de l'île.

Angelokastro est considéré comme l'un des vestiges architecturaux les plus imposants des îles Ioniennes.


Style architectural gothique (c.1120-1500)

Pour en savoir plus sur l'évolution générale de la conception architecturale,
voir : Histoire de l'architecture (3 000 avant notre ère - présent).

Pour un bref aperçu de l'activité artistique au Moyen Âge,
s'il vous plaît voir: Art médiéval (c.450-1450).


Choeur et autel de la cathédrale de Cologne.
Notez l'envolée verticalité de la
Style gothique rayonnant.

Architectural
Terminologie

Pour un guide, voir :
Glossaire d'architecture.

Le terme « gothique », appliqué au style de la fin du Moyen Âge, a été utilisé pour la première fois par Giorgio Vasari (1511-1574), moitié en plaisantant et moitié dédaigneusement, car les Italiens considéraient que les Goths avaient détruit la beauté de l'Antiquité classique. Dans ce mot s'exprimait toute l'aversion que la Renaissance en général, et l'architecture de la Renaissance en particulier, ressentaient pour les artistes médiévaux, ainsi que l'incapacité du sens méridional de la forme à comprendre et à sympathiser avec la réalisation nordique. Car l'architecture gothique était un développement de l'architecture romane du Nord, et il n'y a pas de ligne de démarcation nette entre elles. Appeler roman le style des arcs en plein cintre, et gothique celui des arcs brisés, est superficiel.

Pour comprendre la nature de l'art gothique, nous devons nous souvenir de la stratification progressive de la culture médiévale. Cela a commencé dans le cloître, et le latin est devenu la langue des classes instruites en Occident. Pendant longtemps, le clergé hésita à souiller son parchemin avec le discours du peuple, bien qu'il ait écrit le serment de Strasbourg de Louis d'Allemagne en 842, et, après 1000, les premières clauses italiennes et espagnoles apparaissent dans les titres de propriété.

L'art roman avait représenté l'unité dans la multiplicité, mais il ne pouvait imposer cette unité à une culture hétérogène qu'en s'appuyant sur les deux puissances qui lui étaient intimement liées à savoir, la séculier puissance de l'Empire, avec sa consécration spirituelle, et la spirituel Papauté, luttant toujours pour le pouvoir séculier. Avec le temps, l'Église se divise de plus en plus entre les ordres monastiques et le clergé, qui poursuivent des buts très différents, tandis que le pouvoir séculier entre en conflit violent avec ses vassaux. Alors que leur foi, avec sa conception d'une vie future, poussait les hommes à craindre Dieu et à fuir le monde, dans la pratique, ils se comportaient souvent avec la cruauté la plus sauvage et la sensualité débridée. Dans un siècle plus tard, Dante déplore cette divergence, longtemps réalisée par ceux qui renoncent au monde pour entrer dans le cloître, ou se réfugient dans le monde onirique de la poésie. Héros, belles femmes, saintes bienveillantes, c'étaient ces figures nobles et consolantes, humaines malgré leurs fantasmes ornements, que l'on regardait avec admiration. Au fur et à mesure que le monde des imaginations monastiques se substitua à celui de la fantaisie chevaleresque, le culte de la Vierge Marie, qui ne cessait de croître, changea aussi : l'hommage des courtisans éleva la Mère de Dieu à une nouvelle position de maîtresse adorée, elle devint alors Domina. , Madone.

La transformation de la forme qui s'est produite dans l'art gothique a reflété un changement dans l'ensemble de la culture occidentale. Les monastères et châteaux romans isolés ont été remplacés par des villes, dans lesquelles a évolué une société différente de celle qui l'avait précédée, mais qui était encore unie par le conception de la chrétienté. Dans les villes surpeuplées, les cathédrales gothiques ont surgi, remplies de tous les types d'art et construites par des mains laïques. Chroniques et chartes racontent l'élan religieux qui inspira, aussi bien les nobles que les gens du peuple à l'époque des croisades.

Le fait que tout le peuple y ait participé explique le caractère séculaire de l'art gothique. Un réalisme joyeux et humain a pris la place des anciennes formes hiératiquement stylisées. Au lieu de la feuille d'acanthe antique, les chardons, les chênes et les vignes apparaissent comme des motifs décoratifs, cela fait partie de la même tendance naturaliste que l'on retrouve dans la littérature médiévale, qui présentait les légendes de la Vierge, et les jeux de miracle et de mystère, dans un solide et idiome réaliste.

Alors que les plus grandes réalisations de l'art roman exprimaient une soumission absolue à l'autorité, l'art gothique, à son apogée, était la synthèse de la pensée médiévale tardive, l'accommodation entre l'esprit et la matière, Dieu et le monde. Lorsque les hommes du siècle des Lumières ont déclaré que la philosophie scolastique n'était qu'une tentative de faire passer le chameau de la foi dans le chas de l'aiguille de la raison, ils ont oublié que la philosophie scolastique a prospéré, non après le mysticisme, mais en même temps.

Le temple grec à toit plat, se tenant sereinement content de ce monde, et la cathédrale gothique, aspirant sans cesse au ciel, expriment deux attitudes fondamentales d'esprit, qui ont eu des effets tout à fait différents sur les beaux-arts de l'époque.

Pour en savoir plus, voir : Architecture grecque (c.900-27 BCE) pour en savoir plus sur les arts et l'artisanat médiévaux, voir : Medieval Christian Art (c.600-1200).

Origines du style gothique

Le style gothique, en tant que modèle pour tout le monde occidental, est d'abord originaire de France, et ce n'est qu'en partant de là que nous pouvons le comprendre, suivre son évolution et suivre ses changements dans d'autres pays. En France, le système chevaleresque évolua plus rapidement et plus brillamment qu'ailleurs la langue s'épanouit en poésie, et la scolastique fut enseignée partout, pas seulement à Paris, la France était au sommet de la culture occidentale. L'art chrétien n'était plus confiné aux cours et aux anciens ordres monastiques aristocratiques, mais devint la possession commune de la petite noblesse et de la classe marchande, ainsi que des nouveaux ordres de frères franciscains et dominicains, qui se mêlèrent au peuple.

En ce début d'une nouvelle ère, le nouveau style gothique est né, bien que personne ne s'en rende compte à l'époque. Lorsque l'abbé Suger de Saint-Denis, en 1140, commença le chœur de son abbaye, consacrée le 11 juin 1144, devant une congrégation choisie de princes séculiers et spirituels, il ne se douta pas qu'il assistait à la naissance d'un nouveau style. Dans un récit très complet et détaillé, il a tout enregistré, de l'extraction de la pierre aux inscriptions sur les superbes vitraux. Pourtant, il n'y a aucune référence au nouveau style. Pour les hommes de cette époque, le gothique était l'expression naturelle de leur être essentiel.

Lorsque le style gothique, après un long oubli, fut enfin redécouvert, il fallut quelque temps avant que son développement ne fût bien compris. L'affirmation de Lefèvre-Pontalis, à la fin du XIXe siècle, que "l'art gothique tout entier a son origine dans la voûte d'ogives, qui, comme un grain de blé, contient le germe d'une riche moisson", exprimait l'opinion générale de positivisme scientifique, et a été répété jusqu'en 1922. Si cela est exact, alors une technicité était à l'origine d'un style qui devait durer des siècles et influencer la sculpture et la peinture non moins que l'architecture.

On pourrait aller plus loin et mentionner l'arc brisé islamique que les croisés virent en Orient sans parler de l'influence que la littérature arabe et les humanités arabes eurent en France à cette époque. Que, en matière de décoration, l'art gothique doive beaucoup à l'Orient, on ne peut le nier mais celui qui regarde une cathédrale gothique sans préjugé ne pourra l'expliquer par la voûte d'ogives, ou par le modèle de l'art islamique, qui est pas fonctionnel, mais décoratif dans son intention.

Conception architecturale gothique

Ce n'est qu'avec les études psychologiques du siècle actuel qu'une approche correcte du problème de l'origine de l'architecture gothique est devenue possible.Au cours du siècle dernier, une énorme richesse de détails a été collectée, et maintenant, après de nouvelles recherches, nous avons une idée précise de l'ordre de succession des bâtiments individuels et pouvons dans une certaine mesure expliquer l'origine du style gothique.

Il existe de nombreuses églises de la période de transition avec des voûtes d'arêtes ou des arcs brisés, qui restent essentiellement de conception romane alors qu'en revanche il existe des églises gothiques qui incorporent des formes anciennes. Si nous devons tracer la ligne de démarcation entre roman et gothique, la connaissance des parties individuelles est moins importante que la compréhension de la conception architecturale dans son ensemble.

L'église Saint-Etienne de Caen, consacrée en 1077, témoigne, en termes purement romans, d'une intention qui aurait suffi à elle seule à initier un nouveau style. L'immense façade ouest, construite vers 1080, s'élève au-dessus d'une base insignifiante, et la tendance vers le haut est indéniable, mais ce n'est qu'à certains endroits que le bâtiment se détache de la masse cubique et commence à se déplacer. Plus intéressante que la cathédrale d'Angers et l'église cistercienne de Pontigny, qui incarnent en Anjou et en Bourgogne le gothique primitif, est la cathédrale de Laon, commencée vers 1165. Sa façade montre clairement que le passage au gothique a pu s'effectuer tout à fait indépendamment de l'arc pointu. Ici, la tendance architecturale du XIIe siècle, la période du gothique primitif français, s'exprime avec une merveilleuse complétude. Aucune ligne, aucune surface n'existe plus pour elle-même, comme dans l'édifice roman. Si l'on imagine les tours de Laon portant de hauts clochers octogonaux, chaque étage perd son évidente délimitation, et semble s'étendre sur le suivant. Au moyen de maillons de liaison, une sensation de mouvement vif est instillée dans le tissu, qui se soulève vigoureusement vers le haut, non pas d'un seul coup, mais avec des efforts répétés, tandis que les coins diagonaux offrent des vues obliques qui attirent le regard de chaque point de vue.

Au XIIe siècle, dans la cathédrale de Chartres (1194-1250) et dans la cathédrale Notre-Dame de Paris (1163-1345), l'étape suivante de ce développement logique a été atteinte. La cathédrale de Reims, commencée en l'an 1212, est encore plus libre et plus audacieuse dans la forme. (Remarque : la cathédrale de Reims a eu une influence importante sur l'architecture américaine : voir, par exemple, la cathédrale catholique romaine Saint-Patrick de New York (1858-88) conçue par James Renwick, 1818-95.) Enfin, toutes les tendances antérieures ont été réunies dans La cathédrale d'Amiens, construite en 1218-1288, et l'incarnation la plus pure du style gothique, qui a donné un exemple du « haut gothique » dont toute l'Europe occidentale avait beaucoup à apprendre.

Ces formes pures sont d'une grande importance pour l'observateur moderne, qui oublie trop facilement que des générations entières ont travaillé à la construction des églises médiévales, dont la plupart sont des églises romanes restaurées ou agrandies par des bâtisseurs gothiques. Ainsi, à Amiens, on voit en haut de la tour de gauche des baies à quatre cintres, et la grande rosace du centre porte le motif caractéristique en vessie de poisson du style flamboyant, comme on appelait le gothique tardif en France. dès le début du XVe siècle. Un bel exemple de la forme gothique haute de la rosace se trouve dans le transept de Notre-Dame. L'âge classique du « haut gothique » en France coïncide approximativement avec le règne de Louis IX (1226-70). En très peu de temps, le pays se couvrit de nouvelles cathédrales, construites en grès blanc brillant. Dans la volatilisation des masses architecturales, cet art atteint les limites du possible. Par exemple, la Sainte Chapelle, Palais de la Cité, Paris (1241-48), commencée sous Louis IX en 1243, est une église à une seule nef superposée à une église à trois nefs dans sa superstructure les larges fenêtres quadripartites ont presque entièrement remplacé le mur. Pour plus d'informations sur la Sainte-Chapelle à Paris, voir : Architecture gothique rayonnante (1200-1350) - comparer la façade ouest de la Sainte-Chapelle à Vincennes (1379-1480), qui illustre l'architecture gothique flamboyante (1375-1500).

En comparaison avec les magnifiques nouvelles églises de Normandie et du centre de la France, celles du sud du pays étaient plutôt froides et peu impressionnantes. Ce n'est qu'en Bourgogne qu'un petit groupe d'églises a adopté le style gothique et l'a transmis à Genève et à Lausanne, où se trouve la plus belle cathédrale gothique de Suisse.

Après que le gothique eut atteint son apogée en France, et était arrivé à son apogée logique, il y eut une pause naturelle. En Normandie, le vieil esprit lucide, mais plutôt sobre, du pays se fait moins sentir dans la construction des grandes cathédrales, comme celle de Rouen, que dans les nouveaux bâtiments de Coutance et de Bayeux, siège de la célèbre Tapisserie de Bayeux (c .1075). La cathédrale de Bourges a suivi le modèle de Notre-Dame de Paris elle remonte à l'an 1179, mais n'a été achevée, après de nombreux retards, qu'au XIVe siècle. Il a cinq bas-côtés, et les deux bas-côtés intérieurs, comme dans le chœur de la cathédrale du Mans, sont plus hauts que les extérieurs. Cela tend, bien sûr, à rompre l'unité spatiale de l'intérieur, mais cela n'exprime pas pleinement l'esprit essentiel du système gothique. Ce système doit maintenant être brièvement décrit, afin que l'on puisse voir comment le style gothique, évolué en France, a été adopté dans le reste de l'Europe.

Caractéristiques du style gothique

Quelque chose de l'ancien plan roman, survit dans le plan d'une simple église gothique dans la cathédrale classique, il est élaboré et raffiné au dernier degré. Les besoins de construction ont provoqué le changement. L'arc en plein cintre roman nécessitait des piliers très massifs pour supporter le poids des murs, mais même ainsi la poussée de la lourde voûte d'arête menaçait constamment de faire dérailler les murs. La tentative de les soulager de leur charge a inévitablement conduit à la arche pointue, ce qui rendait les lignes de pression plus presque verticales. Plus importante était la possibilité, donnée par l'arc brisé, de recouvrir des travées de dimensions inégales par des arcs de même hauteur. Cela restaure la liberté qui était perdue dans le système roman des « fiancés ». Or, le carré tyrannique de la nef centrale pouvait être divisé en deux rectangles dont chacun s'harmonisait avec une travée carrée du transept. La différence entre les piliers des arcades et le pilier des baies était abolie, le rythme était moins insistant, mais l'orchestration était beaucoup plus riche. La lourde voûte, qui dictait tout le système structurel de l'église romane, fut remplacée par des remplissages légers qui s'étalaient en panneaux entre les croisées d'ogives. Les côtes seules, au lieu de toute la lourde voûte, portaient la charge.

Afin d'éviter que les murs ne soient poussés d'aplomb, l'édifice gothique avait de solides contre-piliers sur ses murs extérieurs, d'où arcs-boutants, comme des bras d'appui, s'étendaient au-dessus des bas-côtés. La structure a été placée à l'extérieur du bâtiment, de sorte que la nef puisse s'élever librement vers le haut. Dans les églises romanes, le rapport hauteur/largeur était de 2:1, il est maintenant devenu 3:1 et même plus, de sorte que l'œil ne pouvait plus le percevoir. La nef avait trois ou cinq nefs, tandis que le transept en avait généralement trois. Les bas-côtés continuaient autour du choeur polygonal, dont le plan élaboré n'offrait plus aucune difficulté, puisque les parties les plus compliquées pouvaient être couvertes de voûtes. Les piliers prennent la forme d'amas de demi-colonnes et de trois quarts de colonnes (appelés puits de voûte), de sorte que le noyau cylindrique disparaît presque. Les parties ascendantes de cette grappe, qui supportent les nervures longitudinales et transversales, sont plus fortes que les autres, tandis que les tiges plus légères rejoignent les nervures diagonales. À partir de ces tiges groupées, la pierre semble s'étirer vers le haut, comme une plante, de sorte que l'on n'est jamais conscient de la charge imminente vers le bas. Le majuscule perd sa signification originelle de support maintenant, peu employé, il devient un accent dans le schéma rythmique.

Pour éviter toute allure de poids à l'extérieur de la cathédrale gothique, de petits pinacles sont placés sur les arcs-boutants. Au-dessus du corps quadrilatéral du pilier s'élève le flèche pyramidale. Sur les coins de la maçonnerie, de petits crochets s'élèvent vers le haut, se rejoignant, au sommet de la flèche, en un fleuron. Parfois, les ornements ont la forme d'êtres vivants, comme lorsque les gargouilles prennent la forme d'animaux. La plus grande concentration d'ornement se trouve sur la façade. Au-dessus des portes, qui reprennent le motif des toits, s'élèvent des pignons pointus avec leurs moulures de capot, l'espace triangulaire étant rempli de Entrelacs gothique du genre qui remplit et encadre les fenêtres pointues. C'est sur les « galeries royales » qui, dans le gothique français, apparaissent souvent au-dessus des portes, et surtout sur leurs jambages ou chambranles, que les sculpteurs gothiques ont prodigué leur plus grande habileté.

Sculpture architecturale gothique

Pour comprendre la sculpture gothique, il faut d'abord la considérer en France. A cette époque, le Midi de la France était encore riche en sculpture romaine (elle-même entièrement dépendante de la sculpture grecque), que les sculpteurs de Saint Trophime, à Arles, Saint-Pierre, à Moissac, et de l'abbatiale Saint-Gilles, prirent pour des modèles. La pratique romaine de faire du porche un élément décoratif était bien mieux adaptée au gothique qu'au roman, où le tissu cubique autonome n'était entré que par des portes à encadrements peu profonds. Dans l'architecture gothique, il était pour la première fois possible de voir l'imagination se déchaîner dans une richesse d'art biblique - sous forme de sculpture en relief - autour des portails et des portes.

Le groupe de la Visitation de Reims, dans lequel Marie semble se mouvoir du pas léger de la jeunesse, tandis qu'Elisabeth a l'allure plus austère d'une femme âgée, montre, précisément parce que ces figures sont représentées en costume classique, ce que le Nord avait fait de l'art antique. Ici, l'idéal gothique de la figure humaine est clairement révélé. Dans toute l'Europe, en France comme en Allemagne, une sage modération était devenue la norme de la vie aristocratique. Malgré des différences de style et de costume, les prophètes de la cathédrale de Strasbourg et de la Vierge Krumau, avec une noblesse calme, font les mêmes gestes retenus et solennels. Le corps humain, pour les Grecs l'expression de l'âme, devait maintenant s'abandonner à l'idiome du vêtement. Le corps, que François d'Assise avait appelé frère âne, était pour les artistes gothiques un néant. De même qu'il disparaissait pour le mystique, pour le sculpteur il disparaissait dans les vêtements étouffants mais la tête en sortait encore, expression éternelle de l'esprit.

À partir de 1250 en France, et de 1300 en Allemagne, les églises de style gothique ont été construites presque entièrement par des architectes et des tailleurs de pierre laïques. Les anciennes corporations de maçons ont été remplacées par des corporations permanentes. Les maîtres individuels de la sculpture sur pierre, et leurs élèves, distinguaient parfois leur travail par leurs marques personnelles, mais ils étaient tous inspirés par le même idéal, et la sculpture gothique peut être considérée comme une création homogène. Si les figures de Notre-Dame, à Paris, ont souffert pendant la Révolution française, et au XIXe siècle ont été restaurées par Viollet-le-Duc, on peut étudier le style relativement ancien et austère, lié au style de ces figures, en les statues autour de la porte de la cathédrale d'Amiens, qui ont été faites vers 1240. La figure du Christ à l'entrée principale, "le beau Dieu d'Amiens", a une ressemblance suggestive avec les deux mille figures et reliefs, grands et petits, de Chartres, dans la plupart desquels la raideur romane survit encore. Mais c'est dans la façade principale de la cathédrale de Reims, construite à la fin du XIIIe siècle, que la sculpture gothique française atteint son plus haut niveau. Comparer : Sculpture romane (1000-1200).

Style de design gothique allemand

Le « haut » gothique, tel qu'il a évolué en France, a toujours été une forme étrangère en Allemagne. Le plus grand monument de l'art gothique, la cathédrale de Cologne (1248-1880), dont la première pierre a été posée en 1248, s'est arrêté après la achèvement du chœur. Le bâtiment s'éternisa jusqu'au XVIe siècle, mais en 1560, la volonté et les moyens d'en faire plus semblaient épuisés. Les travaux ont été repris en 1862 et en 1880, ils étaient terminés. Son plan au sol a été conçu au Moyen Âge sur les lignes d'Amiens et de Beauvais. L'intérieur, avec la lumière qui y pénètre, donne une impression parfaite de la cathédrale gothique classique.

En 1208, avant que la cathédrale de Cologne ne soit commencée, le choeur de la cathédrale de Magdebourg avait été construit sur le modèle français, et entre 1227 et 1243 le Liebfrauenkirche à Trèves a été construit sous la forme d'un cercle coupé par une croix, contrairement au plan français habituel. Sur le Rhin, à Strasbourg ou à Fribourg, l'influence occidentale est encore la plus forte, mais ce n'est plus le cas plus à l'est, bien que même là, comme le rapportent souvent les chroniques, les églises sont construites par des tailleurs de pierre venus de France.

Par ses constructions en briques, matériau qui exigeait une ornementation plus simple et une disposition différente des murs, l'Allemagne du Nord enrichit le style gothique. Le matériau peu coûteux a permis de concevoir de grands édifices, dont l'exemple le plus brillant est le Marienburg, qui affiche dans sa grande salle de banquet l'habileté consommée du gothique tardif.

Avec ceux-ci, et avec des bâtiments tels que la Hallenkirchen, ou l'église de St George, à Dinkelsbuhl, on arrive à un point au-delà duquel de nouvelles formes architecturales ont été créées.

Sur les façades des cités médiévales allemandes, au cours du temps, l'insurrection gothique s'installe progressivement - mais non sans récidives - dans le rythme tranquille de la Renaissance, tout en s'en tenant obstinément aux formes gothiques. Les choses étaient à peu près les mêmes aux Pays-Bas, où, vers la fin de la période gothique, dans les nombreux centres commerciaux riches, des hôtels de ville et des salles des corporations richement ornés ont été érigés: de longs bâtiments avec des oriels et de hauts pignons. Une haute tour solidement bâtie, le beffroi, s'élevait avec défi au-dessus des toits de Bruxelles, Bruges et d'autres villes. Le style gothique avait conquis tout le nord en Suède, en 1287, la cathédrale d'Upsala avait été construite par un architecte français tandis qu'en Norvège les cathédrales de Stavanger et de Trondheim étaient dérivées du gothique primitif anglais.

NOTE : Les formes gothiques en Allemagne ont le plus duré dans la sculpture gothique allemande, notamment dans la sublime sculpture sur bois de Tilman Riemenschneider (1460-1531), qui a fait le célèbre Autel du Saint-Sang (1499-1504, Rothenburg), Veit Stoss (1445-1533), surtout connu pour le Maître-autel de l'église Sainte-Marie, Cracovie (1484) et Michael Pacher (1435-98), connu pour la Retable de Saint Wolfgang (1471-81).

Style de conception gothique anglais

En Angleterre le nouveau style d'architecture est venu, par la Normandie, plus tôt qu'en Allemagne, néanmoins, c'est dans l'architecture gothique anglaise que le nouveau style a trouvé sa plus large sphère d'expansion. Dans leur confortable mélange des bâtiments ecclésiastiques avec les maisons d'habitation du clergé, dans leur retraite tranquille derrière des murs de protection et des maisons de garde, les clôtures de la cathédrale anglaise sont un charmant tableau du Moyen Âge. Ils ne sont pas toujours posés au milieu de la ville, comme ceux du Continent souvent le cimetière verdoyant entoure la cathédrale et mène parfois à la campagne au-delà. A l'ancienne mode normande, le corps de la cathédrale, avec ses diverses divisions, est de grande longueur, et pour recevoir les processions des pèlerins, le chœur était souvent agrandi à l'extrémité orientale.

Le système gothique complet a été apporté à Cantorbéry en 1175 par Guillaume de Sens, qui a reconstruit la cathédrale. Dans le style anglais ancien (1175-1250), l'arc brisé était victorieux, mais ce n'est que là où l'influence française était complètement prédominante que la tendance anglaise vers les lignes horizontales a été supprimée. La cathédrale de Salisbury, construite et achevée dans les années 1220-58, doit être considérée comme le plus bel exemple de ce style. Dans la cathédrale de Wells, le transept et la nef, ainsi que la façade, avec sa richesse inhabituelle de figures décoratives, sont encore du gothique primitif, tandis que le chœur n'a été ajouté qu'au XVe siècle.

Le style « Gothique Haut » ou Décoré, 1250-1375, apparaît près de cinquante ans plus tard qu'en France. Il est à juste titre considéré comme un style anglais, car il n'avait pas le caractère logique du gothique français, il donnait toute la place aux détails décoratifs et fut le premier style à faire un usage intensif de lignes fluides dans ses entrelacs, ainsi que de l'éventail gracieux. voûte qui fut si favorisée, dès le début du XIVe siècle, par le style anglais, de type Renaissance, gothique tardif ou perpendiculaire. Le cloître de la cathédrale de Gloucester est l'une des créations les plus parfaites de ce genre, dans laquelle l'art anglais semble anticiper le cours de l'évolution, et fournir un point de départ pour le style Flamboyant français, qui, à part l'exemple isolé de l'étoile -Voûte d'Amiens, n'apparut qu'en 1375. La France, patrie d'origine du style gothique, avait quelque chose à apprendre des innovations des Anglais.

Si la cathédrale d'Exeter, dont les parties principales ont été construites dans le même style, est l'exemple le plus pur du haut gothique anglais de 1327-69, la nef de la cathédrale de Winchester reconstruite après 1393, avec sa magnifique voûte, l'articulation efficace de ses piliers , et les galeries aveugles à la place du triforium gothique, représente la transition vers un nouveau style. L'arc à quatre centres, qui a été introduit en Angleterre après 1290, et était encore la forme prédominante dans la cathédrale de Winchester, a été un peu aplati à partir d'environ 1450, devenant le « arc Tudor » de la période suivante, dont le plus beau et la plupart des exemples artistiques sont à voir dans l'abbaye de Westminster. Nous y reviendrons plus tard.

En ce qui concerne la sculpture, alors que l'Angleterre était étroitement liée à la France, la sculpture gothique anglaise ne différait pas beaucoup de la continentale. Les portes plus petites des cathédrales anglaises ont obligé à placer les plus grands éléments décoratifs sur les façades. A Wells, plus de six cents figures ont échappé à la fureur iconoclaste des puritains, et celles-ci donnent une juste idée de la sculpture anglaise de l'époque.

Le style gothique est réapparu en Angleterre à l'époque de l'architecture de la fin du XVIIIe siècle, dans le cadre du "goût gothique" et du mouvement néo-gothique ultérieur, qui a dominé une grande partie de l'architecture victorienne (vers 1840-1900).

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