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Ira Aldridge


Ira Aldridge est né à New York le 24 juillet 1807. Son père, un pasteur, l'a envoyé à l'African Free School. En tant que jeune homme, Aldridge a développé un amour du théâtre. Conscient qu'une carrière d'acteur en Amérique serait difficile, il décide d'émigrer en Angleterre. Il obtint un emploi comme steward de navire et arriva à Liverpool en 1824.

Aldridge est apparu dans le rôle d'Oroonoko dans A Slave's Revenge au Royal Coburg Theatre en octobre 1825. Les critiques étaient mitigées et bien que The Globe ait trouvé sa voix « distincte et sonore ». Les temps le critique s'est plaint qu'il ne pouvait pas prononcer l'anglais correctement "en raison de la forme de ses lèvres".

Au cours des années suivantes, il apparaît dans des pièces de théâtre à Manchester, Sheffield, Halifax, Newcastle, Liverpool, Hull, Sunderland et Belfast. Après sa performance dans Othello à Scarborough, il a été décrit comme « un acteur de génie ». Il est également apparu dans plusieurs rôles blancs comme Shylock, Macbeth et Richard III.

En 1833, les critiques de journaux ont commencé à faire des commentaires ouvertement racistes à propos d'Aldridge. Un critique a protesté "au nom de la bienséance et de la décence" contre la décision de jumeler Aldridge avec l'actrice Ellen Tree. Il a ajouté qu'il n'aimait pas que Tree soit "tapoté sur scène par un homme noir".

À la suite de ces attaques, les théâtres de Londres ont refusé de l'employer. Cependant, il était très demandé dans le théâtre provincial et un journal a décrit sa performance en tant qu'Othello comme étant si bonne qu'elle ne pouvait « être égalée que par très peu d'acteurs d'aujourd'hui ».

Frustré d'être mis sur liste noire à Londres, il décide de quitter l'Angleterre et se produit sur scène à Bruxelles, Cologne, Bâle, Leipzig, Berlin, Dresde, Hambourg, Prague, Vienne, Budapest, Dantzig, Saint-Pétersbourg, Moscou et Munich. Pendant son séjour en Russie, il est devenu l'un des acteurs les mieux payés au monde lorsqu'il a reçu 60 £ pour chaque représentation. Un critique russe a déclaré que les soirées où il a vu Othello, Lear, Shylock et Macbeth d'Aldridge « étaient sans aucun doute les meilleures que j'aie jamais passées au théâtre ».

Ira Aldridge est décédé lors d'une tournée en Pologne le 7 août 1867.


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Alors que nous commençons à célébrer certains de nos acteurs et histoires noirs shakespeariens préférés, n'oubliez pas qu'il ne s'agit que d'une poignée de personnes incroyables et d'œuvres théâtrales dignes d'éloges. Nous partagerons également des liens vers d'autres sites contenant d'excellentes informations. Nous vous encourageons à continuer à découvrir et à partager vos favoris !

Ira Aldridge est considéré comme le premier, ou au moins l'un des premiers, grands acteurs noirs shakespeariens. Né en 1807 à New York, il était le fils de parents libres, bien que l'esclavage soit toujours légal dans l'État de New York. L'histoire pense que son père voulait qu'il devienne prédicateur, mais après quelques années à fréquenter l'African Free School, Aldridge a attrapé le virus du théâtre. Son premier rôle de Shakespeare était probablement Roméo dans Roméo et Juliette. Il a peut-être joué à l'African Grove Theatre de New York, mais il n'y a aucune trace de lui en tant qu'acteur.

Aldridge s'embarqua pour l'Europe à l'âge de 17 ans. Il avait été victime de racisme aux États-Unis et il savait qu'il aurait de meilleures chances de devenir un acteur respecté ailleurs. Il a commencé à se produire sur les scènes de Londres peu de temps après son arrivée et a rapidement gagné en popularité, en tournée en Europe et est devenu l'un des acteurs les mieux payés à l'époque. Il a connu le succès en jouant des rôles dans des pièces de Shakespeare telles que Othello, Shylock et Aaron. Aldridge a enduré plus de racisme lorsqu'il a joué aux côtés d'Ellen Tree, une actrice blanche, dans Othello à Covent Garden. Les critiques de l'époque étaient divisés sur s'il était un «génie» ou non. À l'époque, il était d'usage que les acteurs blancs se mettent en blackface pour incarner le personnage africain d'Othello, une pratique qui serait totalement inappropriée aujourd'hui. En raison du tumulte provoqué par un vrai homme noir jouant Othello et une femme blanche jouant Desdémone, la représentation de la pièce a été annulée. Mais cela n'a pas arrêté Aldridge. Il a joué de nombreux rôles de Shakespeare, tels que Macbeth et King Lear, et s'est produit à Dublin, Bath, Édimbourg et dans de nombreuses autres villes célèbres du Royaume-Uni. Il a également voyagé dans des pays d'Europe de l'Est comme la Russie, la Serbie et la Pologne.

Aldridge a remporté de nombreuses distinctions, telles que la croix d'or de Léopold du tsar de Russie et la croix de Malte de la Suisse, et est le seul afro-américain à avoir une plaque de bronze au Shakespeare Memorial Theatre à Stratford-upon-Avon. (Vous pouvez le voir aujourd'hui !) Aldridge est décédé à l'âge de 60 ans, d'une infection pulmonaire, alors qu'il était en Pologne. Il n'est jamais retourné en Amérique.

Aldridge a été cité comme disant : « Les vrais sentiments et l'expression juste ne sont confinés à aucun climat ou couleur ».


Ira Aldridge, acteur et activiste

Ira Aldridge était l'un des acteurs shakespeariens les plus célèbres du XIXe siècle. Né à New York, Aldridge a atteint sa plus grande renommée en Europe, où il a trouvé des opportunités professionnelles qui n'existaient pas pour les acteurs noirs aux États-Unis. Cette affiche de 1857 illustrée ci-dessous fait la publicité d'un engagement d'Aldridge au Theatre Royal de Newcastle, en Angleterre, dans lequel il a interprété trois rôles de son vaste répertoire, Othello, Shylock dans Le marchand de Venice, et la Gambie en L'esclave.

Une affiche pour Ira Aldridge dans Othello et L'esclave au Théâtre Royal.
Collection du Smithsonian National Museum of African American History and Culture.

Au début des années 1820, Aldridge se produit à New York avec l'African Theatre de William Brown, la première compagnie de théâtre afro-américaine. Il se rend ensuite en Angleterre où, en 1833, il devient le premier acteur noir à incarner Othello sur la scène londonienne. Aldridge a passé le reste de sa vie à visiter la Grande-Bretagne, l'Europe et la Russie, et est devenu citoyen britannique en 1863. Il a utilisé sa position sur scène pour dénoncer l'esclavage et défendre l'égalité raciale.

Le vrai sentiment et l'expression juste ne sont confinés à aucun climat ou couleur.

Ira Aldridge Acteur et défenseur de la justice raciale

Histoire de la semaine

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Portrait d'Ira Aldridge habillé en Othello, v. 1830, huile sur toile de Henry Perronet Briggs (vers 1791&# 82111844). Galerie nationale de portraits, Smithsonian Institution. Cliquez sur l'image pour voir la peinture complète.
L'introduction de cette semaine est la note principale de James Shapiro sur la sélection dans Shakespeare en Amérique : une anthologie de la révolution à nos jours.

Né en esclavage dans le Kentucky en 1814, William Wells Brown s'est échappé de la liberté à l'âge de vingt ans et est devenu un abolitionniste de premier plan, historien, écrivain de voyage et romancier (son Clotel était le premier roman publié par un Afro-américain). Brown s'est rendu en Grande-Bretagne en 1849 et, après l'adoption de la loi sur les esclaves fugitifs l'année suivante, qui l'exposait à un risque de capture et de réesclavage, il y resta à écrire et à donner des conférences jusqu'en 1854 (lorsque sa liberté fut achetée). Là-bas, il a vu le grand acteur noir, Ira Aldridge, jouer à la fois Othello et Hamlet. Brown a rappelé cette expérience une décennie plus tard en L'homme noir, ses antécédents, son génie et ses réalisations (1862).

Aldridge, qui est né et a fait ses études à New York, est parti en Angleterre à l'adolescence pour poursuivre les opportunités refusées aux acteurs noirs en Amérique. Il a pensé qu'il était utile là-bas de se présenter comme d'origine africaine (une fabrication, ainsi que quelques autres anecdotes biographiques inventées qui sont apparues dans les écrits fantômes d'Aldridge). Mémoire et sont répétés dans le croquis de Brown). Aldridge a joué pour la première fois Othello sur la scène de Londres en 1825. Certains critiques britanniques ont eu des difficultés avec l'idée d'un homme noir jouant Shakespeare (un critique pour le Fois s'est plaint qu'il était "totalement impossible pour Aldridge de prononcer la langue correctement" en raison de la forme de ses lèvres, tandis qu'un pour le Athénée s'est opposé à ce qu'une Desdémone blanche se fasse piétiner sur scène par un acteur noir). Aldridge s'est rapidement imposé comme un acteur populaire de Shakespeare en Grande-Bretagne et sur le continent, ajoutant à son répertoire les rôles de Richard III, du roi Lear, de Macbeth et de Shylock (qu'un critique russe a noté, il a joué avec sympathie comme "un exploité", Juif méprisé qui était "le porteur de la douleur et de la tragédie de son peuple traqué".

Aldridge mourut en 1867, peu de temps avant de retourner aux États-Unis et d'y jouer enfin Othello.

Remarques: Marron’s L'homme noir, ses antécédents, son génie et ses réalisations contient cinquante-six autres profils biographiques de personnalités telles que Toussaint L'Ouverture, Alexandre Dumas, Phillis Wheatley et Frederick Douglass. Son récit du mutin Madison Washington était un précédent Histoire de la semaine sélection.

Roscius était un acteur comique romain particulièrement populaire au premier siècle avant JC, dont le nom est devenu une épithète pour de nombreux acteurs à succès. L'acteur britannique Edmond Kean, mentionné par Brown, est resté longtemps dans les mémoires pour ses débuts à Drury Lane en 1814 en tant que Shylock plus méchant et moins comique dans Shakespeare’s Le marchand de Venice. Son fils, Charles, était également un acteur shakespearien de renom.

Cette sélection peut être photocopiée et distribuée pour une utilisation en classe ou pédagogique.

En parcourant les colonnes de Les temps, un matin, je l'ai vu annoncer sous la rubrique "Amusements", qu'"Ira Aldridge, l'Africain Roscius," devait apparaître dans le personnage d'Othello, dans la célèbre tragédie de Shakspeare de ce nom , et, ayant longtemps souhaité voir mon compatriote de sable, j'ai résolu immédiatement d'y assister. Bien que les portes aient été ouvertes depuis peu de temps, lorsque j'arrivai au Royal Haymarket, le théâtre où devait avoir lieu la représentation, la salle était bien remplie, et parmi le public je reconnus les visages de plusieurs personnalités distinguées de la noblesse, le le plus connu d'entre eux était Sir Edward Bulwer Lytton, le célèbre romancier - sa silhouette soignée, sa coupe de cheveux, ses cheveux coiffés à la dernière mode - comme s'il venait de sortir d'une boîte à bande. Il est un grand amateur de drame et a un théâtre privé à l'un de ses sièges de campagne, où il invite souvent ses amis et les presse dans les différents personnages.

Alors que le temps approchait pour le lever de rideau, il était évident que la maison allait être bloquée. Stuart, le meilleur Iago depuis l'époque de Young, en compagnie de Roderigo, monta sur scène dès le rideau vert s'est levé. Iago a regardé le méchant et l'a agi selon la conception la plus élevée du personnage. La scène est changée, tous les regards sont tournés vers la porte de droite, et des tonnerres d'applaudissements saluent l'apparition d'Othello. M. Aldridge est de taille moyenne, et paraissait être aux trois quarts environ africain, a un visage agréable, une charpente bien tricotée, et m'a semblé le meilleur Othello que j'aie jamais vu. Alors que Iago commençait à travailler sur ses sentiments, les yeux du Maure s'enflammèrent et, plus loin dans la pièce, il ressembla au véritable démon du désespoir. Lorsqu'il a saisi le trompeur à la gorge et s'est exclamé : « Méchant ! sois sûr de prouver mon amour faux: sois sûr de lui donner la preuve oculaire ou, par la valeur de mon âme éternelle, tu ferais mieux d'être né chien, Iago, que de répondre à ma colère éveillée, le public, d'un seul mouvement, se leva au milieu de l'enthousiasme le plus fou. A la fin du troisième acte, Othello fut appelé devant le rideau et reçut les applaudissements de la multitude ravie. J'ai observé le visage et chaque mouvement de Bulwer Lytton avec presque autant d'intérêt que j'ai fait celui du Maure de Venise, et j'ai vu que personne ne semblait être plus content que lui. Le lendemain soir, j'allai voir son Hamlet, et fus surpris de le trouver aussi parfait en cela qu'il l'avait été à Othello car j'avais été amené à croire que ce dernier était son plus grand caractère. Toute la cour du Danemark était devant nous, mais jusqu'à ce que les mots « Ce n'est pas seulement mon manteau d'encre, bonne mère », tombent des lèvres de M. Aldridge, l'oreille générale était charmée, ou la langue générale arrêtée . La voix était si basse, si triste et si douce, la modulation si tendre, la dignité si naturelle, la grâce si consommée, que tout se livrait silencieusement au délicieux enchantement. Quand Horatio lui dit qu'il était venu assister aux funérailles de son père, la profonde mélancolie qui s'empara de son visage montra la grande puissance dramatique de M. Aldridge. « Je vous prie de ne pas vous moquer de moi, camarade d'études », semblait provenir de son âme la plus intime. L'animation avec laquelle son visage s'éclairait, pendant le récit d'Horatio des visites que le fantôme lui avait faites, ainsi qu'à ses compagnons, était indescriptible. « Les anges et les ministres de la grâce nous défendent », comme le fantôme apparaissait dans la quatrième scène, a fait vibrer toute l'assemblée. Son interprétation du "Soliloque sur la mort", dont Edmund Kean, Charles Kemble et William C. Macready ont récolté de tels lauriers, a été l'un de ses meilleurs efforts. Il l'a lu infiniment mieux que Charles Kean, que j'avais entendu au "Princess", quelques nuits auparavant. Les élans vigoureux de la pensée, qui au milieu de ses peines personnelles s'élèvent avec une soudaineté si belle et si frappante de l'esprit toujours éveillé du philosophe humanitaire, sont livrés avec cette emphase variable qui caractérise le délinéateur véridique, lorsqu'il s'exclame, &# 8220Fragilité, ton nom est femme !” Dans la deuxième scène du deuxième acte, lorsqu'il révèle à Guildenstern la mélancolie qui ronge son esprit, les paroles belles et puissantes dans lesquelles Hamlet explique ses sentiments sont rendues très efficaces chez M. Aldridge& Rendu #8217s : “Cette verrière des plus excellentes, l'air, le brave firmament changeant, ce toit majestueux fretté de feu d'or. . . . Quel travail est un homme ! Quelle noble raison ! comme les facultés sont infinies ! en forme et émouvant combien express et admirable ! en action comme un ange ! dans l'appréhension comme un Dieu ! Dans la dernière scène du deuxième acte, lorsque l'imagination d'Hamlet, influencée par l'entretien avec les acteurs, suggère à son riche esprit tant de réflexions éloquentes, M. Aldridge entre pleinement dans le l'esprit de la scène, se réchauffe, et quand il s'exclame, "Il noie la scène avec des larmes, et fend l'oreille générale avec un discours horrible," rend fou les coupables et épouvante les libres", il est très efficace et quand cette chaleur monte en un paroxysme de rage, et il appelle le roi “Bloody, méchant méchant ! Méchant sans remords, perfide, lubrique et sans bonté ! Il entraîne le public avec lui et fait pleuvoir des applaudissements mérités. L'âme fervente et l'imagination agitée, qui ne cessent de remuer au fond de la fontaine et d'envoyer des bulles lumineuses vers le haut, trouvent un reflet brillant sur la surface animée du visage coloré de M. Aldridge. Je pensais qu'Hamlet était l'un de ses meilleurs personnages, bien que je l'aie revu par la suite dans plusieurs autres. M. Aldridge est originaire du Sénégal, en Afrique. Ses ancêtres étaient des princes de la tribu Foulah, dont les domaines étaient au Sénégal, sur les rives du fleuve de ce nom, sur la côte occidentale de l'Afrique. Jusqu'à ce rivage, l'un de nos premiers missionnaires a trouvé son chemin et a pris en charge le père d'Ira, Daniel Aldridge, afin de le qualifier pour l'œuvre de civilisation et d'évangélisation de ses compatriotes. Le père de Daniel, le prince régnant, était plus éclairé que ses sujets, probablement grâce à l'instruction du missionnaire, et proposait que ses prisonniers pris au combat soient échangés et non, comme c'était la coutume, vendus comme esclaves. Ce souhait interférait avec les notions et les avantages de sa tribu, en particulier ses principaux chefs et une guerre civile faisait rage parmi le peuple. Au cours de ces différends, Daniel, alors un jeune prometteur, fut amené aux États-Unis par le missionnaire, et envoyé au Schenectady College pour bénéficier des avantages d'une éducation chrétienne. Trois jours après son départ, l'orage révolutionnaire, qui couvait, éclata ouvertement, et le prince régnant, l'avocat de l'humanité, fut tué.

Daniel Aldridge resta en Amérique jusqu'à la mort du chef rebelle, qui avait dirigé la conspiration, et régna à la place du prince assassiné. Pendant l'intervalle, Daniel était devenu un ministre de l'Évangile et était considéré par toutes les classes comme un homme aux capacités hors du commun. Il voulait cependant s'établir à la tête de sa tribu, s'emparer de son droit d'aînesse et faire avancer la cause du christianisme parmi ses compatriotes. A cet effet, il retourna dans son pays natal, emmenant avec lui une jeune femme, une de sa couleur, qu'il venait d'épouser en Amérique. Daniel n'apparut pas plus tôt parmi le peuple de son père égorgé, que de vieux désaccords reprirent, la guerre civile éclata, l'Africain éclairé fut vaincu, échappant de justesse à la scène du conflit avec sa vie, et pendant un certain temps incapable de quitter le pays, ce qui était surveillé par de nombreux ennemis soucieux de sa capture. Neuf années s'écoulèrent avant que la famille proscrite ne s'enfuie en Amérique, pendant laquelle elle se cachait au voisinage de ses ennemis, subissant des vicissitudes et des épreuves que l'on peut bien imaginer, mais qu'il n'est pas nécessaire de décrire.

Ira Aldridge est né peu après l'arrivée de son père au Sénégal, et à leur retour en Amérique, était destiné par ce dernier à l'église. Beaucoup de parents blancs ont vainement donné à son fils une vocation similaire, et les meilleures intentions ont été contrecarrées par une prédilection précoce tout à fait opposée. On peut bien expliquer le choix du père dans ce cas, comme conforme à ses propres aspirations et on imagine aisément sa déception en abandonnant tout espoir de voir l'un de ses membres de sang et de couleur suivre spécialement au service de son grand Maître. Le fils, cependant, commença de bonne heure à montrer sa préférence précoce et sa passion ultime. À l'école, il a reçu des prix de déclamation, dans lesquels il a excellé et là sa curiosité a été excitée par ce qu'il a entendu des représentations théâtrales, dont on lui a dit incarné toutes les bonnes idées ombragé dans la langue qu'il lisait et mémorisait. C'est devenu le souhait de son cœur d'assister à l'une de ces performances, et ce souhait qu'il a rapidement réussi à satisfaire, et finalement il est devenu un candidat à la gloire histrionique.

Malgré les progrès d'Ira dans l'apprentissage, aucune qualité de l'esprit ne pouvait compenser, aux yeux des Américains, la teinte sombre de sa peau. Le préjugé dominant, si fort dans toutes les classes, était contre lui. Cela l'a conduit à déménager en Angleterre, où il est entré à l'Université de Glasgow et, sous la direction du professeur Sandford, a obtenu plusieurs prix et la médaille de composition latine.

En quittant le collège, M. Aldridge a immédiatement commencé à se préparer pour la scène, et peu de temps après est apparu dans un certain nombre de personnages shakespeariens, à Édimbourg, Glasgow, Manchester et d'autres villes de province, et peu de temps après est apparu sur les conseils de Drury Lane et Covent Jardin, où il a été estampillé le “African Roscius.” Le Horaires hebdomadaires de Londres a dit de lui, “M. Ira Aldridge est un mulâtre foncé, aux cheveux laineux. Ses traits sont capables d'une grande expression, son action est débridée et pittoresque, et sa voix claire, pleine et résonnante. Ses pouvoirs de déclamation énergique sont très marqués, et l'ensemble de son jeu apparaît impulsé par un courant de sentiment d'un poids et d'une vigueur non négligeable, mais contrôlé et guidé d'une manière qui montre clairement que l'acteur est une personne de beaucoup d'étude et de grande capacité de scène.” Chronique du matin a enregistré son “Shylock” parmi les “plus belles pièces d'acteur dont un public londonien ait été témoin depuis l'époque de l'aîné Kean.”


La fille d'Othello

En 1896, une chanteuse d'opéra de trente-six ans nommée Luranah Aldridge s'est rendue en Allemagne pour préparer les représentations de « L'Anneau du Nibelung » de Wagner au Festival de Bayreuth. Des dizaines de jeunes chanteurs avaient fait un tel parcours avant elle : treize ans après la mort de Wagner, Bayreuth était devenu un sommet du monde lyrique. Aldridge, cependant, était métisse : d'origine anglaise, elle était la fille d'un Afro-Américain et d'un Suédois. On aurait pu s'attendre à ce que le casting d'un interprète non blanc dans la saga nordique-teutonique de Wagner suscite une opposition, étant donné le racisme notoire du compositeur et de nombre de ses partisans, pourtant un guide préliminaire du festival de 1896 traite Aldridge simplement comme une nouveauté prometteuse :

Un nom qui pourrait bien sonner étrangement aux oreilles des amateurs d'art les plus observateurs est celui de Luranah Aldridge, qui chantera l'une des huit Walkyries. De Luranah Aldridge, on ne peut pas dire qu'elle ne soit pas venue de loin, car elle est originaire d'Afrique. Elle est la fille du tragédien africain Ira Aldridge et a étudié le chant en Allemagne, en Angleterre et en France, et s'est produite avec grand succès dans des opéras et des concerts en dehors de l'Allemagne. Elle est louée comme possédant une vraie voix de contralto avec un large éventail. Au cours du festival, il sera l'occasion de mettre ces déclarations à l'épreuve.

Le chanteur est tombé malade pendant les répétitions et n'a pas joué cet été-là. Malgré les encouragements de Cosima Wagner, la veuve du compositeur, Aldridge disparut de la vue. Quelques ouvrages de référence la mentionnent autrement, elle a disparu des archives historiques.

Il n'y a pas si longtemps, je suis tombé sur le passage cité ci-dessus et j'ai décidé que l'apparition d'une chanteuse métisse à Bayreuth six décennies avant que Grace Bumbry ne franchisse officiellement la barrière des couleurs, en 1961, était un mystère à explorer. J'ai fouillé dans les archives, reconstituant des fragments d'une vie oubliée. J'ai vite réalisé que je ne pouvais pas comprendre Luranah sans comprendre son père remarquable. Ira Aldridge, un New-Yorkais qui a déménagé en Angleterre alors qu'il était adolescent, a acquis une immense renommée dans l'Europe du milieu du XIXe siècle, fascinant des rois, des empereurs et, semble-t-il, Richard Wagner avec ses interprétations de Shakespeare. Il est maintenant beaucoup plus obscur, bien qu'une dramatisation de sa vie, par Lolita Chakrabarti, ait été remarquée à Londres l'année dernière et viendra à St. Ann's Warehouse en mars. Ces dernières années, l'universitaire Bernth Lindfors a publié une biographie en deux volumes de l'acteur et a compilé un livre d'essais sur lui, révélant les paradoxes d'un homme qui a falsifié sa biographie, joué avec le public et sapé les préjugés raciaux de son âge. . Lindfors appelle Aldridge "l'homme noir le plus visible dans un monde blanc au milieu du XIXe siècle". Trois de ses enfants étaient des musiciens, la musique devait sembler le prochain monde à conquérir par le clan Aldridge.

Les dirigeants du mouvement New Negro du début du XXe siècle étaient fiers du fait qu'un artiste noir avait percé les citadelles de la culture européenne. Langston Hughes et James Weldon Johnson ont célébré qu'Ira W. E. B. Du Bois l'a intronisé dans le Talented Tenth, cette compagnie d'individus exceptionnels qui devaient conduire la population noire au salut. Certes, le succès d'Aldridge n'a guère changé la dynamique fondamentale de la haine raciale. Même si ses interprétations de Shakespeare - ou, d'ailleurs, le chant de sa fille de Wagner - ont momentanément amené les Blancs à repenser leurs idées sur l'infériorité des autres races, l'épiphanie n'a pas tenu. Pourtant, ces carrières singulières démontrent ce qui est possible, même si cela reste improbable. En regardant les visages d'Ira et de Luranah, vous voyez quelque chose de plus que du talent : vous ressentez une incrédulité impérieuse dans ce qui passe pour la réalité.

Les Afro-Américains qui ont traversé l'Atlantique au XIXe siècle se sont retrouvés dans un monde nettement moins hostile. Le racisme a traversé tous les secteurs de la société et a infecté les esprits les plus élevés de l'époque, mais l'animosité contre les personnes de couleur manquait de la méchanceté sanctionnée par l'État de son équivalent américain, du moins sur le sol européen. L'esclavage a été aboli dans tout l'Empire britannique en 1833. La Prusse a interdit le servage en 1807. En théorie, on pouvait aller où l'on voulait et faire ce qu'on voulait. Les Noirs étaient, pour la plupart, des curiosités non menaçantes, ceux qui faisaient preuve de distinction intellectuelle avaient tendance à susciter l'émerveillement plutôt que le ressentiment. Du Bois, originaire du Massachusetts, a rappelé que lorsqu'il est allé à Berlin pour étudier l'économie politique, en 1892, il s'est senti, pour la première fois, vraiment libre. "J'ai commencé à réaliser que les Blancs étaient humains", a-t-il déclaré.

Ira Aldridge est né à Manhattan en 1807. Sa famille appartenait au monde des « quasi-libres », pour reprendre une expression de l'historien John Hope Franklin. L'esclavage était progressivement aboli à New York, mais la population noire était cernée par des restrictions à la Jim Crow, notamment des limites drastiques sur les droits de vote. Le père d'Aldridge, Daniel, travaillait comme vendeur ambulant et était prédicateur laïc dans l'église épiscopale méthodiste africaine de Sion. Sa mère, dont on ne sait presque rien, s'appelait Luranah. L'éducation précoce d'Aldridge a eu lieu à l'African Free School, un réseau d'écoles mis en place par des militants anti-esclavagistes pour éduquer «les descendants d'une race blessée». Daniel Aldridge voulait que son fils soit ministre, mais Ira est tombé amoureux du théâtre.

Dans son adolescence, il a saisi une occasion rare. De 1821 à 1823, un impresario nommé William Brown dirigea l'African Theatre, la première compagnie théâtrale afro-américaine. Des productions entièrement noires de «Richard III», «Othello» et d'autres pièces de théâtre ont été présentées au centre-ville de Manhattan. Brown n'a pas eu la vie facile : les voisins se sont plaints, la police est intervenue, un concurrent a envoyé des bandes de voyous, et le rédacteur en chef du journal Mordecai Manuel Noah, qui était aussi le shérif de New York, s'est moqué de l'effort en imprimant des parodies en noir. dialecte. (Noah, à l'époque l'une des très rares personnalités juives de la politique américaine, aurait pu savoir mieux que de se livrer à des stéréotypes raciaux.) Aldridge a joué plusieurs rôles et a apparemment participé à des combats de rue qui ont éclaté en réponse à l'entreprise. La violence préfigurait les émeutes anti-abolitionnistes de 1834, qui ont dévasté les maisons, les églises et les entreprises des Noirs. Si Aldridge était resté en Amérique, sa carrière d'acteur ne serait sûrement allée nulle part.

Aldridge atteint l'Angleterre avec l'aide de deux frères par intérim nommés Wallack. En mai 1825, il fait ses débuts à Londres en jouant Othello au Royalty Theatre, un établissement discret de l'East End. Un critique a réprimandé ce "Gentleman of Color récemment arrivé d'Amérique" pour sa livraison peu fiable du texte, mais a conclu que "sa mort était certainement l'une des plus belles représentations physiques de l'angoisse corporelle dont nous ayons jamais été témoins". Aldridge avait dix-sept ans.

Une curieuse tournure a stimulé son ascension. Au début des années vingt, Charles Mathews, un comédien anglais connu pour ses spectacles en solo, entre en contact avec James Hewlett, la star du théâtre africain. Bien que Mathews n'ait jamais vu la compagnie en personne, il l'a burlesque dans une émission solo très réussie, "Trip to America", en 1824. Dans un sketch, un acteur noir a livré une version déformée de "To be or not to be", changeant la ligne « en opposant les fin » à « par opossum fin 'em. » Dans le récit de Mathews, lorsque le public a entendu cela, il a commencé à crier pour la chanson populaire "Opossum Up a Gum Tree", que l'acteur a ensuite interprétée. Comme l'a soutenu l'universitaire Marvin McAllister, le phénomène émergent du ménestrel au visage noir, que Mathews a contribué à inspirer, était en partie un « assaut métaphorique » contre les aspirations des acteurs noirs.

Lorsque Aldridge a commencé à se produire au Royal Coburg Theatre, plus haut de gamme, les clients s'attendaient à une réplique du gaffeur malapropiste de Mathews. Un article a fourni cet aperçu : « Les chiens, les chevaux et les éléphants de théâtre sont décédés – ceux des singes semblent être en déclin, et maintenant, pour une exposition plus monstrueuse que toutes les autres, nous devons être traités avec un Acteur Noir, un vrai sérieux Tragédien Africain. " Au lieu de cela, le public a rencontré un interprète de compétence et de raffinement. Lindfors suggère qu'ils se sont retrouvés "avec une appréciation modérée de la virtuosité noire". Aldridge a captivé son public non pas avec une voix rugissante ou des gestes sauvages, mais avec un arc dramatique soigneusement contrôlé. Son Othello a évolué progressivement d'une façade de sang-froid aristocratique à des explosions de sentiments bruts.

En tournée, Aldridge aimait suivre "Othello" avec "The Padlock", une comédie populaire de la fin du XVIIIe siècle mettant en vedette un serviteur noir maladroit, ivre, chantant et dansant nommé Mungo. Avec cette juxtaposition, propose Lindfors, Aldridge a fait prendre conscience au public de l'artificialité des stéréotypes, tout en se livrant à leur - et à son - amour pour le faible humour. Il a ensuite incorporé "Opossum Up a Gum Tree" dans "The Padlock", s'appropriant l'appropriation de Mathews. Lindfors pense qu'Aldridge se livrait à une subversion créative, alors que d'autres chercheurs voient une capitulation mercenaire devant le marché de toute façon, l'effet a dû être vertigineux.

Aldridge a endossé d'autres rôles à la peau foncée qui étaient populaires sur les scènes européennes à l'époque. Il s'agit notamment d'Orénoque, un prince africain esclave qui souffre dans son amour pour une femme blanche (« Il n'y a pas de moyen, mais la mort ou la liberté ») Gambie, un esclave qui gagne la liberté en défendant ses maîtres (« Liberté ! donne-moi la langue des dieux, pour dire que je suis libre ! ») et divers méchants assoiffés de vengeance. L'acteur réécrit parfois ses rôles pour les rendre plus sympathiques ou complexes. Quand, en 1849, Aldridge a joué Aaron le Maure dans une adaptation de « Titus Andronicus », un personnage alimenté par la haine est devenu vertueux.

Mise à part la livraison élégante, Aldridge n'a pas lésiné sur le spectacle, voyageant de ville en ville dans une voiture de luxe et se livrant librement à des relations publiques hokum. Il a commencé à prétendre être le descendant d'une lignée princière peule et, des années plus tard, a répandu la fiction selon laquelle il était né au Sénégal. Il s'appelait également le Roscius africain, d'après un acteur célèbre de la Rome antique. En 1825, il épousa Margaret Gill, du Yorkshire, mais il y avait d'autres femmes, toutes apparemment blanches, et quatre de ses six enfants, dont Luranah, la future chanteuse de Wagner, étaient illégitimes. En Amérique, la vie privée d'Aldridge aurait été aussi rare que sa vie publique, et bien plus dangereuse.

Un personnage aussi flamboyant ne pouvait éviter de se faire des ennemis. En 1833, le Theatre Royal, à Covent Garden, offrit à Aldridge un court passage dans « Othello », et une grande partie de la presse londonienne projeta de le faire tomber. Les Figaro à Londres launched a breathtakingly vile campaign, promising to inflict on Aldridge “such a chastisement as must drive him from the stage he has dishonoured, and force him to find in the capacity of footman or street-sweeper, that level for which his colour appears to have rendered him peculiarly qualified.” Les Athénée was scandalized to see Ellen Tree, the Desdemona, “being pawed about” by a black man. Afterward, the Figaro boasted of having “hunted the Nigger from the boards.”

Even those who praised Aldridge almost always framed him in racial terms, as Lindfors’s citations of reviewers show. “Away flew all our pre conceived notions and prejudices,” one said. Another declared, “The only real difference between an African and a European, is in the colour of the skin. The mind, the soul, the heart, are the same.” In 1831, a young woman named Miss Smedley composed a poem in Aldridge’s honor:

O may thy tongue indeed prophetic be,
And England loose the chain of Slavery,
That long hath bound the Negro’s energy,
Then shall his mind be like his body—“Free!”

At times, Aldridge articulated a political agenda, saying that he wished to “assert the claims of my kind to equality of intellect and right feeling with the more favoured portion of the human race.” He was hardly a radical, though. As Lindfors notes, he “made a compelling case for both the abolition of slavery and the advancement of the colonial enterprise.” His Senegalese deception erased his American upbringing and cast him as an exotic, almost magical being.

After the Covent Garden setback, Aldridge retreated to the provinces, and in Ireland, among other places, he became a full-on star, his popularity only heightened by stories of Londoners’ disdain. (In the writings of Thomas Carlyle, among others, the Irish were considered just a step above blacks.) In a high-flown address at the end of one of his Dublin runs, Aldridge flattered his audience by characterizing them as freedom fighters: “Here the sable African was free (cheers) / From every bond, save those which kindness threw / Around his heart, and bound it fast to you.”

In 1835, seeking to maximize his mobility, Aldridge put together a solo entertainment that mixed lectures on drama, recitations of Shakespeare, commentary on racism, and popular songs. And he kept up his meta-racial games. In the same period, the American blackface entertainer Thomas Rice toured England with his notorious “Jim Crow” act back home, he bragged of having convinced the British of the inferiority of blacks. Aldridge promptly added a version of Rice’s routine to his one-man show. He also parodied parodies of himself, reciting Shakespeare in mangled English. His most provocative move was to answer blackface by putting on whiteface. His repertory included Richard III, Rob Roy, a Russian who disguises himself as a Moor, and, in one skit, a Bavarian maid.

Aldridge might have finished his career on the provincial circuit, but in 1852 he ventured out on a Continental tour, bringing with him a troupe of British actors. In Germany, he found himself the subject of mass adulation, with full houses greeting him in each town and critics vying with one another to invent superlatives. One critic suggested that Aldridge might be “the greatest of all actors.” Another said that “since the time of the ancient kings of the Athenian stage no one has seen anything like it.” Friedrich Wilhelm IV, the King of Prussia, conferred on Aldridge a Gold Medal for Art and Science Emperor Franz Josef of Austria gave him the Grand Cross of the Order of Leopold. Numerous other honors followed. His most impressive title was Chevalier Ira Aldridge, Knight of Saxony, and he did not hesitate to use it.

Richard Wagner, who idolized Shakespeare, was most likely an Aldridge admirer. In 1857, Aldridge went to Zurich, where Wagner was living, having taken refuge in the wake of the failed revolutions of 1848 and 1849. Wagner wrote to Mathilde Wesendonck, the muse of “Tristan und Isolde,” “Wednesday: Othello Ira Aldridge. Tickets to be booked in a timely fashion.” There is no reason to think that he did not go several of his Zurich associates were in attendance that night, including the leftist poet Georg Herwegh, who wrote a rave review. In the period of the Harlem Renaissance, the potential link between Aldridge and Wagner drew notice Langston Hughes, who once placed “Tristan” on a list of his favorite things, mentioned Wagner’s interest in his 1954 children’s book, “Famous American Negroes.”

“Wait–which is evidence and which is lunch?”

The German enthusiasm for Aldridge may seem strange, given the contemporary tendency to view nineteenth-century German culture as a continuous crescendo toward the racial hatred of the Nazi era. Indeed, the religiously based bigotry of prior eras was giving way to pseudo-scientific theories on the inequality of races, which Wagner helped to promote. Yet German thought contained other, more egalitarian strains, going back to Johann Gottfried Herder, who, in his “Negro Idylls,” of 1797, adopted the point of view of oppressed African peoples. Similar sympathies surfaced among the revolutionaries of 1848, more than a few of whom fled to America and became active in the abolitionist cause. Quentin Tarantino’s depiction, in his recent film “Django Unchained,” of an alliance between a German adventurer and a black American is not as absurd as audiences might assume.

Wagner’s own remarks about black people, as recorded in Cosima’s diaries, vacillate between disdain and a surprising sympathy. During the Anglo-Zulu War of 1879, he speaks admiringly of Cetshwayo, the Zulu leader, and announces that “the Zulus are also human beings like ourselves.” If only he had grasped the same about the Jews.In 1858, Aldridge went to Russia, where, unexpectedly, his fame reached its zenith. It’s difficult to judge Russian descriptions of his acting, since by this time he was performing with a troupe of Germans, who recited in German while he carried on in English. The spectacle must have been more visual than verbal. Nonetheless, Aldridge cast his usual spell, especially in progressive circles. One critic wrote, “From Othello is torn the deep cry, ‘Oh misery, misery, misery!’ and in that misery of the African artist is heard the far-off groans of his own people, oppressed by unbelievable slavery and more than that—the groans of the whole of suffering mankind.” When Aldridge played Shylock, he was understood to be creating a compound study in racial adversity:

Ira Aldridge is a mulatto born in America and feels deeply the insults levelled at people of another colour by people of a white colour in the New World. In Shylock he does not see particularly a Jew, but a human being in general, oppressed by the age-old hatred shown towards people like him, and expressing this feeling with wonderful power and truth. . . . His very silences speak.

Toward the end of his career, Aldridge began to escape the racial frame in which he had been confined. In the late eighteen-fifties, his Macbeth, which one critic described as a “terrible battle of noble-mindedness with the demon of ambition,” made a strong impression on Georg, the future Duke of Saxe-Meiningen, whose acting company decisively influenced late-nineteenth-century theatre. The French poet and critic Théophile Gautier saw Aldridge in the role of King Lear, and marvelled at the actor’s impersonation of old age. Errol Hill, in his 1984 book, “Shakespeare in Sable,” proposes that Aldridge deserves credit for introducing greater naturalism into the Victorian theatre.

Thanks to his European sojourns, Aldridge acquired enough wealth to buy a home in London near the Crystal Palace—on Hamlet Road, no less—and other property nearby. While Margaret, his first wife, underwent a physical decline, he formed a relationship with Amanda Brandt, a Swedish-born singer who shared his habit of self-aggrandizing fictions: she claimed, falsely, to be a baroness. They were married in 1865, a year after Margaret’s death.

Nearing the age of sixty, Aldridge had one more mighty gesture in mind. In the summer of 1867, while on tour in Poland, he negotiated terms for an American tour, which would have involved a hundred performances across the country, beginning at the Academy of Music, near Union Square. Sizable fees were set, although, Aldridge advised, “the expenses of the Baroness Aldridge would be borne by me.” Performing Shakespeare in post-Civil War America would almost certainly have stirred up more opposition than Aldridge had lately been accustomed to. “A novel sensation is in store for our politicians, humanitarians, ethnologists and critics,” the Fois said, seeming to sneer in anticipation.

A week before he was to sail, Aldridge fell fatally sick, possibly as a result of a lung condition. He died in Lodz on August 7, 1867, and was buried there, amid such pomp as befitted the first and last black Knight of Saxony.

Great performers are often poor parents, and it may not be a coincidence that only one of Aldridge’s children had a long and relatively happy life. Ira Daniel, his oldest, went to Australia, failed at acting, and descended into a life of crime. At the age of twenty-four, Ira Frederick, after showing promise as a pianist, composer, and conductor, flung himself from a window in a state of delirium. Amanda, a singer, composer, and teacher, was the survivor, finding a modest place in the London music scene. Her vocal students included Roland Hayes, Marian Anderson, and Paul Robeson—three history-making black performers of the early twentieth century.

The story of Luranah, Ira’s most gifted child, borders on tragedy. The best evidence of her life can be found in her sister’s papers, at Northwestern University. There is also a passage about her in Herbert Marshall and Mildred Stock’s 1958 biography of Ira, which draws on interviews with Amanda they call Luranah “a strong-willed, dominating and pleasure-loving woman.” She was born in 1860, attended a convent school in Ghent, and studied in London, Berlin, and Paris. Her early reviews were encouraging a Hamburg critic praised her “strong, darkly colored instrument, well developed in the lower register.” Charles Gounod, the renowned composer of “Faust,” recommended her effusively to Augustus Harris, the impresario of opera at Covent Garden: “Do you want to hear one of the most beautiful voices that exist? Very well! Give an audition to Mademoiselle Luranah Aldridge.”

Harris featured Luranah in a Grand Wagner Orchestral Concert at St. James’s Hall in 1893, and the same year cast her as one of the Valkyries in the “Ring.” She sang again in “Ring” cycles in London in 1898 and 1905. Elsewhere, she evidently essayed the bigger role of Erda, the earth goddess of the “Ring,” for the Aldridge collection contains a photograph of the Russian-born soprano Félia Litvinne, attired as Brünnhilde, with the inscription “à mon Erda.” In her own portraits, Luranah has no trouble adopting a grand pose, her head tilted back and her eyebrows imperiously arched.

At the end of the nineteenth century, there was no more powerful woman in music than Cosima Wagner, who had assumed the direction of Bayreuth after her husband’s death, in 1883. The illegitimate daughter of Franz Liszt and the leftist historian Marie d’Agoult, the Meisterin, as she was known, was a person of monumental will and fierce intelligence. George Eliot called her a genius, adding that Richard resembled a petty grocer. Yet Cosima was no less bigoted than her husband, and considerably more rigid in her artistic thinking.

Luranah auditioned for Cosima in late 1895 or early 1896, and was cast in that summer’s “Ring”—the first Bayreuth production of the cycle since the inaugural festival of 1876. Sometime in the spring, Luranah went to Bayreuth, to take part in rehearsals. When she fell ill, she repaired to a spa in Rupprechtstegen, not far from Bayreuth. It was an expensive place, for which Cosima probably paid the bill. Eva Wagner, one of Richard and Cosima’s children, wrote to her on May 30th, “Mama and we all were happy to get good news from you, and we hope that every day will be a progress! Mama spoke immediately to Mr. v. Gross, who surely meanwhile will have fulfilled your wish.” (Adolf von Gross was Bayreuth’s business manager.) The familiar tone of Eva’s note bears out Marshall and Stock’s claim that the singer became close to the Wagner family—indeed, that she stayed for a time in Wahnfried, the Wagner home.

The idea of a woman of color consorting with the Wagners is disorienting. By the end of the century, Bayreuth had become a gathering place for ultra-nationalists and philosophers of Aryan supremacy. Cosima had befriended Houston Stewart Chamberlain, whose 1899 best-seller, “The Foundations of the Nineteenth Century,” tells the story of Western civilization as the forward march of the Teutonic peoples. In early 1896, just when Luranah may have been living with the Wagners, Cosima responded to an outline of Chamberlain’s book with a string of comments, one of which said, “The Negroes have surprised me. But I am entirely prepared to be convinced.” She was apparently reacting to Chamberlain’s declaration that the Aryan peoples faced a “struggle for existence” with the Chinese and the Negroes, the latter being “considerably more dangerous” than the former. The presence of Luranah may have led Cosima to question, at least for a moment, one aspect of Chamberlain’s grotesque theory.Having recovered from her illness, Luranah inquired about singing at Bayreuth in 1897. In the Northwestern archive, I found a reply from Cosima herself, in the polished, slightly stilted English that she acquired in her schooling:

My dear Miss Aldridge, I am very sorry indeed to be obliged to tell you that our personelle is complete and that it is now too late to invite you to take a part in our performances. I am very sorry about it, but I was very glad to hear that you are well again and that you can use your fine voice. Only I would advise you to go to a good master in order to learn how to manage this fine voice, and not to destroy it before time. I should have been very glad to have seen you again, dear Miss Aldridge, I assure you, and with best wishes for you, my children and I send you kindest regards.

There is no other Wagner correspondence in the archive. Perhaps Luranah was offended at the notion that she needed further training. It’s possible, though, that Cosima had correctly identified a problem in Luranah’s technique, and that the singer had prematurely taken on heavier Wagnerian roles.

Luranah gave recitals in London until the First World War, her repertory ranging from lieder to chansons to parlor songs. Her programs were pointedly diverse, not unlike the ones that her father had created in his “Lecture in Defense of the Drama”: on one occasion, Wagner’s “Schmerzen,” from the “Wesendonck Lieder,” gave way to Amanda’s “Three African Dances.” But her health problems intensified, and after the war she became bedridden with rheumatism. Her sister looked after her devotedly. When, in 1921, W. E. B. Du Bois invited Amanda to attend the Second Pan-African Congress, she answered, “As you know, my sister is very helpless. . . . I cannot leave for more than a few minutes at a time.”

On November 20, 1932, at the age of seventy-two, Luranah Aldridge committed suicide by taking an overdose of aspirin. She was buried in a public section of Gunnersbury Cemetery, in London. On a recent visit there, I went in search of her grave, but could find no headstone. Watching the cemetery keeper dust off old records, I had the sense that no one had gone looking for her in a long time.

The first half of the Aldridge family saga is a triumph—a solitary, idiosyncratic triumph, but a triumph all the same. If the African Roscius did nothing to halt the radicalization of racism in the course of the nineteenth century, he provided glimpses of another world, stage fantasies of a future redistribution of power. His achievement loomed over subsequent generations of African-American performers black acting companies in New York, Philadelphia, St. Louis, and Baltimore adopted the name Aldridge Players or Aldridge Dramatic Club. In 1930, Paul Robeson assumed Ira’s mantle by playing Othello in the West End Amanda Aldridge was in attendance, and gave Robeson the gold earrings that her father had worn as Othello. Thirteen years later, as if completing Ira’s intended arc, Robeson appeared in “Othello” on Broadway.

As for Luranah, she offers a glimpse of a world that never was: one in which a black singer overcame late-nineteenth-century prejudice and established herself at the Wagner festival. What would have happened if she had sung that summer, before an audience that included George Bernard Shaw, Diaghilev, Renoir, Colette, Mahler, and Albert Schweitzer? Would there have been an outcry from right-wing factions? Would Bayreuth have earned praise from progressives? Might she have returned in bigger roles? As it was, history followed its seemingly inevitable course. In 1908, Eva Wagner, Luranah’s former friend, married Houston Stewart Chamberlain, the beady-eyed Aryan philosopher. She was present when Hitler first visited Bayreuth, in 1923. When she died, in 1942, her coffin was draped in a Nazi flag, and Hitler sent a wreath.

There is a curious epilogue to the tale of the first black Wagnerian. In 1936, Du Bois travelled to Germany on a grant from the Oberlaender Trust, his stated aim being to study industrial education, although he also wished to compare German racism with its American counterpart. A longtime Wagner fan, Du Bois included Bayreuth on his itinerary, attending performances of “Lohengrin” and the “Ring.” Here is another disorienting picture: the author of “The Souls of Black Folk” visiting the Wagner temple, amid the trappings of Hitler’s pseudo-Wagnerian regime.


Channeling a Breaker of Barriers

LONDON — The story is gripping. It is the mid-1820s, and a young black American actor improbably moves to London while still a teenager, tours the provinces and gets his big break a few years later, when he is asked at the last minute to replace Edmund Kean as Othello at Covent Garden in 1833. Can he overcome the innate prejudice of his fellow actors, the public and the critics? Will he succeed?

His name was Ira Aldridge, and when the British actor Adrian Lester was asked, way back in 1998, to do an informal reading of some writings about Aldridge, he was astonished by the story.

“Have you ever heard of Ira Aldridge?” Mr. Lester asked his wife, Lolita Chakrabarti, an actress and writer, when he got home. It turned out to be a leading question. The outcome was “Red Velvet,” written by Ms. Chakrabarti, starring Mr. Lester and directed by Indhu Rubasingham, which opens at St. Ann’s Warehouse in Brooklyn for a monthlong run on March 25, after two sold-out seasons at the Tricycle Theater in northwest London.

“An early instinct told her,” Mr. Lester, 45, said in an interview at the Tricycle late last month. “She knew there was a story there.”

Ms. Chakrabarti had to cling tenaciously to that belief. Until the Tricycle took on “Red Velvet,” she wrote and rewrote the play for more than a decade, meeting with rejection every step of the way. After the play’s October 2012 opening, it won numerous awards for Ms. Chakrabarti and Mr. Lester and rapturous reviews. “A cracker of a play: gripping, intelligent and passionate,” Sarah Hemming wrote in The Financial Times. “History springs into startlingly vigorous life,” Kate Bassett wrote in The Independent on Sunday.

But just before it finally was produced, Ms. Chakrabarti, 44, said she had been about to give up on the project entirely.

“I was really discouraged by the lack of encouragement,” she said by telephone. “So many people had said no that I began to think, ‘Maybe we are wrong, and it’s really not brilliant.’ And when it then went so well, I thought, ‘How random it all is.’ ”

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Bored between acting jobs, Ms. Chakrabarti had been looking for a writing project. Her imagination, she said, was immediately fired by what Mr. Lester told her.

“Now everything is online and cataloged, but at the time it was pre-Internet, so you had to trawl around bookshops and write letters to libraries, and phone them long distance, and then they would fax you lists of playbills and letters and illustrations,” she said. “I found a biography, then some material on the period at a black bookshop on a trip to Los Angeles. The more I read, the more I felt that his history and story were so important and significant. I couldn’t believe that no one, even real theater buffs, had heard of him.”

Aldridge is an anomaly in theater history: a black actor — and an American — who achieved mainstream success in grand Shakespearean roles at a time when no black actor had ever been seen on the stage of a major London theater, and who went on to win considerable renown in Europe, honored with titles and medals by crowned heads of state.

Feeling that the sweep of the narrative was a broad, encompassing social and political history as well the actor’s personal story, Ms. Chakrabati thought it should be a film. She wrote a detailed treatment, but no producer would take the bait. Discouraged, she abandoned the project.

“But Ira stayed with me, kept knocking on the door,” she said. “In 2000, I was working at the National Theater, in a play Indhu was directing, and I told her about Ira. She said, ‘Write it as a play, it will be quicker.’ ” Ms. Chakrabarti paused. “And we are still friends.”

Quicker it was not. On and off, between acting jobs and other projects, Ms. Chakrabarti wrote and rewrote the play, showing Mr. Lester and Ms. Rubasingham every draft.

There was a lot to get in. Aldridge’s Covent Garden debut in 1833 coincided with the abolition of slavery in the British colonies, and the heightened debate over the decision. His performances in “Othello,” well received by the audiences, were vilified by critics after two shows, the management closed the theater, and Aldridge never appeared again on a mainstream London stage. Until he died at 60, in Poland, he toured Europe relentlessly, becoming something of a celebrity in Eastern Europe and Russia.

Eventually, Ms. Chakrabarti decided to focus on Aldridge’s big break, his chance to play “Othello” at Covent Garden, and the repercussions of those performances. This central section is framed as a flashback, bookended by scenes of an older, unwell, irascible Aldridge, as he prepares for the title role of “Lear” in Poland.

“The commitment and dedication of an actor who is freelance, that moment when you get your chance and it makes or breaks you — I thought, that would really affect your whole life,” Ms. Chakrabarti said, adding that in the process of distilling the story, she had discarded numerous characters and events that she had originally thought essential.


Renowned Actor Ira Frederick Aldridge Gets His Start at the African Grove Theatre

Ira Frederick Aldridge is today remembered as one of the most renowned actors of the nineteenth century, one of the highest-paid actors of his time, and the first Black American to establish an acting career in another country. Although the venerable Shakespearean performer and tragedian spent most of his life overseas, Aldridge in fact got his start as an actor at the African Grove Theatre in Greenwich Village.

Ira Aldridge as “Othello,” 1887. Photo courtesy of the NYPL Digital Archives.

Ira Frederick Aldridge was born in New York on July 24, 1807. At the time, slavery was still legal in the state, but both of Aldridge’s parents, Daniel and Luranah Aldridge, were free. Aldridge’s father worked as a straw merchant and a lay preacher, and hoped that his son would also develop a religious career. The family resided in proximity to Greenwich Village’s “Little Africa,” which for much of the 19th century was was the largest and most important African American community in New York, centered around today’s Minetta Lane and Minetta Street.

Aldridge studied in the neighborhood’s African Free School starting around the age of thirteen for about two years. The first school for Black students in America, the African Free School was founded over three decades before — on November 2, 1787 — in Lower Manhattan by the New-York Manumission Society and founding fathers Alexander Hamilton and John Jay. The institution prepared the city’s Black students, many of whom were the children of enslaved people, to enter the public school system. A number of renowned figures were students here, including the abolitionist, educator, orator, and Greenwich Village resident Henry Highland Garnet.

Ultimately consisting of seven schools, the third African Free School was located in Greenwich Village, at 120 West 3rd Street, then known as Amity Street. According to his biographer, Bernth Lindfors, Aldridge graduated from the school’s Mulberry Street location, which was constructed in 1820. It is likely that he previously attended African Free School No. 1 on William Street, or a separate church school. While here, Aldridge received awards for his oratory skills.

“The History of the New-York African Free Schools,” 1830. Photo courtesy of NYPL Digital Collections.

From a young age, Aldridge was completely captivated by the theater. Les Memoir and Theatrical Career of Ira Aldridge, the African Roscius, quoted by Lindfors, reveals:

“His first visit to a theatre fixed the great purpose of his life, and established the sole end and aim of his existence. He would be an actor. He says at this hour that he was bewildered, amazed, dazzled, fascinated, by what to him was splendour beyond all that his mind had imagined, and mimic life so captivating, that his own real existence would be worthless unless he in some way participated in such imitations as he witnessed.”

Soon Aldridge began performing with the African Company/African Grove Theatre in the early 1820s. The troupe was founded by William Alexander Brown, a pioneering Black actor and playwright who had learned about different types of theater while traveling extensively as a ship’s steward. Upon Brown’s return to New York City, he bought a house on 38 Thompson Street and began the African Company.

The Company members would meet and perform in the building’s back yard, until they began receiving what were undoubtedly racist complaints from the neighbors, and the police forced them to move. Brown shifted the Company north to Bleecker and Mercer Streets, but soon found it was too far from his core audience, and so returned to Mercer and Houston Street. Brown’s African Grove Theatre was located near the Park Theater, which served white audiences and with which it often competed. The African Grove Theatre put on both Shakespearian plays and original works, and Aldridge’s first role with the organization was Rolla from Pizarro.

Devastatingly, the African Company and the African Grove Theatre were disbanded in 1823, as a result of both financial distress and discriminatory city intervention. While the theater and company was not the first attempt to create a Black theater within New York City at this time, Grove is remembered as the most financially successful.

The African Grove Theatre poster, 1821. Photo courtesy of NYPL Digital Collections.

Like most Black actors of his time, Aldridge was sometimes treated with great hostility from white audiences and managers, and denied access to a number of roles because of his race. He decided to travel to Europe to pursue his acting career, and in 1824, at the age of seventeen, he sailed to England. Here he enrolled at the University of Glasgow, and found work performing in traditionally Black roles. On October 10, 1825, he debuted as the first Black actor at the Royal Coburg Theatre in London as Prince Oroonoko of Africa in The Revolt of Surinam.

Aldridge went on to tour the United Kingdom, and was perhaps best known for his Shakespearean roles such as Othello, Shylock, Macbeth, and King Lear. In 1833, when Edmund Kean collapsed and died in the middle of an Othello run, Aldridge was called to take his place. Dans Othello, arguably Aldridge’s greatest role, he broke barriers playing opposite white actresses, which would have been unthinkable in almost any American theater at the time. Though critics objected to this and other performances, frequently using racist rhetoric, Aldridge continued to tour and grow his reputation. In 1852, he embarked on his first European tour, and five years later conducted a series of highly-regarded shows in St. Petersburg, Russia.

Throughout his life, Aldridge was also an avid abolitionist. He contributed financially to the cause and even paid for the freedom of enslaved people himself. He also incorporated songs of freedom into his work.

Ira Aldridge as “King Lear,” 1850-1959. Photo courtesy of NYPL Digital Collections.

Aldrige’s first wife, Margaret Gill, died in 1864, after which Aldridge married Amanda von Brandt of Sweden. Together, the couple had three children. On August 7, 1867, at the age of sixty, Aldridge passed away and was buried Lodz, Poland, where he received a state funeral.

Over the course of his career, Aldridge received a number of honors including Switzerland’s White Cross. The Ira Aldridge Memorial Chair at the Shakespeare Memorial Theatre in Stratford-upon-Avon, England, and a theater at Howard University, are named in his honor. His legacy as a boundary-breaking Black actor, theater artist, and abolitionist made an impact internationally, reverberating far beyond the Greenwich Village neighborhood from which he emerged.

To learn more about Little Africa, the African Free School, the African Grove Theatre, and other African American History sites in our neighborhoods, check out our Civil Rights and Social Justice Map.


The Past Uncovered: Ira Aldridge

“Aldridge has nothing in common with those theatrical personalities from the West who visited us in recent times…He concentrates only on the inner meaning of his speech. He does not bother either about the majestic stride, but moves completely naturally, not like a tragedian, but like a human being.”

Ira Aldridge: The Negro Tragedian by Herbert Marshall and Mildred Stock

Ira Aldridge was born in 1807 in New York City. As a young performer, he witnessed the demise of The African Company and the difficulties Black classical actors faced in America including violence. With “hope his skin color would not prove an insurmountable barrier to his advancement,” Aldridge set sail for England, and a career on the European stage.

Over time, Aldridge played major roles across Europe in Paris, Munich, Prague, Vienna, Budapest, Constantinople, and Warsaw, portraying almost all of Shakespeare’s great leading roles including Othello, Hamlet, King Lear, Richard III, and Shylock.

Despite his success, Aldridge still faced numerous hurdles due to his race. Although Aldridge called Europe home, he yearned to return to the United States, especially after the end of Civil War seemingly opened the door for him to return. That dream would not come true, and he died while in Poland on the stage at the age of 60.

Ira Aldridge made history by setting the standard of Othello being played by a Black actor.


Aldridge, Ira

Born a free black in New York City, Ira Aldridge traveled to London at the age of seventeen to pursue a theatrical career. When he died fifty years later, he was known throughout Britain, Europe, and Russia as the greatest actor of his time.

Aldridge attended the African Free School in New York and possibly performed with the African Theatre of lower Manhattan before he left for England as a steward to the actor James Wallack. His first London stage appearance took place in 1825 at the Coburg Theatre, primarily a house for melodrama, where in a six-week season he performed five leading parts, including the title role of Oroonoko in Thomas Southerne's play and Gambia in The Slave, a musical drama by Thomas Norton.

Six years of touring followed in the English provinces, in Scotland, and Ireland. The title role in Shakespeare's Othello and Zanga the Moor in Edward Young's The Revenge were added to his repertoire. Aldridge also excelled as Mungo, the comic slave in Isaac Bickerstaffe's musical farce The Padlock, which was often billed as an afterpiece to Othello. In consequence, Aldridge was later compared to the great eighteenth-century English actor David Garrick, who was equally renowned in both tragedy and comedy.

Having exhausted the number of acceptable black characters in dramatic literature, Aldridge began to perform traditionally white roles such as Macbeth, Shylock, Rob Roy from Walter Scott's novel, and Bertram in the Rev. R. C. Maturin's Bertram, or, The Castle of Aldobrand. He received high praise in the provincial press, being referred to as "an actor of genius" and "the perfection of acting."

By this point he was only twenty-four, and he set his heart on performing at a major London theater. His opportunity came in 1833, when the leading English actor Edmund Kean collapsed while playing Othello at the Covent Garden theater. Despite resentment from several London papers, Aldridge accepted the role, which he played to public, though not critical, acclaim.

After further provincial traveling, Aldridge at forty-five began touring in Europe, concentrating on performing Shakespeare. To his repertory of Othello, Macbeth, et Le marchand de Venice he had added King Lear, Hamlet, Richard III, and Aaron the Moor in an edited version of Titus Andronicus. He played in bilingual productions, speaking English himself while the rest of the cast spoke their native language. These tours were largely successful and brought him considerable fame many honors were conferred on him by ruling houses. "If he were Hamlet as he is Othello, then the Negro Ira Aldridge would [be] the greatest of all actors," wrote a German critic. The Moscow correspondent for the French publication Le Nord praised Aldridge's "simple, natural and dignified declamation … a hero of tragedy speaking and walking like a common mortal."

Aldridge was invited to perform Othello in 1858 at the Lyceum Theatre in London, and in 1865 at the Haymarket, winning a favorable press on both occasions. He was thinking of returning to the United States when he died in 1867 of lung trouble while on tour he was buried in L ó dz, Poland.

Aldridge was twice married and raised four children, three of whom were professional musicians. In addition, his daughter Amanda taught voice production and diction.


Amanda Ira Aldridge was the youngest daughter of famous actor Ira Frederick Aldridge, who was born in New York City and who made a career as a Shakespearean actor on the world stages of England, Europe, and United States. He is one of the only African American actors to be honored at the Shakespeare Memorial Theatre, Stratford-upon-Avon. The success of his career on the stage was beneficial in helping his daughter, Amanda, develop a career in performing as well.

Amanda Ira Aldridge was born in 1866 in the U.K. and lived until age 89, becoming a famous opera singer in Europe. Being a singer of mixed race, (African American and Swedish/Caucasian), and with her family background in the performing arts, she was provided with the opportunities to both obtain an education at the highest level and to have the experiences that she needed to establish a solid career. Aldridge studied voice at the Royal College of Music and performed and taught throughout her life. Throughout her career, she was driven to explore the importance to her ties to African American culture through composition. Aldridge was as a pivotal performer for African American classic songs in this time period.

After studying with Jenny Lind (known as the “Swedish Nightingale”) and George Henschel, Amanda made her career creating and composing art songs that often contained poetry by African American poets. Her most famous work was Three African Dances for piano, which was inspired by West African Drumming. All of her compositions were under a pen name “Montague Ring,” which was an association to her father’s acting career. This was the beginning of sharing African American culture between London and the U.S., more specifically, Harlem. Many students that eventually appeared on U.S. stages had Aldridge as their teacher among her students were Marian Anderson and Paul Robeson.

Later, Amanda Ira Aldridge turned to Tin Pan Alley to compose music of broader varieties. She was heavily influenced by her parents, who exposed her to a wide pan of diversity. Although it was uncomfortable for her, having been given her European background, Amanda explored world outside of classical music in the U.S. and sought to compose art songs that gave voice to African Americans. She understood that her father had been exposed to an unbalanced playing field in his career, as well as racial bias. Minstrel songs and slave songs were an outlet that he used in advance his career, and this history is reflected through Amanda.

-Eliana Barwinski (Christie Finn, ed.)

This biographical essay is made possible because of the Song of America Initiative for African-American Classic Song, a collaboration between the Hampsong Foundation and Dr. Scott Piper’s Winter 2016 course “The Art Songs of African American Composers” at the University of Michigan in Ann Arbor.


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