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Albrecht Dürer


Albrecht Dürer (1471-1528 CE) était un artiste allemand de la Renaissance qui est considéré comme l'un des plus grands peintres et graveurs de l'histoire. Natif de Nuremberg, Dürer était célèbre de son vivant dans son pays et à l'étranger pour ses peintures à l'huile, ses retables, ses dessins et ses gravures, ainsi que pour ses nombreux traités de théorie de l'art. Superbe dessinateur doté d'un sens aigu du détail, le style de Dürer mélange les tendances de l'art italien et nord-européen pour pousser l'art de la Renaissance toujours plus loin sur la voie du réalisme naturel.

Début de la vie

Contrairement à de nombreux autres artistes de la Renaissance dont les détails personnels et la vie ne sont connus que de manière sommaire à partir de sources de seconde main et de biographes ultérieurs, les événements de la vie d'Albrecht Dürer sont beaucoup plus faciles à reconstituer grâce à la propre habitude de l'artiste de tenir des journaux et des cahiers détaillés. En effet, cette habitude et le souci de Dürer de presque toujours signer et dater son œuvre amènent à conclure qu'il était bien conscient de sa renommée et qu'il était persuadé qu'elle perdurerait longtemps après sa mort. Les lettres personnelles sont une autre source précieuse d'informations historiques sur l'artiste, tout comme, bien sûr, ses œuvres survivantes qui comprennent plus de 2 000 dessins.

Dürer est né à Nuremberg le 21 mai 1471 de notre ère, et il y passera la majeure partie de sa carrière, même s'il voyageait fréquemment dans d'autres endroits. Son père homonyme était un orfèvre qui avait émigré de Hongrie. En 1490 CE, il peindra célèbre un portrait de son père. Un portrait au fusain de 1514 CE survit de la mère de Dürer, Barbara Holper, originaire de Nuremberg (le croquis se trouve maintenant au Staatliche Museen de Berlin). Le jeune Dürer a appris le dessin dans l'atelier de son père, et sa formation à la gravure de pièces d'or lui sera très utile pour le reste de sa brillante carrière.

DÜrer a étudié les effets de l'art classique sur l'art italien contemporain et s'est beaucoup intéressé à la recherche de proportions précises.

De 1486 à 1489 CE Dürer a étudié comme apprenti peintre et graveur à Michael Wolgemut (c. 1434-1519 CE) qui dirigeait un grand atelier à Nuremberg. Dürer a déménagé à Bâle en 1492 de notre ère et est resté dans cette ville pendant deux ans, réalisant des illustrations sur bois pour des livres imprimés. L'une des œuvres célèbres illustrées par le jeune artiste était le 1494 CE Navire des fous par le poète satirique Sebastian Brant (c. 1457-1521 CE). L'artiste a probablement également visité les Pays-Bas et Strasbourg à cette période. Dürer retourna dans sa ville natale et épousa la fille d'un marchand, Agnes Fey (1475-1539 CE) en 1494 CE. Il crée alors son propre atelier de maîtrise où il travaille avec de nombreux assistants et où il forme des apprentis. De là, Dürer a produit un grand nombre de peintures, de retables et d'estampes, l'artiste n'étant jamais au chômage pour le reste de sa vie.

Visite en Italie

En 1495, Dürer visita l'Italie pour la première fois, passant quelque temps à Venise. Toujours intéressé par son environnement, l'artiste a réalisé plusieurs aquarelles des Alpes lors de sa traversée vers le sud de l'Europe. Dürer a étudié les effets de l'art classique sur l'art italien contemporain et s'est beaucoup intéressé à la recherche de proportions précises concernant le corps humain et la perspective dans les scènes peintes ou gravées. Comme d'autres artistes de la Renaissance tels que Piero della Francesca (vers 1420-1492 CE) et Léonard de Vinci (1452-1519 CE), Dürer était convaincu que les sculpteurs de l'Antiquité avaient découvert les formules mathématiques secrètes nécessaires pour reproduire avec précision l'anatomie humaine dans l'art. . Les mathématiques et la géométrie pourraient également être appliquées à l'art pour garantir une perspective réaliste dans les peintures et les gravures. Dürer passera le reste de sa vie à rechercher ces possibilités, à étudier l'art italien en personne ou sur papier, à griffonner de nombreuses notes dans ses journaux intimes et à expérimenter les nombres dans ses propres croquis et œuvres finies.

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Le maître de la gravure

De retour à Nuremberg, Dürer a continué à faire des gravures, notamment la série de 15 gravures d'inspiration gothique connue sous le nom de L'Apocalypse en 1498 de notre ère. En 1504 CE, il peint son célèbre L'Adoration des Mages, qui est maintenant dans la Galerie des Offices à Florence. La même année, il réalise l'une de ses estampes gravées les plus célèbres (et copiées), la Adam et Eve. Les historiens de l'art P. Nuttall et R. Williams donnent la description suivante de ce chef-d'œuvre :

Dürer Adam et Eve la gravure illustre le potentiel virtuose du médium. À travers des hachures et des pointillés infiniment nuancés, Dürer crée le ton et la texture, suggérant la profondeur spatiale et les textures de la chair, de l'écorce et de la fourrure, dans un affichage de bravoure rivalisant avec les effets mimétiques de la peinture, mais en noir et blanc, équilibrant magistralement les exigences du naturalisme et conception graphique. La signature de Dürer sur la tablette en haut à gauche proclame sa paternité, une forme d'auto-publicité, comme le célèbre monogramme avec lequel il signait habituellement ses gravures, suivant la pratique des graveurs antérieurs.

(Campbell, 222).

L'estampe ci-dessus a été réalisée à partir d'une plaque de métal gravée, ce qui a donné aux artistes une plus grande précision dans leur travail, mais Dürer a également continué avec des gravures sur bois, car des copies de celles-ci pouvaient être produites en beaucoup plus grand nombre. Les plaques métalliques avaient tendance à s'user plus rapidement et seules une cinquantaine d'impressions pouvaient être réalisées avant qu'elles ne se détériorent. Dürer a embauché un agent pour vendre ses gravures avec un grand succès, aidé par son parrain, Anton Koberger (vers 1440-1513 de notre ère), propriétaire de la plus grande imprimerie d'Allemagne. Dürer a également employé sa mère et sa sœur pour vendre ses propres gravures. Malgré l'énorme demande d'estampes, l'artiste n'a pas négligé la peinture car il a continué à faire des études à l'aquarelle de la flore et de la faune partout où il allait. Des touffes d'herbe, des lièvres, des insectes et d'intéressants épisodes de lumière ont été rendus avec des détails exquis et réalistes.

Retour en Italie

Dürer visita à nouveau l'Italie en 1505 de notre ère et, passant deux ans à visiter Venise et Bologne, il rencontra des artistes tels que Giovanni Bellini (vers 1430-1516 CE). Les deux maîtres s'admiraient mutuellement. Bellini a été influencé par l'obsession de Dürer pour le détail tandis que l'artiste allemand disait de l'italien qu'il « était très vieux, mais toujours le meilleur en peinture » (Hale, 47 ans). Collectionneur réputé de croquis d'autres artistes et d'estampes de leurs œuvres, Dürer a souvent travaillé dessus pour créer de toutes nouvelles œuvres d'art. Un exemple de ces transformations est son Bacchanale avec Silène (1494 CE) estampe, qui dérive de la Bataille des Dieux de la Mer gravure (c. 1490 CE) par l'artiste padouan Andrea Mantegna (c. 1431-1506 CE). Dürer était depuis longtemps un admirateur de Mantegna, car des tirages de son travail étaient parvenus à Dürer en Allemagne bien avant qu'il ne se rende lui-même en Italie. Dürer admirera également le travail de Raphaël (1483-1520 EC) et échangera même des œuvres avec le maître italien en 1515 EC.

Empereurs du Saint-Empire

De retour à Nuremberg, l'artiste a acheté une impressionnante maison de quatre étages en 1507 de notre ère, qui sert aujourd'hui de musée qui lui est dédié. Dürer produit maintenant deux célèbres panneaux peints, Adam et Eve. Les deux panneaux, basés sur sa gravure précédente, sont maintenant conservés au musée du Prado à Madrid. En 1512 CE, la réputation de Dürer était bien établie, et il fut commandé pour diverses œuvres par Maximilien Ier, empereur du Saint Empire romain (r. 1508-1519 CE), dont deux portraits. Produisant toujours des gravures sur bois, Dürer a fait le Gravures de maître collection en 1514 CE, qui comprenait le célèbre Mélancolie I, considérée comme l'une de ses plus belles gravures sur cuivre. Nommé artiste en chef de la cour de Maximilien, Dürer a illustré le livre de prières personnel de l'empereur et a créé des estampes aussi célèbres que la Arc de triomphe de Maximilien.

Dürer a travaillé comme artiste de cour pour deux empereurs romains successifs.

Dürer a travaillé avec une équipe de collègues graveurs pour produire le composite Arc de Triomphe pour l'empereur vers 1515 CE. Tout comme pour les anciens empereurs romains, l'arc de triomphe restait un puissant symbole de pouvoir et de succès. Dürer a supervisé l'impression massive, qui était composée de 192 pièces imprimées séparément. Le travail fini, mesurant environ 7 mètres carrés (75 pieds carrés), a été reproduit 700 fois c. 1518 CE, et ces copies ont été envoyées aux cours d'Europe et aux conseils des grandes villes. Rappelant curieusement l'architecture hindoue, l'arche est extrêmement détaillée et embellie des armoiries de Maximilien, de son arbre généalogique, des portraits de sa famille et de divers épisodes de son règne, ce qui en fait un message puissant de son droit de régner.

Lorsque Charles V est devenu le nouvel empereur du Saint-Empire en 1520 de notre ère, Dürer a servi à sa cour aux Pays-Bas, mais un an plus tard, il était de retour à Nuremberg. 1521 CE était une autre année de voyage; cette fois, l'artiste a visité Gand, Bruges, Anvers et Cologne. En plus d'acheter des matériaux comme l'outremer rare (qui ne venait alors que d'Afghanistan) et d'acheter 22 pinceaux de qualité, il a visité de nombreuses églises et admiré le travail détaillé d'artistes flamands renommés comme Jan van Eyck (mort en 1441). Dürer a fait de nombreux dessins dans un carnet de croquis qu'il a rempli tout au long de ce voyage. Jamais du genre à refuser une opportunité de marketing, Dürer a également distribué des tirages de son travail en cours de route, en particulier son 1514 CE Saint Jérôme dans son bureau.

Littérature

À partir de 1518 environ de notre ère, Dürer avait commencé à s'intéresser vivement aux écrits du réformiste protestant Martin Luther (1483-1546 de notre ère), qu'il avait rencontré en personne à Augsbourg. Cette influence serait visible dans l'artiste de 1526 CE Quatre apôtres panneaux pour le Conseil de Nuremberg. Ces peintures étaient peut-être l'apogée de son impressionnant catalogue de chefs-d'œuvre dans ce milieu. Les figures de Jean, Pierre, Paul et Marc ont chacune reçu des citations de la traduction de la Bible par Luther. Le tableau se trouve aujourd'hui à l'Alte Pinakothek de Munich.

Un autre domaine d'intérêt dans les dernières années de Dürer était de mettre par écrit ses idées sur certains aspects techniques de l'art. Dürer a produit Underweysung der Messung en 1525 CE, un traité de géométrie intéressant à la fois l'art et l'architecture, et Vier Bücher menschlicher Proportion en 1528 CE, où il discute des proportions et de la pertinence des mathématiques pour l'art. Les travaux contenaient de nombreuses notes pratiques utiles telles que la façon de dessiner des figures en trois dimensions, donnaient des exemples de différents types de lettrage et offraient des explications sur la façon de créer des dispositifs qui donnaient les mesures nécessaires pour obtenir une bonne perspective d'un sujet donné.

Les conseils minutieusement compilés par Dürer étaient cependant destinés à un public très limité, comme il l'a lui-même noté :

La réalisation d'une peinture vraie, artistique et belle est difficile à atteindre. Il faut du temps et une main des plus libre et pratiquée. Qui donc n'est pas doué de cette manière, qu'il ne l'entreprenne pas ; car il vient par inspiration d'en haut. L'art de la peinture ne peut être vraiment jugé que par ceux qui sont eux-mêmes de bons peintres ; des autres, il est vraiment caché, même comme une langue étrangère.

(Nash, 288)

Portraits

En 1526 CE, Dürer a produit des portraits gravés de divers noms célèbres tels que le trio humaniste de Desiderius Erasmus (vers 1469-1536 CE), Philip Melanchthon (1497-1560 CE) et Willibald Pirckheimer (1470-1530 CE). L'artiste a également peint de nombreux portraits et demi-portraits de membres de la noblesse italienne lors de sa visite de 1505-7 CE et d'éminents Allemands par la suite. Cependant, aucun portrait n'est plus célèbre aujourd'hui que ceux que l'artiste a peints de lui-même. En effet, Dürer s'est peint plus que tout autre artiste de la Renaissance ; sa première tentative connue étant un dessin sur parchemin datant de 1493 CE.

Le plus célèbre des autoportraits de Dürer est le c. 1500 CE peinture à l'huile sur panneau de bois, maintenant exposée à l'Alte Pinakothek à Munich. Agée de 28 ans, l'artiste porte un manteau bordé de fourrure et de longs cheveux bouclés. L'image est si réaliste qu'on a le sentiment quelque peu troublant que l'artiste regarde le spectateur en personne et le défie de contredire qu'il s'agit en effet de l'un des plus grands artistes de l'histoire. Certes son chien a été impressionné, dit avoir léché la peinture tel était l'effet réaliste de son maître à l'huile. Dürer devait également être satisfait de son travail, puisqu'il l'a signé deux fois. Son monogramme et l'année 1500 CE sont sur le côté gauche, et sur la droite sont les mots : "Moi, Albrecht Dürer de Nuremberg me suis peint ainsi, avec une couleur éternelle, à l'âge de 28 ans". Les deux signatures sont placées en évidence au niveau des yeux du visage.

La pose frontale, les cheveux longs, la barbe et le geste de la main rappellent tous les représentations standard de Jésus-Christ et indiquent peut-être la conviction de Dürer - reflétée également dans le monde plus large de la Renaissance - qu'il n'était pas un simple artisan mais un créateur de belles des choses qui nécessitaient à la fois des compétences manuelles et des efforts intellectuels pour produire. Certes, le cher manteau de fourrure est un clin d'œil à ce désir de respect pour l'artiste, quelque chose qui était plus présent dans l'Italie de la Renaissance que dans l'Allemagne de Dürer, comme en témoigne la ligne suivante d'une lettre personnelle écrite par Dürer lorsqu'il était en Italie, « O, comme j'aurai froid à l'abri du soleil; me voici gentleman, chez moi un parasite." (Ruhmer)

Héritage

Dürer est mort le 6 avril 1528 CE à Nuremberg, où il a été enterré. Il était déjà devenu célèbre de son vivant et était célébré en Allemagne et en Italie comme l'un des grands artistes de la Renaissance. De fines estampes gravées de ses œuvres majeures ont fait leur chemin à l'étranger, répandant encore plus sa renommée. Les missionnaires jésuites ont utilisé ses gravures dans leur travail et ils ont même trouvé leur chemin vers des endroits aussi éloignés que l'empire moghol en Inde. Sa réputation ne grandit qu'après sa mort. Dürer a été fréquemment mentionné dans la célèbre histoire des artistes de la Renaissance La vie des plus excellents architectes, peintres et sculpteurs italiens (1550 CE, révisé 1568 CE) par Giorgio Vasari (1511-1574 CE). Selon Vasari, le travail de Dürer a influencé des artistes italiens tels que le graveur Marcantonio Raimondi (1480-1534 CE) et le peintre Jacopo da Pontormo (1494-1557 CE), parmi beaucoup d'autres. La réputation de Dürer était certainement durable, et son travail a été collectionné par des amateurs d'art tels que Rudolf II, empereur du Saint-Empire romain germanique (r. 1576-1612 CE) et bien d'autres depuis.


Albrecht Dürer - Histoire

Alors que la plupart des artistes de la Renaissance venaient de Florence, en Italie, il y avait un artiste d'ailleurs qui était connu pour avoir des peintures et des œuvres d'art excellentes et bien reçues au tournant du XVIe siècle. Non seulement cet artiste était peintre, mais il réalisait également de nombreux travaux tels que la gravure et la gravure. Il était même théoricien et mathématicien. Il n'était autre qu'Albrecht Durer (1471-1528).

Albrecht Dürer, ou Duerer, était un peintre, mathématicien, théoricien, graveur et graveur originaire de Nuremberg, en Allemagne. Il était considéré comme l'un des plus grands artistes de la Renaissance nordique. Avoir vécu entre les Pays-Bas et les capitales européennes de l'art de l'époque a ouvert la voie à son inspiration et à sa motivation pour peindre et graver sur bois.

Outre Paint, il excellait également dans les estampes. Ses œuvres se sont principalement concentrées sur le catholicisme romain, principalement des retables et d'autres arts religieux connexes. Il a également fait de nombreux autoportraits, et parce qu'il était graveur, il a pu produire de profondes gravures sur cuivre et gravures sur bois. Ses œuvres se sont avérées être l'essence même de l'art de la Renaissance du Nord, et elles étaient également étayées par des théories, qui associent des concepts mathématiques, des proportions idéalistes et de la perspective.

Albrecht est né le 21 mai 1471, le troisième parmi quatorze à dix-huit frères et sœurs. Son père était connu pour être un orfèvre de renom. Sa famille, à l'origine nommée Ajtosi, a déménagé à Nuremberg en 1455, près de Gyula, en Hongrie. Son nom de famille Durer ou Duerer, est dérivé de leur nom de famille hongrois d'Ajtosi. Il était auparavant connu sous le nom de "Thurer".

Ce qui l'a poussé à se lancer dans l'industrie de l'imprimerie, c'est son parrain, Anton Koberger, qui, juste au moment de sa naissance, a quitté l'orfèvrerie et s'est tourné vers la gravure. En raison du succès remporté par son parrain, il possédait un total de 24 presses à imprimer, dont la publication principale et notoire était alors la Chronique de Nuremberg.
Sa vie a été bien enregistrée et documentée, car Durer lui-même a laissé ses propres autobiographies. On dit qu'il a commencé à apprendre à dessiner et à frapper de l'or simultanément grâce à son père après quelques années d'études à l'école. Autant il voulait suivre les traces de son père, autant il continua à dessiner et finit par devenir apprenti de Michael Wolgemut à l'âge de quinze ans. La preuve de ses premiers travaux était son propre autoportrait quand il avait treize ans.

Après son passage en tant qu'apprenti, il a suivi la tradition allemande de Wanderjarhe, où les apprentis ont la liberté d'essayer d'apprendre des compétences d'autres artistes. Il a également été dit qu'il était censé travailler sous la direction du graveur européen Martin Schongauer, mais qu'il est décédé juste avant qu'Albrecht ne puisse arriver en 1492. Il a également été dit qu'il avait peut-être appris des frères de Martin, Paul et Caspar, et même le peintre Louis.

Il est finalement parti pour l'Italie, et a pu étudier davantage l'art et ses techniques avancées. Il était alors capable de faire des gravures à la pointe sèche et des gravures sur bois dans le style allemand. À son retour en 1495, il a ouvert son propre atelier d'art, et à ce moment-là, sa manière de peindre combinait lentement les styles italiens sous l'art du Nord. Bien que ses parents soient morts presque en même temps, il s'est principalement concentré sur les gravures qui étaient des gravures sur bois, et dont la plupart étaient religieuses. L'une des empreintes qu'il a pu faire était la "The Men's Bathhouse".

Bien qu'il soit presque impossible de savoir que c'était l'œuvre de Durer, c'était sans aucun doute la sienne. Les preuves montrent que sa formation rigoureuse dans l'atelier de Wolgemut a amélioré ses compétences pour les retables sculptés. Les documents indiquent également qu'il a soit dessiné les motifs du papier, soit directement coupé le motif sur le bois lui-même.

L'une des empreintes remarquables qu'il a pu accomplir était l'Apocalypse. Vient ensuite la gravure de La Grande Passion, une série sur la Sainte Famille et certains saints. Frédéric III de Saxe a également chargé Durer de réaliser le polyptyque des Sept Douleurs. Il s'est également formé à l'art dur d'utiliser le Burin, un ciseau à froid français pour faire des gravures profondes et imprimer.

Il retourne en Italie et se concentre davantage sur la peinture. Il travaille principalement sur des portraits et des retables d'église. En raison de la popularité de ses gravures, les œuvres ont finalement été copiées. Il retourna finalement à Nuremberg vers 1507 et y resta jusqu'en 1520. Il put même établir des liens avec de grands peintres et sculpteurs tels que Bellini, Da Vinci et Raphaël.

De 1507 à 1511, il a travaillé sur ses peintures les plus remarquables : Adam & Eve, L'Iris avec la Vierge, L'Assomption de la Vierge et Dix mille martyrs. Il mourut le 6 avril 1528, laissant une somme colossale d'œuvres d'art et de gravures. Certaines de ses œuvres sont :

• Le retable de Paumgartner
• Christ comme l'homme des douleurs
• Le Christ parmi les docteurs
• Étude des mains en prière
• Chevalier, Mort et Diable
• Mélancolie I
• Lamentation pour le Christ


Il y a de la sensualité et de la délicatesse artistique dans le visage pâle qui transmet aussi un sens de la discipline commerciale, c'est le visage de celui qui ne souffre pas des imbéciles et s'acquitte de son travail. Certes, Durer s'est tourné vers de nombreux métiers : il était peintre, imprimeur, illustrateur, graveur, portraitiste et mathématicien théoricien !

Albrecht Durer est né à Nuremberg, en Franconie, en 1471, dans l'actuelle Allemagne. A l'époque, c'était le Saint Empire romain germanique. Nuremberg était important pour lui, il y naquit et y mourut et, après avoir voyagé, y retourna toujours.

La maison de Dürer, où il a vécu et travaillé de 1509 à 1528, est toujours là, près du monument Dürer sur Bergstrasse. Le style gothique du bâtiment a été soigneusement préservé et la maison a été transformée en un musée intéressant qui donne un aperçu de la vie au début du XVIe siècle et de la vie quotidienne d'Albrecht Durer, l'artiste le plus éminent de Nuremberg.

Le père d'Albrecht était orfèvre et le jeune Albrecht devint naturellement son apprenti, apprenant l'art de façonner et de graver des bijoux. Albrecht a fait un double apprentissage : peu de temps après être devenu apprenti orfèvre, il a commencé à travailler et à étudier l'art avec un artiste local, Wolgemut, spécialisé dans les gravures sur bois artistiques pour les livres.

Le premier contact de Durer avec l'art s'est fait dans le domaine de la gravure sur bois et de l'impression, il n'est donc pas étonnant qu'il se soit spécialisé dans ce domaine. Il a en fait élargi le métier de la production d'illustrations pour l'impression, en lui donnant plus de portée, de ton et de profondeur, et il a élevé la gravure en une forme d'art. Vers la fin du siècle (1497-1500), Durer réalise une impressionnante série de gravures sur bois religieuses : « L'Apocalypse », « La Passion » et « La Vie de la Vierge ».

Des gravures sur bois aux gravures, le pas est court et Durer excelle dans la production de gravures complexes, richement détaillées et suggestives, dont beaucoup sont truffées de symbolisme qui suscitent encore aujourd'hui des discussions. Il a gravé de nombreuses scènes bibliques, telles que "Adam et Eve" qui comprend le nom de l'artiste et la date d'exécution (1504) dans l'image elle-même. Les gravures postérieures montrent la pleine perfection de l'art de Durer.

L'une de ses gravures les plus célèbres est l'intrigante "Chevalier, la Mort et le Diable", pleine de fascination médiévale. La lumière filtrant à travers des vitres tachetées nous montre "Saint Jérôme dans sa cellule", et une autre pièce bien connue est "Melencolia" (l'artiste a inséré le titre dans l'œuvre elle-même, d'où l'ancienne orthographe) qui regorge de symboles, de géométrie et même un carré magique avec la date de la gravure (1514).

Prenant un peu de recul dans notre biographie de Durer, nous voyons le jeune artiste boucler ses années d'apprentissage et affiner son art. Cependant, à la fin de son apprentissage chez l'artiste-imprimeur Wolgemut, Albrecht n'a pas immédiatement commencé à exercer sa profession artistique. En 1490, suivant la tradition de voyager pendant une année sabbatique avant de se lancer dans une profession (le "Wanderjahre" allemand), il visite l'Allemagne et l'Europe du Nord, rencontre d'autres imprimeurs et artistes et étudie les techniques de gravure.

Son année sabbatique se transforma en quatre et ce n'est qu'en 1494 qu'il retourna à Nuremberg. La même année, il épousa Agnès Frey, la fille d'un éminent brasseur local. Trois mois plus tard, il voyage à nouveau, cette fois en Italie, où il est fortement influencé par les œuvres de Bellini et par la magie de Venise. Parcourant les Alpes, il s'est tourné vers une forme d'art alternative, réalisant une série de délicats croquis à l'aquarelle.

Il revint à Nuremberg en 1495 et créa son propre atelier. Influencé par le grand art de la Renaissance italienne, il a produit des dessins hautement artistiques pour des gravures sur bois que ses assistants ont transformés en gravures sur bois pour l'impression. Il a établi de nouvelles normes pour cette forme d'art, en utilisant des techniques et des styles qu'il avait vus en Italie et qui contrastaient fortement avec les styles allemands traditionnels.

Seize pièces fortes composent la série "Apocalypse" qu'il réalise en 1498, suivie de la "Grande Passion", de la "Sainte Famille et des Saints", du "Polyptyque des Sept Douleurs" (commandé par Frédéric III de Saxe) et, plus tard, la série "La Vie de la Vierge". En 1496, il a utilisé pour la première fois sa signature monogramme distinctive : une lettre stylisée « D » nichée sous une grande lettre « A » qui forme une arche au-dessus et autour d'elle. Cette signature distinctive est présente dans la plupart des œuvres de Durer. Il a produit du grand art dans cette période fertile, y compris de nombreuses madones et plusieurs paysages atmosphériques, ses arrière-plans sont devenus encore plus détaillés et suggestifs. Sa renommée s'est rapidement propagée. L'imprimé est le support idéal pour faire passer le mot ou, comme dans ce cas, l'image.

Durer effectue un autre voyage en Italie en 1505, y reste jusqu'en 1507 et diversifie sa production artistique. Il réalise des retables, des portraits et une série de peintures à la détrempe sur lin.

Les peintures célèbres de cette période sont la riche et sensible "Adoration des Mages", qui révèle les diverses influences de son récent voyage en Italie, et une curieuse peinture tryptique à l'huile sur bois, le retable de Paumgartner. Ce retable à trois panneaux a été commandé par l'éminente famille Paumgartner de Nuremberg, en effet Saint Eustache et Saint George sur les panneaux latéraux ont les visages des frères Paumgartner tandis que d'autres membres de la famille sont représentés comme de petites figures dans la crèche du panneau central.

En 1506, alors qu'il était encore en Italie, il fut chargé par la communauté allemande de Venise de créer un retable pour l'église de San Bartolomeo. La belle "Adoration de la Vierge", également appelée "Fête des guirlandes de roses" a ensuite été emmenée à Prague où elle peut encore être vue à la Galerie nationale de Prague.

Malgré les invitations à rester et à travailler à Venise, Durer est retourné à Nuremberg où il a continué à produire des beaux-arts, affichant ses multiples talents dans la gravure sur bois, la peinture, la gravure, la gravure et le portrait. Un simple dessin préparatoire datant de 1508, les "Mains qui prient", est un bel exemple du grand talent et de la renommée durable de l'artiste. En 1507, il a produit la première peinture de nu à grande échelle d'Allemagne : "Adam et Eve" (sur deux panneaux), développant sa gravure de 1504. Parmi les autres œuvres d'art célèbres de Durer, citons la "Vierge à l'iris" (1508), le retable de l'"Assomption de la Vierge" (1509) et l'"Adoration de la Trinité" (1511). Bien qu'il se plaise à peindre des tableaux, il se remet en 1513 à la gravure sur bois et à la gravure, qui lui paraissent plus profitables que la peinture. Ses gravures sur bois et gravures les plus célèbres datent de cette période. En effet, c'est en 1513-1514, que Durer réalise les trois gravures extraordinaires ("Chevalier, Mort et Diable" "Melencolia" "Saint Jérôme dans sa cellule") qui marquèrent fortement le monde de l'art et devinrent connues sous le nom de les Gravures de Maître.

Le principal mécène de Durer, à partir de 1512, était l'empereur romain germanique lui-même, Maximilien Ier, qui commanda une gravure sur bois aux proportions gigantesques. Un total de 195 blocs de bois distincts ont été préparés et l'impression s'est faite sur 36 très grandes feuilles de papier. C'était une mode de décoration murale pour les palais très en vogue au début du XVIe siècle, bien que l'art ainsi produit n'ait pas eu une longue durée de survie. Un historien de l'art, Hyatt-Mayor, parle du « programme de grandeur de papier de Maximilien ». Heureusement, une grande partie de cette grande œuvre, reliée sous forme de livre, a survécu et nous est parvenue. Sous le patronage de Maximilien, Durer a réalisé de nombreux portraits de l'empereur et a également amélioré le livre de prières imprimé personnel de Maximilien avec des images décoratives dans les marges. Une curiosité : en 1515, Durer a créé une image réaliste d'un rhinocéros basée uniquement sur une description écrite. Cette image est si puissamment réaliste qu'elle a été utilisée dans les manuels de sciences jusqu'au siècle dernier.

Albrecht Durer n'était pas seulement un artiste. Il a également écrit des livres théoriques sur les formes et les proportions géométriques, et même un livre sur les fortifications. Ses "Quatre livres sur la mesure" traitent de la géométrie, de la géométrie linéaire aux polygones ou à la géométrie bidimensionnelle. Il explique les applications de la géométrie dans l'architecture et la typographie, puis combine la science et l'art, examinant la perspective linéaire en images. Les "Quatre livres sur la proportion humaine" donnent des exemples de différents types de corps, masculins et féminins, et considèrent les différentes parties du corps comme des fractions de la taille totale. Les livres traitent également de la physionomie humaine et du mouvement du corps. Il y a aussi une intrigante annexe consacrée à l'esthétique dans laquelle Durer tente de répondre à l'impossible question : qu'est-ce que la beauté ?

À la mort de l'empereur Maximilien Ier en 1519, Durer se rendit à Aix-la-Chapelle pour assister au couronnement et assurer le patronage du nouvel empereur Charles V. Au cours de ce voyage, il visita de nombreuses villes, Anvers, Bruges et autres. , où il a été bien reçu, sa renommée l'ayant précédé. Il fait des dessins au fusain et à la pointe d'argent, il visite des galeries d'art et admire d'autres artistes, il vend, échange ou donne un stock important d'estampes qu'il a emportées avec lui. Il termina son voyage à Bruxelles où le roi Christian II de Danemark avait commandé un portrait royal. A Bruxelles, l'orfèvre en lui fut très impressionné lorsqu'il fut invité à voir les trésors d'or abondants que Cortès avait rapportés du Nouveau Monde et offerts à l'Empereur.

Durer avait contracté une maladie au cours de ses voyages qui a affecté sa santé et ralenti sa production artistique et intellectuelle. A son retour à Nuremberg, en 1521, il se lance dans plusieurs projets ambitieux, partageant ses énergies entre la préparation et la compilation de ses travaux théoriques sur la géométrie et la proportion, et une série d'œuvres d'art à thèmes religieux. En raison de sa santé déclinante et du fait qu'il consacre beaucoup de temps à la géométrie, sa production artistique a été réduite dans ses dernières années, et certaines œuvres restent inachevées. Son dernier grand tableau, "Les Quatre Apôtres", est composé de deux panneaux il a été peint en 1526 et montre les quatre saints (Jean, Pierre, Marc, Paul) magnifiquement vêtus et consultant de lourds livres. C'était un cadeau de Durer à la ville de Nuremberg et peut être vu dans l'Alte Pinakothek à Munich. Ses dernières gravures sont des illustrations de son traité et quelques portraits, dont celui d'Érasme de Rotterdam, avec qui il entretient une correspondance amicale.

Durer était malade depuis un certain temps. Il meurt en 1528, à Nuremberg, et il est enterré au cimetière de l'église Saint-Jean. N'ayant pas d'enfants, il a tout laissé à sa femme : la grande maison et une importante somme d'argent. Durer avait été parmi les dix citoyens les plus riches de Nuremberg, il a amplement remboursé son état privilégié en laissant un si riche héritage artistique à la ville de Nuremberg et au monde.


Albrecht Dürer (1471-1528)

Albrecht Dürer était un graveur et peintre de Nuremberg en Allemagne. Ses estampes sont considérées comme prolifiques à la Renaissance allemande. Dürer a beaucoup travaillé et voyagé en Italie pendant ses études d'arts visuels et a passé du temps avec un partenaire intime de longue date, Willibald Prickheimer, avocat et auteur humaniste allemand. Cette intimité a été documentée par des lettres qui discutaient également de la double convoitise de Durer pour les filles et les soldats allemands. Dürer a même créé un portrait au fusain de Prickheimer avec une citation grecque assez flagrante qui se traduit approximativement par : “Avec la bite dans ton trou du cul”

Oeuvre en vedette : La maison de bain

Date et lieu : 1496 en Allemagne

Médias: Impression de gravure sur bois

Où puis-je voir cette oeuvre ? : Le Metropolitan Museum of Art de New York (non visible actuellement)

Importance pour l'histoire de l'art queer :

Durer’s Maison de bain explore un environnement homosocial de consommation d'alcool, de musique et de flirt qui illustre les expériences de Dürer dans les bains publics et les zones similaires. The imagery proves to be homoerotic as well in placement of a phallic fountain at the crotch of the male figure on the left of the image.

Resources & Further Reading:

Saslow, James M. Pictures and Passions: A History of Homosexuality in the Visual Arts. New York, NY: Viking, 2000. 92-96.


The History of Albrecht Dürer

As a German company with a global expansion standing over 200 years, history is ingrained in the physical and metaphorical structure of Faber-Castell. Established in the aftermath of the Renaissance period, our past, present, and future are strongly influenced by cultural and artistic movements of the 18th century. No matter the era, our products hold a standard of the highest quality, influencing why our professional-grade watercolor products are named after Albrecht Dürer artist and Renaissance pioneer.

The Renaissance era was a pivotal time in human history. This period created cultural advancement that shifted the way individuals lived their lives in almost every aspect, pushing us into the modern world we live in centuries later. With the growth of Renaissance art being one of the biggest advancements, Dürer’s influence is of the more notable of the era.

A son of a goldsmith growing up in the cultural hub of Nuremberg, Dürer’s start in life had a potential that he would one day exceed beyond expectations. Dürer’s resume is quite impressive. He was a painter, craftsman, writer, and printmaker. Though his painted works of art and powerful words left a strong influence, perhaps his biggest notoriety is what he did for the art world with his printmaking.

Dürer’s artwork emphasized the vitality in attention to detail and uncovered ways to place emotions into art. During his time, artists were limited to the number of creative resources available for use in their work. Dürer’s approach allowed himself the opportunity to provide tedious detail so that those looking at his work could feel and comprehend what the artist was trying to portray. Many of his pieces of art were of religious purpose, these include: St. Michael Fighting the Dragon, first seven scenes of the Great Passion, and designs for The Apocalypse to name a few.

In our world today, artists continue to look for new ways to emphasize detail and express emotion into each piece of art. At Faber-Castell, Albrecht Dürer Artists’ Watercolor Pencils provide artists with the opportunity to break media barriers and exceed creative limits all with one medium. The legacy of Albrecht Dürer is one that affects artists today and will live on forever in our watercolor products.


Accomplishments

  • Until the 1500s, the art of Renaissance Italy (focused on proportion, perspective and representations of 'man' in his environment) had remained almost entirely independent from late medieval art in the north of Europe (focused on naturalistic studies). Dürer combined these two modes of art making, and was the first non-Italian artist to apply contemporary philosophy, medical, and theological ideas to his paintings.
  • Dürer felt it was important to produce artistic allegories for new conceptions of the human. For example, his famous series of prints, Knight, Death, and the Devil (1513), St. Jerome in His Study (1514), and Melencolia I (1514), represent the three spheres of human activity: the active, contemplative, and intellectual.
  • Later in his life Dürer became increasingly engaged in scientific topics, publishing treatises including his Four Books on Measurement (1525), Treatise on Fortification (1527) and Four Books on Human Proportion (1528), for which he created illustrations. He believed that geometry was essential for producing harmonic artworks, and thus that it should be taught to all young artists, alongside other mathematical rigors.
  • Despite his decidedly Renaissance interest in Humanism and mathematics, Dürer continued to produce extremely detailed studies of the natural world, particularly animals - be they newly discovered in Europe (such as the mythical rhinoceros and lion) or common native creatures (such as the hare, owl, or cat).
  • Dürer was well aware of his own artistic genius, which equally tortured and enlivened him. He painted a number of aggrandizing self-portraits, and would often appear as a character in his painted commissions. He was one of the first artist celebrities, with copycats, followers, and fans in a model that continues to this day.

Автопортрет

Искусствовед Томас Ховинг, бывший с 1967 по 1977 год директором музея Метрополитен, в своей книге «Величайшие произведения искусства западной цивилизации» называет этот автопортрет Альбрехта Дюрера «самым надменным, раздражающим и великолепным портретом из когда-либо созданных».

Третий и последний из написанных маслом автопортертов Дюрера хранится в Cтарой пинакотеке Мюнхена, а предыдущие два автопортрета – в Лувре и Прадо. На первом из них 21-летний Дюрер изобразил себя в красном берете и с цветком чертополоха – этот портрет должен был в наилучшем виде представить внешность молодого художника его невесте, которую, пока Дюрер странствовал по Европе, ему выбрал отец. Второй автопортрет изображает 26-летнего Дюрера в очень дорогой одежде, отделанной золотым шитьём, и лайковых перчатках. Новый образ – отчасти результат его итальянского путешествия. Если адресатом первого автопортрета была одна-единственная девица Агнес, которая станет женой Дюрера в долгом, но несчастливом и бездетном браке, то адресат второго автопортрета – вся публика (и итальянская, и немецкая, и вся прочая), которая претендует на то, что разбирается в искусстве. Это ей Дюрер всем своим изысканным обликом заявляет: он больше не является простым ремесленником – он мастер, чье достоинство высоко и самодостаточно.

На фоне первых двух автопортретов с их вполне однозначными месседжами «Автопортрет в одежде, отделанной мехом» выглядит неожиданным и загадочным. Два предыдущих выполнены в традиционном для портретного искусства того времени трехчетвертном развороте, а на третьем Дюрер вдруг пишет себя фронтально, лицом к лицу со зрителем. Во времена Дюрера так не принято было писать светские портреты – фронтальная композиция использовалась для изображений религиозного характера. Так, к примеру, изображал Христа благословляющего старший современник Дюрера Ганс Мемлинг. Так что же Дюрер хочет сказать, изображая фронтально – себя самого? Какова его идея?

Историк искусства Марсель Брион полагает, что Дюрер и собирался изначально писать Христа и, за неимением под рукой подходящей модели, прибегнул к помощи зеркала. Он словно бы колебался во время работы, что ему писать – лик Спасителя, которому нужно придать канонически правильные и в то же время индивидуальные черты, или же собственное, уже так хорошо изученное посредством графических штудий (1,2,3) и двух масляных автопортретов лицо.

К 1500-му, году написания автопортрета, Дюрер достиг в религиозном искусстве больших успехов: его гравюры на тему Апокалипсиса и Страстей Христовых имели общеевропейскую популярность. Он вполне мог пожелать написать образ Христа маслом, ведь, экспериментируя в разных техниках, художник обогащает и оттачивает своё мастерство. Это лицо с печатью характерной дюреровской меланхолии вполне быть и лицом Христа, знающего о своих будущих страданиях. Эта тонкая рука, придерживающая одежду у ворота, могла быть развернута кистью наружу в традиционно жесте благословения. Отмечают, что Дюрер даже собственному носу придал более утонченную и правильную «иконописную» форму, а волосы сделал каштановыми, хотя на предыдущих портретах они у него скорее рыжевато-русые – всё это как бы говорит, что первоначальным замыслом Дюрера, вероятно, всё же не был автопортрет.

В биографическом романе Станислава Зарницкого «Дюрер» хорошо описан этот момент двоящегося восприятия, смысловой зыбкости автопортрета:

— Старый Дюрер, зайдя как-то в мастерскую сына, увидел картину, только что законченную им. Христа — так показалось золотых дел мастеру, зрение которого окончательно испортилось. Но, всмотревшись пристальнее, увидел он перед собою не Иисуса, а своего Альбрехта. На портрете был одет его сын в богатую меховую шубу. Зябко стягивала ее борта рука с бледными, беспомощными в своей худобе пальцами. Из мрачного фона, словно из небытия, выступало не просто лицо — лик святого. В глазах застыло неземное горе. Мелкими буковками сделана надпись: „Таким нарисовал себя я, Альбрехт Дюрер из Нюрнберга, в возрасте 28 лет вечными красками“.

Нанеся на темный фон эту готическую надпись, художник делает окончательный выбор. «Таким изобразил себя я, Альбрехт Дюрер. » Этими словами он отменил все разночтения.

И всё-таки искатели скрытых смыслов указывают, что многие детали автопортрета имеют двойственное значение. Например, при сильном увеличении видно, как отражения окон в зрачках Дюрера образуют кресты. А его монограмму AD рядом с обозначением года 1500 можно читать не как «Альбрехт Дюрер», а как anno domini – т.е. от Рождества Христова. Куратор раннегерманской и голландской живописи Старой пинакотеки Мартин Шаве в интервью «Уолл стрит джорнал» недавно рассказал, что, по его мнению, Дюрер писал этот портрет не для публики, а исключительно для себя и, может быть, для нескольких друзей-художников – настолько он был необычен, экспериментален, невероятен.

Было ли это особой дерзостью со стороны художника — написать себя в образе Спасителя? И да, и нет. Дюрер был ревностным христианином и знал, что уподобиться Христу для верующего — не только жизненное задание, но и долг. Апостол Павел учил, что уподобиться Спасителю нужно в жизни, — Дюрер же рискнул уподобиться на портрете.

До конца жизни Дюрера автопортрет всегда находился в его доме. После смерти художника он при неясных обстоятельствах стал собственностью мэрии Нюрнберга – полагают, это мог быть подарок жены Дюрера Агнес, а в 1805 году автопортрет выкупила у мэрии Мюнхенская пинакотека.


Who was Albrecht Dürer?

Albrecht Dürer was born in Nuremberg on May 21, 1471. His father, a talented goldsmith, taught him the basics of drawing and metalworking, including the skill of engraving. The boy’s aptitude led to his being apprenticed from 1486 to 1489 to Nuremberg’s leading painter, Michael Wolgemut.

In addition to being a painter, Wolgemut was a prolific designer of woodcut prints, primarily used for book illustrations. His principal client was Anton Koberger, one of the leading publishers in Europe, as well as Dürer’s godfather.

Michael Wolgemut, View of the City of Nuremberg, 1493, from The Nuremberg Chronicle (Nuremburg: Anton Koberger) (The Metropolitan Museum of Art)

Following his apprenticeship, Dürer set out as a journeyman, traveling to great art centers in Germany and the Netherlands. His tour lasted four years. He had hoped to go to Colmar to meet Martin Schongauer, a famous painter and the leading engraver in Germany, but by the time Dürer arrived in Colmar, Schongauer had died. Fortunately, Schongauer’s brothers gave Dürer access to the prints and drawings in his studio. Dürer went on to work with another of the brothers, a goldsmith in Basel.

Martin Schongauer, German, about 1450-91, Saint Sebastian, c. 1480-90, engraving (The Metropolitan Museum of Art)

Dürer returned to Nuremberg in 1494. Within six months he had married and set off again, this time for Italy. During a sojourn of several months, he came into direct contact with the art and artists of the burgeoning Italian Renaissance. His studies of the works of Antonio Pollaiuolo, Andrea Mantegna, Giovanni Bellini, and others brought changes to his own art. He began to combine the structure and corporeality of Italian art with the profuse detail and emotive narration of northern European art.

Albrecht Dürer, The Seven Golden Candlesticks and the Seven Stars from The Apocalypse, 1511, originally published 1498, woodcut, 39.53 x 28.26 cm (Minneapolis Institute of Art)

During the later 1490s his most remarkable project was an illustrated edition of The Apocalypse of Saint John, the Bible’s Book of Revelations. The book, with its visionary, full-page woodcut prints, made Dürer one of the most famous men in Europe.

At the same time, Dürer perfected his skills in other disciplines, including both oil and watercolor painting, drawing, and above all, engraving. By his 30th birthday, Dürer was an engraver without peer, and remains so today. His studies of nature, proportion, and perspective, reaching their apogee in his studies of human anatomy, laid the foundation for brilliant engravings such as Adam and Eve, his self-conscious masterpiece of 1504.

Albrecht Dürer, Adam and Eve, 1504, engraving, 24.92 x 19.21 cm (Minneapolis Institute of Art)

Dürer traveled to Italy again from 1505 to 1507, possibly in an attempt to shut down copyists who were stealing his ideas. His renewed contact with Italian artists deepened his fascination with art theory, and he soon began intensive studies that would lead to the publication of detailed treatises on human proportion, applied geometry, and military fortification. Though the geometry treatise would not appear until 1525, he was working on it in the early 1510s, while also studying nature and preparing Melencolia I. The wings of the angel in Melencolia I bring to mind his famous watercolor of a bird’s wing (below), which he drew in 1512. Melencolia I is sometimes called Dürer’s “summa” because it brings together so many of his interests and ideas.

Dürer’s patrons included the uppermost reaches of society, including Holy Roman Emperor Maximilian I, who awarded Dürer’s annual pension. Yet Dürer avoided becoming exclusively a court artist, preferring entrepreneurship. He continued to paint, but he clearly realized that the printing press was a more reliable source of income. As early as 1508, he wrote to a patron, “I shall stick to my engraving, and if I had done so before I should today be a richer man by 1,000 florins.” Dürer employed agents, including his wife, Agnes, to sell his prints, thus freeing him to work on time-consuming projects.

In July 1520, not long after the death of the emperor, Dürer departed for a year-long trip to the Netherlands. He hoped to persuade the new Emperor Charles V to renew his pension. Along the way he basked in the great celebrity accorded him in city after city. He met other great artists, royals, and intellectuals. His diary from this trip reveals that he often gave prints, occasionally including Melancolj (as he called it) as gifts.

Albrecht Dürer, German, 1471-1528, Wing of a Blue Roller, 1512, watercolor (The Albertina Museum, Vienna)

After his return to Nuremberg, Dürer complained of his failing eyesight and stiffening hands. In later years, his productivity as an engraver slowed, but he continued to publish his prints. His earlier engravings have been found printed on papers from the 1520s. He died in 1528, leaving Agnes an estate of 6,874 florins, more than ten times the annual salary of the mayor of Nuremberg. The reprinting of Dürer’s engraved plates and woodblocks continued for centuries, though they became increasingly incapable of producing such beautiful impressions as the one on display here.


The drawing is on blue colored paper that the artist made himself. "Praying Hands" is part of a series of sketches that Dürer drew for an altarpiece in 1508. The drawing shows the hands of a man praying with his body out of view on the right. The sleeves of the man are folded and noticeable in the painting.

The work was originally requested by Jakob Heller and is named after him. It is posited that that sketch is actually modeled after the artist's own hands. Similar hands are featured in other of Durer's artworks.

It is also theorized that there is a deeper story connected to "Praying Hands." A heartwarming story of familial love, sacrifice, and homage.


1. Albrecht Dürer Left A Great Legacy

Melencolia I, Albrecht Dürer, 1514, via The Met

Dürer left one of the most powerful legacies of all the artists of the Northern European Renaissance, particularly in printing. Before advanced technologies began to allow visual information to be shared far and wide, engraving was a hugely important medium for the circulation of images. Dürer broke new ground in the area, demonstrating what meticulous art could be created in this way and upping the standards for engravers ever since. Painters also began to work more closely with printmakers, who could replicate and distribute their creations to a larger audience.

His paintings also left their mark on the world of art, encouraging later generations of Germans to incorporate some of the Italian style into their own work. His seminal self-portraits helped to establish the genre, and have often been cited as the inspiration for later portraitists. The painters of the Neoclassical movement , in particular, looked to Dürer’s masterpieces to recreate their uniquely intense atmosphere.


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